No pain. The world is a wonderful whisper for those who can listen, if necessary in silence. (jumbolo)

20171120

Qualcosa succede

Algo sucede - Julieta Venegas (2015)

Sicuramente avrete ascoltato anche voi almeno una canzone di Julieta Venegas Percevault: Me voy ("Me ne vado"), canzone del 2006 contenuta nel suo quarto album Limón y sal, che fu pubblicata come singolo in Europa nel 2007, e divenne una sorta di tormentone. Julieta non è solo quella canzone: è una delle artiste musicali messicane più conosciute, e più rispettate. Billboard ha detto di lei: "Venegas ha mantenuto una delle carriere più coerenti ma sottovalutate sin dal suo debutto solista, Aquí, più di due decenni fa. Una pioniera la cui musica e immagine hanno rotto gli stereotipi di Latina, Venegas ha forgiato un percorso tra l'alternativa latina e la musica pop e ha sostenuto la punta di una forte ondata di artiste messicane".
Nata a Long Beach, California USA, da due fotografi messicani, cresciuta a Tijuana, polistrumentista e appassionatasi alla musica fin da bambina, ha fatto parte di alcune band prima di "mettersi in proprio", ed ha collaborato con molti musicisti latino americani (non ultimo l'argentino Gustavo Santaolalla, Oscar per la colonna sonora di Brokeback Mountain e compositore di moltissime altre soundtrack), influenzandone molti altri (Natalia Lafourcade la cita come "una delle sue influenze più pesanti"). La sua musica pare semplice, ma è fatta da un lavoro ampio, che mescola il pop e il rock più radiofonico, insieme a vari ritmi latini (anche la stessa Me voy è basata su un ritmo di Ranchera), ed ha un talento impressionante per la scrittura delle canzoni. Questo suo (per adesso) ultimo disco del 2015 ne è uno dei tanti esempi, ve ne renderete conto ascoltandolo.



Of course you must have heard at least one song by Julieta Venegas Percevault: "Me Voy" ("I'm Leaving"), a 2006 song contained in her fourth album "Limón y Sal", which was released as a single in Europe in 2007, and became a hit also in Italy. Julieta is not just that song: she is one of the most well known and most respected Mexican music artists. Billboard said about her: "Venegas has maintained one of the most consistent yet understated careers since her solo debut, "Aquí", more than two decades ago. A pioneer whose music and image have broken Latina stereotypes, Venegas has forged a path between Latin alternative and pop music,and supported the cresting of a strong wave of Mexican female artists."
Born in Long Beach, California USA, by two Mexican photographers, grew up in Tijuana, a poli-instrumentalist and passionate about music as a child, was a member of some bands before starting a solo carreer, and collaborated with many Latin American musicians (not the last Argentinian Gustavo Santaolalla, Oscar for the soundtrack of Brokeback Mountain and composer of many other soundtracks), influencing many others (Natalia Lafourcade cites it as "one of his heaviest influences"). Her music seems simple, but is made of a large work that mixes pop and radio-oriented rock, along with various Latin rhythms (even "Me Voy" is based on a Ranchera rhythm), and has an impressive talent for the songwriting. This (for now) last album of 2015 is one of many examples, you will realize it by listening to it.

20171119

Soul

Anima - Francesca Belmonte (2015)

Londinese purosangue, ma con madre irlandese e padre napoletano, Francesca Belmonte una volta si faceva chiamare Franky Riley. La leggenda vuole che sia stata scelta da Tricky dopo un demo ed un provino, ed ha cominciato a collaborare con lui dal 2008. Questo è il suo disco di debutto, ed è prodotto dallo stesso Adrian Thaws aka Tricky, che ha messo lo zampino pure nella scrittura di buona parte delle tracce (11 su 15, per essere esatti). Curiosamente, due anni dopo lo stesso Tricky ha scelto una delle 4 tracce non da lui co-scritte, per reinterpretarla nel suo Ununiform (quindi Stole non è "sua", come vi avevo scritto erroneamente nella rece - ho corretto): ma questa è un'altra storia. E' piuttosto naturale che il suono e lo stile di Francesca sia pesantemente influenzato dal suo mentore, non credo sia il caso di fargliene una colpa. Il disco è più che apprezzabile, e auguro alla ragazza di spiccare presto il volo verso la totale emancipazione: la voce è deliziosa e ferma, le suggestioni soul/blues sono sottotraccia ma vive, sotto lo strato di trip hop elettronico, che naturalmente fa da filo conduttore del disco. Da tenere d'occhio. 



Londoner born and raised, but with an Irish mother and Neapolitan father, Francesca Belmonte aka called Franky Riley (once). Legend has it that she has been chosen by Tricky after a demo and a rehearsal, and has started collaborating with him since 2008. This is her debut album, and is produced by Adrian Thaws aka Tricky himself, who has put his hands as well in writing a lot of the tracks (11 out of 15, to be exact). Curiously, two years later, Tricky chosen one of the four tracks not co-written by him, to reinterpret it in his "Ununiform" (so "Stole" is not "his", as I had wrongly written in its review): but this is another story. It is rather natural that Francesca's sound and style is heavily influenced by his mentor, and I do not think it is a good thing to blame her. The record is more than to be appreciate, and I wish the girl to soon fly to full emancipation: the voice is delicious and firm, the soul / blues suggestions are subtle but alive, under the layer of electronic trip hop, which of course does the album conductor wire. To keep an eye on.

20171118

Comunicazione



Questo è un altro di quei pezzi che mi fa piangere ogni volta che lo ascolto.

For 27 years I've been trying
To believe and confide in
Different people I found

Some of them got closer than others
And some wouldn't even bother
And then you came around

I didn't really know what to call you
You didn't know me at all
But I was happy to explain

I never really knew how to move you
So I tried to intrude through
The little holes in your veins
And I saw you

But that's not an invitation!
That's all I get
If this is communication
I disconnect
I've seen you, I know you, but I don't know
How to connect
So I disconnect

You always seem to know where to find me
And I'm still here behind you
In the corner of your eye

I'll never really learn how to love you
But I know that I love you
Through the hole in the sky
Where I see you

And that's not an invitation!
That's all I get
If this is communication
I disconnect
I've seen you, I know you
But I don't know
How to connect
So I disconnect

Well, this is an invitation!
It's not a threat
If you want communication
That's what you get
I'm talking and talking
But I don't know

How to connect

And I hold
A record for being patient
With your kind of hesitation

I need you, you want me
But I don't know
How to connect
So I disconnect

I disconnect

20171117

Passato perso

Verloren Verleden - Anneke van Giersbergen and Árstíðir (2016)

Mi sono imbattuto in questo disco cercando qualcosa sugli islandesi Árstíðir, che da qui in poi chiamerò semplicemente "gli islandesi", senza offesa, visto che sembra che apriranno il concerto di Myrkur e dei Solstafir. Questo disco mi è parso curioso, e inizialmente non avevo capito che Anneke van Giersbergen era la ex cantante dei Gathering, adesso impegnata con la sua nuova band, i Vuur. Benissimo: gli islandesi (il nome significa "stagioni") sono attualmente un terzetto di musica classica e da camera, caratterizzato da interessanti armonie vocali, dato che tutti i membri, oltre a suonare (chitarra, chitarra baritona, piano), cantano. Anneke, olandese, musicista e soprattutto cantante, può cantare di tutto (e lo ha fatto: a parte i The Gathering, ha collaborato con Napalm Death, Asia, Ayreon, Globus, Within Temptation, Moonspell, Devin Townsed, Novembers Doom, The Human Experimente, Anathema, oltre a progetti personali quali The Gentle Storm e Agua de Annique). Ecco che ne esce questo disco senza tempo, dove il combo re-interpreta traditional o brani di classica. Delizioso.



I came across this record searching for something on the Icelanders Árstíðir, to whom, from now on, I will refer simply "Icelanders", no offense, since it seems that will open the concert of Myrkur and Solstafir. This record seemed to me curious, and at first I did not realize that Anneke van Giersbergen was the former singer of The Gathering, now busy with her new band, Vuur. Very well: the Icelanders (the name means "seasons") are currently a trio, and they play classical and chamber music, characterized by interesting vocal harmonies, since all the members, in addition to playing (guitar, baritone guitar, piano), they sing. Anneke, Dutch musician and especially singer, can sing every genre (and she did it: apart from The Gathering, she has worked with Napalm Death, Asia, Ayreon, Globus, Within Temptation, Moonspell, Devin Townsed, Novembers Doom, The Human Experiment, Anathema, as well as personal projects such as The Gentle Storm and Agua de Annique). The results, here comes, a timeless album, where the combo reinterprets traditional songs or classical tracks. Delicious.

20171116

Spirito del sole

Espiritu del sol - Amparo Sanchez (2014)

Vi ho parlato dei precedenti due dischi solisti di Amparo Mercedes Sánchez Pérez, Tucson/Habana del 2010 e Alma de cantaora del 2012, pubblicati dopo lo scioglimento degli Amparanoia, e mi pareva brutto non considerare il terzo, seppur uscito ormai tre anni fa. Eccoci qui, quindi, a parlare di Espíritu del sol, dove Amparo mette a frutto e fonde gli elementi affrontati nei dischi precedenti, varietà di ritmi latino-americani quali bolero, rumba, son, cuarteto, e quei classici suoni tex/mex, o se preferite arizonian, mutuati dagli amici Calexico. Raly Barrionuevo, rappresentante di spicco del nuovo folklore argentino (ma ci sono altri ospiti sul disco), collabora duettando con lei su De lluvia y barro (uno dei pezzi più belli del disco), Amparo omaggia l'ex compagno Manu Chao rifacendo Long Long Nite dei Mano Negra, e parla di se affrontando l'invecchiamento e il cambio del corpo in Hermosa. Questo terzo disco contiene probabilmente meno pezzi che arrivano dritti al cuore (rispetto ai primi due dischi), ma, appunto, tracciano probabilmente il sentiero per i prossimi, dove tutti gli elementi acquisiti nel corso di una già lunga carriera musicale, dovrebbero essere amalgamati per creare una mescola ancor più suggestiva.



I talked to you about the previous two solo albums by Amparo Mercedes Sánchez Pérez, 2010 "Tucson / Habana" and "Alma de Cantaora" of 2012, published after the Amparanoia dissolution, and it seemed to me ugly not to consider the third, albeit released three years ago. So here we are talking about "Espíritu del sol", where Amparo blends and mix the elements faced in the previous records, varieties of Latin-American rhythms such as bolero, rumba, son, cuarteto, and those classic tex / mex sounds, or if you prefer arizonian, borrowed from friends Calexico. Raly Barrionuevo, a prominent representative of the new Argentine folklore (but there are many other guests), collaborates with her on "De lluvia y barro" (one of the most beautiful tracks of the album), Amparo homages her ex-companion Manu Chao, re-interpreting "Long Long Nite" of Mano Negra, and talks about her addressing aging and body change in "Hermosa". This third disc probably contains fewer tracks that goes straight to the heart (compared to the first two discs), but they probably map the path to the future, where all the elements acquired during an already long musical career should be blended into create an even more suggestive mix.

20171115

Messa 6

Mass VI - Amenra (2017)

E' la prima volta che vi parlo di questa band belga, ma non sono per niente dei novellini, anzi. La band si forma a Kortrijk nelle fiandre, nel 1999, tramite Colin H. van Eeckhout, voce, e Mathieu Vandekerckhove, chitarra, militanti nella band hardcore punk Spineless; i due sentivano il bisogno di creare musica maggiormente spirituale ("heart and soul"). La band pubblica il primo disco nel 2003, e lo intitola Mass I: sarà il primo di sei Mass, alternati a diversi split e un paio di EP. Nel 2005 fondano la Church of Ra, collettivo artistico non solo di musicisti (ne fanno parte gli Oathbreaker e the Black Heart Rebellion). Nel 2012 con Mass V si uniscono alla Neurot, etichetta dei Neurosis, band alla quale si ispirano da sempre. Il loro stile mescola sludge, hardcore punk, doom, black metal, gothic folk, post rock, tentando, e riuscendo, a creare un loro inconfondibile stile. Il cantante Colin in una recente intervista ha detto: "Fin dall'inizio, la nostra intenzione con gli album Mass era di inventare una piattaforma per la riflessione, creare una base per l'introspezione; quel momento in cui sei in ginocchio e fai domande che non hanno risposte". La musica degli Amenra, a mio modesto parere, raggiunge l'obiettivo, alternando momenti di violenza e dolore, ad altri decisamente eterei e sognanti. Anche l'uso della lingua non è casuale: cantano in inglese, olandese e francese (Kortijk è nelle fiandre, ma a soli 9 chilometri dal confine con la Francia), e spesso, tali lingue si adattano ai diversi "momenti". Mass VI è un disco epico e monumentale, se non vi spaventano i generi sopra citati non rimarrete delusi.



This is the first time I talk about this Belgian band, but they aren't newbie at all. The band formed Kortrijk in the Flanders in 1999 by Colin H. van Eeckhout, voice, and Mathieu Vandekerckhove, guitarist, militants in the hardcore punk band Spineless; the two felt the need to create more spiritual music ("heart and soul"). The band will release the first album in 2003 and call it "Mass I": it will be the first of six, alternating with several split discs and a couple of EPs. In 2005 they founded the Church of Ra, an artistic collective not only of musicians (including Oathbreaker and Black Heart Rebellion). In 2012, with "Mass V", they join Neurot, the Neurosis' label, a band from which they have always been inspired. Their style mixes sludge, hardcore punk, doom, black metal, gothic folk, post rock, trying and succeeding in creating their unmistakable style. Colin, in a recent interview, said: "From the beginning, our intention with the Mass albums was to devise a platform for self-reflection, to set a base for introspection; that moment when you’re on your knees and you ask questions that don’t have answers". Amenra's music, in my humble opinion, reaches the goal, alternating moments of violence and pain, with other decidedly ethereal and dreamy ones. Even language use is not random: they sing in English, Dutch and French (Kortijk is in the Flanders, but only 9 kilometers from the border with France), and often these languages are adapted to the different "moments". "Mass VI" is an epic and monumental record, if you are not scare from the above mentioned genres, you will not be disappointed.

20171114

Ritorno in nero

Back in Black - AC/DC (1980)

Sorprendentemente anche per me, sembra, usando la ricerca del blog, che non abbia mai scritto una vera e propria recensione di Back in Black. E allora, facciamolo.
Non userò scorciatoie come quelle degli aneddoti, che, immagino, esistano a bizzeffe su questo disco: dirò solo che è il successore del già eccezionale Higway to Hell del 1979, nonché il primo disco degli australiani dopo la morte tragica del cantante Bon Scott, affogato nel proprio vomito nella notte del 19 febbraio 1980, dentro una Renault 5, presso un sobborgo di Londra, dopo una notte di heavy drinking
Ora: Back in Black è probabilmente uno dei dischi rock più belli degli ultimi 40 anni, importante, inarrivabile, indimenticabile, imprescindibile. E' fatto di musica semplice, ma perfetta. Ogni canzone, ogni passaggio, ogni strofa, ogni ritornello, ogni solo di chitarra, ogni linea vocale, è, appunto, semplicemente perfetta. Basso e batteria al servizio delle canzoni, chitarra rimica che disegna e la solista che cesella, la voce del nuovo arrivato Brian Johnson, prelevato dai Geordie, che si incastra alla perfezione.
Dieci canzoni, una più bella dell'altra. Hells Bells, che richiama la morte già citata, un mid-tempo micidiale, l'indiavolata Shoot to Thrill, la ritmata What Do You Do for Money Honey, la zeppeliniana Given the Dog a Bone; la title-track Back in Black, con un riff iniziale che probabilmente rimarrà negli annali come il riff di chitarra più conosciuto nella storia della musica, un altro mid-tempo da manuale (e quasi ballabile) con You Shook Me All Night Long, un semi-capolavoro hard blues quale Have a Drink on Me, il boogie di Shake a Leg, e il super blues quasi intimista di Rock and Roll Ain't Noise Pollution, con un titolo che è quasi un manifesto. Ho tralasciato, perché dulcis in fundo, o anche last but not least, una mia fissa: Let Me Put My Love into You, una sorta di ballata rock blues dal testo allusivo, che per me rimane probabilmente la canzone più bella mai scritta dalla band. Per l'appunto, il livello di songwriting di questo disco è il più alto da loro mai raggiunto. Disco epocale.



Surprisingly also for me, it seems, using the blog research, that I had never written a real review of "Back in Black". So let's do it.
I will not use shortcuts like those of the anecdotes that I imagine are a lot, on this record: I will only say that it is the successor to the already outstanding "Higway to Hell" of 1979, as well as the first record, of the Australian band, after the tragic death of singer Bon Scott, drowned in his own vomit on the night of 19 February 1980, in a Renault 5, at a suburb of London, after a night of heavy drinking.
Now: "Back in Black" is probably one of the most beautiful rock records of the last 40 years, important, unreachable, unforgettable, indispensable. It's made of simple, but perfect music. Each song, each passage, every verse, every chorus, every guitar solo, every vocal line is just perfect. Bass and drums at the service of the songs, rhythm guitar rocking that paints, and the solo one that chisel, the voice of the newcomer Brian Johnson, taken from the band Geordie, that fits perfectly.
Ten songs, one more beautiful than the other. "Hells Bells", which recalls the already mentioned death, a lethal mid-tempo, the speedy "Shoot to Thrill", the upbeat "What Do You Do for Money Honey", the zeppelin-ish "Given the Dog a Bone"; the title-track "Back in Black", with an initial riff that will probably remain as the most popular guitar riff in music history, another master mid-tempo (and almost danceable) with "You Shook Me All Night Long", the hard-blues semi-masterpiece "Have a Drink on Me", the boogie of "Shake a Leg", and the super blues, almost intimate, of "Rock and Roll Ain't Noise Pollution", with a title that is almost a manifesto. I missed it, because "dulcis in fundo", or last but not least, my favourite one: "Let Me Put My Love into You", a kind of blues ballad with the allusive lyrics, which for me probably remains the most beautiful song ever written by the band . By the way, the level of songwriting of this record is the highest they have ever achieved. Monumental album.

20171113

Il cielo capovolto

Heaven Upside Down - Marilyn Manson (2017)

Ed eccoci al decimo disco in studio di Brian Warner aka Marilyn Manson. Nonostante un disaccordo non di poco conto (Warner minacciò Bates con un taglierino durante un concerto nel 2015), continua la collaborazione con il polistrumentista, e compositore di colonne sonore Tyler Bates, musicista che in pratica su questo disco ha suonato tutti gli strumenti (a parte la batteria, ancora in carica a Gil Sharone, e la voce, naturalmente del Reverendo), e che, c'è da dirlo, sta infondendo nuova linfa a questi ultimi anni della band. Sappiamo inoltre che recentemente, Warner ha "lasciato andare" il bassista Twiggy Ramirez, recentemente accusato di stupro (nei confronti della sua ex fidanzata Jessicka Addams, cantante delle Jack Off Jill), sostituito in tour da Juan Alderete (Racer X, Mars Volta). Il disco, musicalmente si presenta compatto e omogeneo, proseguendo lungo lo stile che caratterizza da anni il suono dei MM, con inserti sempre più massicci di elettronica, industrial, qualche sorpresa come in Kill4Me (chitarre vagamente low-fi), canzoni lineari e meno tambureggianti, un pezzo "dilatato" come Saturnalia, e, in generale, un disco ben scritto e arrangiato come si deve. Testi cattivi e allusivi, come ci si aspetta. Pezzo preferito: Blood Honey.



And here we are at the tenth studio album of Brian Warner aka Marilyn Manson. Despite a brief disagreement (Warner threatened Bates with a box-cutter knife during a concert in 2015), he continued collaborating with the multi-instrumentalist and soundtrack composer Tyler Bates, a musician who practically played all the instruments on this record, less the drums, still in charge of Gil Sharone, and the voice, naturally of the Reverend), and that, this has to be said, he's infusing new lymph in the last years of the band. We also know that Warner recently "let go" bass player Twiggy Ramirez, recently accused of rape (against his former girlfriend Jessicka Addams, singer of Jack Off Jill), replaced on tour by Juan Alderete (Racer X, Mars Volta) . The album is musically compact and homogeneous, continuing along the style of MM for years, with massive electronic, industrial inserts, some surprises like on "Kill4Me" (vaguely low-fi guitars), linear songs and less tribal-drumming, a "dilated" track like "Saturnalia", and, in general, a well-written album, with as it should be arrangments. Fierce and allusive texts, as expected. Favorite track: "Blood Honey".

20171112

Spegni le luci

Turn Out The Lights - Julien Baker (2017)

Qualche dato, per conoscenza. 22 anni, Julien Rose Baker è nata nel 1995 a Memphis, Tennessee, e cresciuta nella piccolissima cittadina di Bluff City, Tennessee. Impara a suonare la chitarra con quella del padre, nel 2010 fonda i The Star Killers, poi rinominati come Forrister. Frequenta l'università con indirizzo Letteratura Inglese, ma la lascia per andare in tour. Nel 2014 pubblica un EP su bandcamp, l'EP diventa il disco di debutto Sprained Ankle l'anno successivo. Supporta dal vivo Deat Cab for Cutie, Conor Oberst, Paramore, The Decemberists, Belle & Sebastian. Si dichiara gay e cristiana.
Il 27 ottobre del 2017 esce questo Turn Out the Lights. Lo mettete su, e già con il pezzo di apertura Over, 1 minuto e 28 secondi, avrete la pelle d'oca a meno che non siate dei robot (e non è detto). Nonostante nella sua band precedente prediligesse atmosfere più dure, da solista, con chitarra e pianoforte che accompagnano la sua voce a dir poco meravigliosa, si adatta in maniera strepitosa ad atmosfere intimiste, parla delle sue paure, dei suoi traumi, delle domande che si pongono tutti, e ti trascina in una bolla incantata di dolcezza e dolore. Si rivolge a Dio, racconta i suoi sensi di colpa, e ti affascina. Bellissimo disco.
"You can’t even imagine how badly it hurts just to think sometimes.” (da Shadowboxing)



Some data, for knowledge. 22, Julien Rose Baker was born in 1995 in Memphis, Tennessee, and grew up in the tiny town of Bluff City, Tennessee. Learn how to play guitar with his father's guitar, in 2010 she founded The Star Killers, then renamed as Forrister. She attends the University with English Literature, but leaves it to go on tour. In 2014 publishes an EP on bandcamp, the EP becomes "Sprained Ankle", her debut album the following year. She supported live Deat Cab for Cutie, Conor Oberst, Paramore, The Decemberists, Belle & Sebastian. She identifies herself as gay and Christian.
On October 27, 2017, this "Turn Out the Lights" came out. Put it on, and already with "Over", the 1 minute and 28 seconds opening, you'll have goosebumps unless you're a robot (and it's not said). Although in her previous band she preferred tougher atmospheres, as a soloist, guitars and pianos accompanying her remarkably wonderful voice, she fits perfectly to intimate atmospheres, speaks of her fears, her traumas, she pose questions that everyone arise, and drags you into an enchanted bubble of sweetness and pain. She turns to God, tells her guilty feelings, and fascinates you. Amazing record.
"You can not even imagine how badly it hurts just to think sometimes" (From "Shadowboxing")

20171110

Tre futuri

Three Futures - Torres (2017)

Mackenzie Scott, in arte Torres (o TORRES), nata nel 1991 ad Orlando, Florida, adottata alla nascita, cresciuta dall'età di 3 anni a Macon, Georgia, luogo che considera come casa. Si appassiona alla musica e ai musical da giovane, nonostante sia cresciuta in una casa dove non si ascoltava musica, e si sposta a Nashville, Tennessee, per studiare. Si laurea in Scrittura musicale, e in Letteratura Inglese. Nel 2012 comincia a registrare la propria musica. Nel 2013 esce il suo debutto TORRES, nel 2015 il secondo Sprinter. Va in tour con Lady Lamb, Okkervil River, Sharon Van Etten (è apparsa anche sul bellissimo Are We There?), Garbage, Brandi Carlile, Tegan and Sara. Nel settembre di questo anno è uscito il suo terzo disco, Three Futures, prodotto da Rob Ellis, che aveva prodotto anche l'album precedente.
Le canzoni di Torres sono affreschi poetici, riflessioni a volte molto dure sull'essere donna, calate su un tappeto musicale che mescola Kraftwerk e Can ad Americana e cantautorato femminile alternativo, il tutto inteso nel senso ampio delle definizioni, Sylvia Plath, PJ Harvey e i Fleetwood Mac. C'è un che di teatrale che pervade il tutto: le canzoni, seppur complicate, ti avvinghiano.
Sicuramente, non è un disco da ascoltare per rilassarsi alla guida, o per passare un pomeriggio tranquillo al sole. Ma c'è del buono.



Mackenzie Scott, stage name Torres (or TORRES), born in 1991 in Orlando, Florida, adopted at birth, grew up from age 3 in Macon, Georgia, a place she considers home. She is passionate about music since she were young, despite growing up in a house where no music is listening, and she is moving to Nashville, Tennessee, to study. She graduate in Music Writing, and in English Literature. In 2012 she starts recording her own music. In 2013 she release her debut TORRES, in 2015 her second "Sprinter". She goes on tour with Lady Lamb, Okkervil River, Sharon Van Etten (she has also appeared on the beautiful "Are We There?"), Garbage, Brandi Carlile, Tegan and Sara. In September of this year, she released her third album, "Three Futures", produced by Rob Ellis, who also produced the previous album.
Torres's songs are poetic frescoes, sometimes very hard-thinking reflections on the woman condition, down on a musical rug that blends Kraftwerk and Can to Americana and alternative female singer, all in the broad sense of the definitions, Sylvia Plath, PJ Harvey and Fleetwood Mac. There's a theatrical feeling that pervades everything: the songs, though complicated, envelop you.
Surely, it is not a disc to listen to to relax while driving, or to spend a quiet afternoon in the sun. But there is good things in it.

20171109

Parenti in discesa

Relatives In Descent - Protomartyr (2017)

Quarto disco per il quartetto di Detroit, Michigan, una band per la quale l'etichetta post-punk calza perfettamente. Le atmosfere da loro create, in diversi momenti fanno domandare all'ascoltatore in quale anno siamo. Riferimenti a Wire, the Fall così come ai Joy Division, con la voce baritonale di Joe Casey che, credeteci, in alcuni passaggi vi ricorderà il vate Nick Cave, per un sound claustrofobico e, tutto sommato, prevedibile. Di certo, il lato più bello dei Protomartyr sono i testi, ancora di Casey, che sono sia poetici, sia esplicativi del senso di inadeguatezza che pervade i loro lavori. Versi come:
It meant a lot to me then, it matters less to me now
And any pleasure derived 
Was knowing that they'd never feel as good

As a badge pinned on a thrift store coat that smelled of sauerkraut and cloves
da The Chuckler, ma anche come:
Unhorse for me, dear sir
The marble emperor

Defenestrate the king
da The Tower, con chiaro riferimento a Trump.



Fourth record for the quartet from Detroit, Michigan, a band for which the post-punk label fits perfectly. The atmospheres they create, in several moments will force the listener to ask himself in what year we are. References to Wire, the Fall as well as to the Joy Division, with the baritone voice of Joe Casey, which, believe me, in some passages will remind you of Nick Cave, for a claustrophobic sound and, all in all, predictable. Certainly, the most beautiful side of Protomartyr are the lyrics, still of Casey, which are both poetic and explanatory of the sense of inadequacy that pervades their work. Verses such as:
It meant a lot to me then, it matters less to me now
And any pleasure derived
It was knowing that they would never feel good
As a badge pinned on a thrift store coat that smelled of sauerkraut and cloves
from The Chuckler, but also as:
Unhorse for me, dear sir
The marble emperor
Defenestrate the king
from The Tower, with a clear reference to Trump.

20171108

Bellissimo trauma

Beautiful Trauma - Pink (2017)

La verità è che, con tutta la simpatia che ho verso Alecia Beth Moore aka Pink, e nonostante l'usuale dispiego di "forze" messe in campo per il successore del molto bello The Truth About Love del 2012, non ultimo il duetto con Marshall Mathers aka Eminem sulla divertente Revenge, questo Beautiful Trauma non mi pare all'altezza del precedente, e non è riuscito a trasmettermi la stessa positiva sensazione del guilty pleasure, cosa riuscita da Missundaztood in poi. Qualche momento interessante (la già citata Revenge, passaggi di Barbies, Wild Hearts Can't Be Broken, Whatever You Want), ma niente più. Attendiamo altre prove, per giudicare se la stella è tramontata.



The truth is that with all the pleasantness I have towards Alecia Beth Moore aka Pink, and despite the usual "deployment of forces" set up for the successor of the very beautiful "The Truth About Love" of 2012, not least the duet with Marshall Mathers aka Eminem on the funny "Revenge", this "Beautiful Trauma" does not seem to me to the height of the previous one, and has failed to convey the same positive feeling of a "guilty pleasure", which was succeeded by "Missundaztood" onwards. Some interesting moments (the aforementioned "Revenge", passagese on "Barbies", "Wild Hearts Can't Be Broken", "Whatever You Want"), but nothing more. We wait for more evidence to judge if the star has gone down.

20171107

Distruggimi

Take Me Apart - Kelela (2017)

Se vi ricordate, vi avevo parlato di Kelela Mizanekristos un paio di anni fa, in occasione dell'uscita del suo EP Hallucinogen, avendo ascoltato pure il suo primo mixtape Cut 4 Me. Bene, la signorina 34enne nativa di Washington D.C. con origini etiopi, conferma tutto quello che ci aspettavamo. Con la produzione di Arca, Jam City ed un altro manipolo di produttori in gamba, e di songwriters ugualmente importanti, sforna un debutto che potremmo classificare usando una sua stessa descrizione: "Sono una donna nera, una etiope-americana di seconda generazione, cresciuta in periferia ascoltando R&B, jazz e Bjork". Così come nell'EP precedente, ma non in quella catalogazione perfetta e cronologicamente inversa, Kelela parla di come si può rimanere aperti all'amore pur dissolvendo legami in continuazione, alternando forza e vulnerabilità. Il suono è estremamente moderno, elettronico, sperimentale, ma ingloba anche spruzzate di una dance datata, provando a dare calore a suoni freddi. Su tutto, spicca una voce a dir poco meravigliosa. Canzoni avvolgenti, una migliore dell'altra.


If you remember, I talked to you about Kelela Mizanekristos a couple of years ago on the occasion of the release of her EP Hallucinogen, having also heard her first mixtape "Cut 4 Me". Well, this 34-years-old lady, Washington D.C. native with Ethiopian origins, confirms everything we expected. With the production of Arca, Jam City and another handful of good producers, and equally important songwriters, release a debut that we could classify using its own description: "I am a black woman, a second-generation Ethiopian-American, who grew up in the 'burbs listening to R&B, jazz and Björk". As in the previous EP, but not in that perfect and chronologically inverse cataloging, Kelela talks about how one can remain open to love while dissolving bonds continuously, alternating strength and vulnerability. The sound is extremely modern, electronic, experimental, but it also includes splashes of a vintage dance music, trying to give warmth to cool sounds. On top of everything, a remarkable beautiful voice stands out. Enveloping songs, one better than the other.

20171106

Crooked souls

Anime storte - Bobo Rondelli (2017)

Come mi capita spesso, al primo ascolto mi pare che Bobo Rondelli faccia sempre lo stesso disco. Ma non appena ti fermi a gustarlo con un minimo di concentrazione in più, ti rendi conto che si, quello che ci trovi dentro viene quasi sempre dalle stesse radici ed influenze (la bella canzone italiana, come quella francese, i grandi interpreti di entrambe), ma di certo Bobo non si è fermato, o "adagiato sugli allori", ma, magari pigramente come consuetudine, sta proseguendo un cammino personale di stratificazione della propria musica. Bozzetti, cartoline, spaccati di vita vera e semplice, una band di musicisti bravi, produzione e arrangiamenti di Appino, belle canzoni con testi, come detto, semplici ma con quel tocco di poesia ruspante, amara, popolare. Un altro tassello non indifferente, nella carriera del purosangue livornese.



As I always do, at first listening I always think Bobo Rondelli always does the same disc. But as soon as you stop a little, and start to enjoying it with a minimum of concentration, you realize that yes, what's inside comes almost always from the same roots and influences (the beautiful Italian song, like the French one, the great performers of both) , but certainly Bobo has not stopped, or "lying on the laurels", but, perhaps sluggishly as usual, is continuing a personal stratification of his own music. Sketches, postcards, real and simple life stories, a bunch of good musicians, production and arrangements from Appino, beautiful songs with lyrics, as said, simple but with that touch of bitter, popular poetry. Another not indifferent piece, in the career of the thoroughbred from Livorno.

20171105

Colori

Colors - Beck (2017)

Potrei riassumere la recensione in poche parole. Bek David Campbell aka Beck è un genietto, ma questo disco non aggiunge niente a quello che sapevamo già. C'è un però. Vediamolo. Sappiamo che il ragazzo sa, con maestria, spaziare tra il folk e il pop, e riesce a dargli sempre un tocco intellettuale. Questa volta ha deciso di fare un disco decisamente pop-orientato, con un retrogusto anni '80, e le canzoni, dato che è uno che le sa scrivere (probabilmente anche con le mani legate dietro la schiena), sono tutte orecchiabili e gustose, magari poco "profonde". Eppure, se approfondiamo l'ascolto, ogni pezzo ha una sua personalità, ci sono influenze diverse di volta in volta, e paradossalmente risulta ancora più godibile. Magari non sarà l'album per cui Beck sarà ricordato, ma c'è da chiedersi se preferite ascoltare questo disco o Bruno Mars (senza mancargli di rispetto).



I could sum up the review in a few words. Bek David Campbell aka Beck is a little genius, but this record adds nothing to what we already knew. There is one but. Let's see it. We know that the guy knows, masterfully, move himself between folk and pop, and manages to always give him an intellectual touch. This time he decided to make a pop-oriented disc, with a 80s backgound, and the songs, as he is a hell of a songwriter (probably he could write songs also with his hands tied behind his back), are all catchy and tasty, maybe a little less "deep". Yet, if we listen carefully, each track has its own personality, there are different influences step by step, and paradoxically it is even more enjoyable. Maybe it will not be the album for which Beck will be remembered, but you have to ask yourself if you prefer to listen to this record or Bruno Mars (without disrespect Bruno).

20171103

Castigo

Retribution - Tanya Tagaq (2016)

Amanti dell'estremo (musicale), ecco qualcosa che fa per voi. Tanya Tagaq Gillis, nata a Cambridge Bay / Iqaluktuuttiaq, Nunavut, Canada, costa sud di Victoria Island, è una cantante Inuit che usa la tecnica del canto Katajjaq (di gola, in inglese throat singing, tradizionalmente eseguito da due donne, ma da lei modificato in modo da non aver bisogno di una partner). Inizia a praticare la tecnica a 15 anni a scuola, e la perfezione al college, dove prende la decisione pragmatica di mettere a punto una tecnica che non abbisogni di una partner. Comincia a farsi conoscere in Canada partecipando a vari festival folk, e nel 2004 si fa conoscere un po' di più grazie alla partecipazione a Medúlla di Bjork: partecipa a 4 brani e ne co-scrive uno insieme alla cantante islandese. Collabora con il Kronos Quartet, appare in tv. Nel 2005 comincia a pubblicare dischi: Sinaa, Auk/Blood (2008), Animism (2014), ed infine, per il momento, questo Retribution del 2016 (ha pubblicato anche un live, Anuraaqtuq, nel 2011). Disco che vede collaborazioni con il rapper Shad (su Centre) e l'artista Inuit Laakuluk Williamson Bathory (su Retribution), e la cover di Rape Me dei Nirvana, è un viaggio al primo ascolto inquietante dentro una genere musicale tribale e ancestrale, che può riservare sorprendenti reazioni.



Lovers of the extreme (talking about music), here's something for you. Tanya Tagaq Gillis, born in Cambridge Bay / Iqaluktuuttiaq, Nunavut, Canada, south coast of Victoria Island, is an Inuit singer who uses the technique of singing Katajjaq (throat singing, traditionally performed by two women but by her modified so she does not need a partner). She started practicing this technique when she was 15-years-old in high school, and she perfectioned it in college, where she took the pragmatic decision to develop a technique that does not need a partner. She started to get acquainted in Canada in several folk festivals, and in 2004 she became a little more famous thanks to her participation in Bjork's "Medúlla": she sang in 4 songs and co-wrote one of them, together with the Icelandic singer. She collaborates with the Kronos Quartet, appears on tv. In 2005 she begins to release albums: "Sinaa", "Auk / Blood" (2008), "Animism" (2014), and finally, for the time being, this "Retribution" in 2016 (she also published a live album, "Anuraaqtuq", in 2011). Album that sees collaborations with Canadian rapper Shad (on "Center") and with Inuit artist Laakuluk Williamson Bathory (on "Retribution"), and that contains Nirvana's "Rape Me" cover, "Retribution" is a journey, at first disturbing, in a tribal and ancestral musical genre, that may give you surprising reactions.

20171102

E

E - Enslaved (2017)

Quattordicesimo disco in studio della band norvegese, e chi vi scrive non li aveva mai ascoltati. Succede. Band che, come molte, si è mossa da un black metal iniziale (Vikingligr Veldi del 1994, curiosamente album cantato in islandese), a un qualcosa di molto diverso, date le influenze progressive di entrambi i membri fondatori ed unici superstiti della formazione originale, Grutle Kjellson - basso e voce, e Ivar Bjørnson - chitarre tastiere e cori. Talmente ispirati alle radici culturali e religiose vichinghe, quindi alla mitologia nordica, ragione che li ha fatti allontanare dal classico black metal, che nel 2014 il governo norvegese ha loro commissionato la composizione di un brano per festeggiare il 200esimo anniversario della costituzione norvegese. Detto pure che i Pink Floyd sono citati come fonte primaria di ispirazione musicale, devo dire che l'ascolto è una piacevole sorpresa: un disco che mantiene le promesse create da cotanto retroterra. Musica potente, a tratti naturalmente ispirata al metal estremo, composizioni lunghe e complesse, cambi di ritmo, momenti di quiete, alternanza di cantato clean e growl, melodia ed epica, tappeti di tastiere stile progressive con chitarre aggressive, disco che già dall'iniziale Storm Son chiarisce che siamo davanti a gente che fa sul serio.



The 14th studio album of the Norwegian band, and who is writing to you never heard of them. It happens. Band that, like many others, moved from an early black metal (1994 "Vikingligr Veldi", curiously sung in Icelandic), to something very different given the progressive influences of both founding members and sole survivors of the original formation, Grutle Kjellson - bass guitar and voice, and Ivar Bjørnson - guitars, keyboards, and backing vocals. So inspired by the Viking cultural and religious roots, and therefore on Nordic mythology, thing which made them move away from the classic black metal, which in 2014 the Norwegian government commissioned the composition of a song to celebrate the 200th anniversary of the Norwegian constitution. Also said that Pink Floyd is cited as the primary source of musical inspiration, I must say that listening is a pleasant surprise: a record that keeps the promises created by so much background. Powerful music, sometimes naturally inspired by extreme metal, long and complex compositions, pace changes, moments of quietness, clean and growl singing, melody and epic, progressive style keyboards with aggressive guitars, a disc that from the opener with "Storm Son" clarifies that we are in front of a band really serious about it.

20171101

Abitante delle caverne

Cavedweller - Matt Cameron (2017)

Cominciamo col dire che se siete tra quelli che hanno bisogno di una spiegazione, su chi sia Matthew David Cameron, conosciuto come Matt, vi siete probabilmente persi parte della musica rock più bella degli ultimi 30 anni. Non si sapeva cosa attendersi, da un disco solista del batterista dei Soundgarden, Pearl Jam, Hater e Wellwater Conspiracy, ma devo dire che Matt è stato molto intelligente, nonché abile a fare quello che gli passava per la testa cercando qualcosa che non aveva fatto fin'ora. Reclutati Mark Giuliana alla batteria e Tim Lefebvre al basso (due membri della backing band di Bowie per Blackstar), due ottimi musicisti, Cameron ha raccolto materiale scritto in molti anni, ha imbracciato la chitarra, si è messo dietro al microfono, ed ha perfino prodotto il disco.
Quel che ne viene fuori non è sicuramente un disco epocale, ma certamente la dimostrazione delle innumerevoli capacità di un musicista al quale dobbiamo tutti il massimo rispetto. Cameron suona bene la chitarra, sia nella modalità acustica sia in quella elettrica, se la cava sorprendentemente bene alla voce, e produce un ottimo disco che mescola rock, naturalmente, oltre a progressive e blues, e conferma capacità da songwriter non comuni (le composizioni di Cameron, lo sa chi lo segue da sempre, sono complesse e dure al tempo stesso, con poche concessioni al pop, ma con un certo gusto melodico, seppur contorto).
E' probabile che, se decidesse di mollare tutti i suoi impegni e dedicarsi solamente alla sua carriera solista, ci lascerebbe tutti di stucco: ascoltare All at Once per credere.



Let's start by saying that if you are one of those who need an explanation, about who is Matthew David Cameron, known as Matt, you've probably lost some of the most beautiful rock music in the last 30 years. No one knew what to expect, from a solo album from the drummer of Soundgarden, Pearl Jam, Hater and Wellwater Conspiracy, but I must say that Matt was very clever and able to do what he had in mind, looking for something he had not done till now. Recruited Mark Giuliana on drums and Tim Lefebvre on the bass (two members of the Bowie's backing band for Blackstar), two great musicians, Cameron has picked up written material for many years, he took up the guitar, put himself behind the microphone, and even produced the disc.
What comes out of it is definitely not an epochal disc, but certainly the demonstration of the innumerable abilities of a musician to whom we must have the utmost respect. Cameron plays the guitar well, both in acoustic and electric mode, he is surprisingly good at voice, and produces an excellent mixing rock, of course, in addition to progressive and blues, and confirms the ability of uncommon songwriter (songs composed by Cameron, who has followed him forever knows, are complex and hard at the same time, with few concessions to pop, but with a certain melodic taste, though twisted).
It is likely that if he would decides to give up all his commitments and dedicate himself solely to his solo career, he would leave us all astonished: listen to "All at Once" to believe.

20171031

I sette desaturati

The Desaturating Seven - Primus (2017)

E così, a sorpresa, ecco il nono disco dei mitici Primus. L'album vede l'ennesimo ritorno di Tim Alexander alla batteria (già dal precedente Primus & the Chocolate Factory with the Fungi Ensemble), e a differenza del disco precedente, contiene materiale originale (cosa che mancava da Green Naugahyde del 2011), anche se pure questo disco è ispirato ad un libro/fiaba. Stiamo parlando di I coboldi degli arcobaleni (The Rainbow Goblins), dell'artista italiano Ul de Rico, che si autodefinisce "pittore, scenografo e traduttore di emozioni".
Les Claypool era uso leggere questa fiaba ai suoi figli, quando erano piccoli, e si è detto da sempre affascinato dall'illuminazione artistica e dall'uso dei colori. Ha così deciso di sottoporlo all'attenzione di Larry LaLonde e Tim Alexander, dopo di che ne è uscito un disco, piuttosto breve, ma classicamente Primus, come al solito ritmato, abbastanza ispirato e piacevole. Apparizione di Justin Chancellor (Tool) nei "panni" vocali del Goblin Master sul pezzo di apertura The Valley. Probabilmente non è il disco da consigliare a chi non ha mai sentito parlare dei Primus, ma decisamente possiamo dire che il trio californiano non è ancora da pensionare.


And so, surprisingly, here's the ninth disc of the legendary Primus. The album is yet another return of Tim Alexander on the drum (back in the line up already from the previous "Primus & the Chocolate Factory with the Fungi Ensemble"), and unlike the previous album, it contains original material (which was missing from "Green Naugahyde" in 2011), but even this record is inspired by a book / fairy tale. We are talking about "The Rainbow Goblins", by the Italian artist Ul de Rico, who define himself as "painter, stage & set designer and translator of emotions".
Les Claypool was used to reading this fairy tale to his children when they were small, and he has always been fascinated by the vibrant artwork and the use of colors. He decided to submit it to Larry LaLonde and Tim Alexander, after which a disc was released; rather classic Primus, as usual rhythmically, quite inspired and pleasing. Justin Chancellor (Tool) as guest in the Goblin Master's vocal "cloths", on the opening track "The Valley". Probably not the record to recommend to anyone who has never heard of Primus, but we can definitely say that the California trio is not yet retired.

20171030

Seduzione di massa

Masseduction - St Vincent (2017)

Come al solito, c'è bisogno di tempo per "accedere" ai dischi di Anne Erin Clark aka St. Vincent, qui al suo quinto disco. Mi innamorai della sua musica con il suo terzo Strange Mercy, dopo di che non mi piacque granché Love This Giant, la sua collaborazione con David Byrne del 2012, e non riuscii ad entrare nell'umore giusto per comprendere il precedente (a questo) St.Vincent. Stavolta, presi i tempi giusti, sto godendo degli ascolti, e per prima cosa devo dire che l'etichetta futuristic pop trovo sia quella maggiormente appropriata per tentare di descrivere un minimo il caleidoscopio di influenze musicali che, la signorina Clark, polistrumentista dalla voce bellissima e versatile, riesce a riversare in questo disco. Senza dubbio, il già citato David Byrne è una di quelle influenze, probabilmente ancora oggi la più forte, ma come notano gli esperti, anche Bowie e Kate Bush sono tra quelle fortemente riconoscibili. Ma dentro ai suoi affreschi musicali da 3/4 minuti, ci sono dentro una marea di cose. Gli arrangiamenti sono un altro dei suoi punti di forza, insieme ad una marcata ironia. I testi, a suo dire, sono i più personali, rispetto ai dischi precedenti. Jack Antonoff ha contribuito molto alla scrittura, e la lista degli ospiti è molto lunga, tutta gente non troppo conosciuta, ma decisamente brava. La palma della canzone più bella, a mio parere, va divisa tra Happy Birthday, Johnny e New York. Bellissimo disco.



As usual, it takes time to "access" into the records of Anne Erin Clark aka St. Vincent, here at her fifth album. I fell in love with her music with her third "Strange Mercy", after which I did not like "Love This Giant", her collaboration with David Byrne in 2012, and I could not get in the right mood to understand the previous (to this) "St. Vincent". This time, taking the right time, I'm enjoying listening, and first I have to say that the "futuristic pop" label, is the most appropriate one to try to describe the kaleidoscope of musical influences that, Miss Clark, polistrumentist wit a beautiful and versatile voice, is able to pour into this disc. No doubt, the aforementioned David Byrne is one of those influences, probably still the strongest today, but as experts say, Bowie and Kate Bush are among the most recognizable. But within her 3/4 minutes musical frescoes, there are a lot of things inside. The arrangements are another of her strengths, along with a marked irony. The lyrics, she said, are the most personal, compared to previous records. Jack Antonoff has contributed a great deal to songwriting, and the guest list is very long, all people not too familiar, but definitely good. The prize of the most beautiful song, in my opinion, is divided between "Happy Birthday, Johnny" and "New York". Very beautiful disc.

20171029

La fine del giorno

Gomorra - di Roberto Saviano, Stefano Bises, Leonardo Fasoli, Ludovica Rampoldi, Giovanni Bianconi - Stagione 2 (12 episodi; Sky Italia) - 2016

Don Pietro è latitante, dopo che i suoi lo hanno fatto scappare assaltando il furgone della polizia che lo stava trasferendo. Ciro, stretta l'alleanza con Salvatore Conte, mette al sicuro la moglie Deborah e la figlia Maria Rita, per paura della vendetta del clan Savastano. Deborah però è inquieta, angosciata per il futuro della figlia, nervosa, instabile, tentata di consegnare Ciro alla polizia. Ciro, però, è pronto a tutto pur di avere successo.
Genny è sopravvissuto per miracolo, e pian piano si riprende. Dopo un anno è di nuovo in Honduras, per organizzare il traffico della miglior droga sulla piazza, a favore dei superstiti del suo clan. Di ritorno in Europa, si incontra col padre, che sopravvive contrabbandando carburante e armi a Colonia.

Gomorra ritorna (e continuerà per altre due stagioni, pare) ovviamente, dopo il grande successo della prima stagione, e continua nell'unico modo in cui poteva andare avanti. Ricalcando molte trame reali, assistiamo alla traballante nascita di un'alleanza tra ex sottomessi, con altrettanti naturali tradimenti, doppi giochi, complotti, sottotrame, e all'organizzazione della vendetta dell'ex boss. Molto prevedibile ma ben fatto, a tratti monodimensionale, sempre interessante il dualismo tra Don Pietro e Genny. Le prove attoriali sono buone, ma non si riesce a dimenticare che siamo in Italia, e che quindi, manca spesso quel qualcosa in più. A breve la terza stagione.

Gomorrah returns (and will continue for another two seasons, it seems) obviously, after the great season's success, and continues in the only way he could move on. Recalling many real plots, we witness the shaky beginning of an alliance between ex-submissives, with as many natural betrayal, double games, conspiracy, sub-plots, and the organization of the ex-boss's revenge. Very predictable but well-made, sometimes monodimensional, always interesting the dualism between Don Pietro and Genny. The acting is good, but you can not forget that we are in Italy, and that's why that more often is not so good. In shortly the third season.

20171027

Sognatore di eventi futuri

Berdreyminn - Solstafir (2017)

Devo dire molto onestamente, che più ascolto il nuovo, e sesto album per gli islandesi Sólstafir ("raggi crepuscolari" in islandese), più mi pento di non aver loro dato una chance in passato. Tra l'altro, la motivazione per la quale mi sono deciso ad ascoltarli, nasce dall'interesse per Myrkur, e dal fatto che tra poco andrò a vederla in concerto, ma lei non è l'headliner, bensì proprio gli islandesi. Dunque, riprendo alcune definizioni che la stampa specializzata ha usato per tentare di spiegare il suono dei Sólstafir: "suonano come gli Hellacopters che vanno alla scuola d'Arte, facendo un sacco di valium"; "immaginatevi Nacthmystium, Alice in Chains e Neurosis che si ubriacano ascoltando DCLXVI: To Ride, Shoot Straight and Speak the Truth degli Entombed"; "i Sigur Rós che suonano metal". Ecco, sono sicuro che non ci avete capito granché, ma in effetti, anche solo l'ascolto di questo nuovo disco, fa capire che questa band è difficile da inquadrare. Atmosfere dilatate e tendenti all'epico, sensazione straniante ascoltando cantare in una lingua poco musicale come appunto l'islandese, basi rock e più death 'n' roll che metal, suoni non ortodossi ma grezzi al punto giusto per guadagnarsi molti ascoltatori, appunto, in campo metal, ma soprattutto, post metal (tanto è vero che pubblicano per la Season of Mist), cambi di tempo repentini che modificano completamente l'atmosfera dei pezzi. Decisamente interessanti.



I have to say very honestly, that the more I listen to the new, and sixth album for the Icelandic Sólstafir ("crepuscular rays" in Icelandic), the more I regret not have given them a chance in the past. Among other things, the motivation for which I decided to listen to them came from my latest interest for Myrkur, and the fact that I will soon see her in concert, but she is not the headliner, but the Icelanders themselves. So, taking some definitions that the specialized press used to try to explain the sound of the Sólstafir: "Sounds like The Hellacopters if they went to art school and did a lot of Valium"; "Imagine if Nachtmystium, Alice in Chains, and Neurosis got hammered while listening to Entombed's DCLXVI: To Ride Shoot Straight and Speak the Truth – it would sound something like this"; "Sigur Rós goes metal!". Here, I'm sure you did not understand much, but in fact, just listening to this new record, it makes sense that this band is difficult to frame. Atmospheres dilated and tending to epic, strange feeling listening to sing in a less musical language like Icelandic, rock bases and more death 'n' roll than metal, non - orthodox but rough sounds, to the point to earn many listeners, in the metal field, but above all, in the post metal one (so much so that they publish for Season of Mist), sudden changes of rhythm that completely modifies the atmosphere of the tracks. Definitely interesting.

20171026

La torre

The Tower - Motorpsycho (2017)

Confesso, mi ci sono voluti molti anni per apprezzare la band norvegese. Vi basti mettere a confronto la mia recensione di Heavy Metal Fruit del 2010, con quella del penultimo Here Be Monsters del 2016. Ricordo discussioni appassionate con i componenti della band in cui suonavo attorno al 94/95, a proposito di Timothy's Monster (triplo LP del 1994). Come che sia, il mese scorso è uscito questo The Tower, che dovrebbe essere il loro 17esimo disco "lunga durata" in studio, dopo il cambio di batterista: esce Kenneth Kapstad, entra Tomas Jarmyr. Il risultato è, ancora una volta, quasi incredibile, se si pensa che questa band pubblica dischi dal 1991: un disco potente, compatto, senza cedimenti, meno introspettivo del precedente, ma un disco dove si riconoscono sia il loro marchio di fabbrica, sia il loro amore per il prog rock e per un certo tipo di psichedelia. I Motorpsycho sono una di quelle band che riesce ad attualizzare questo tipo di influenze, suonare in modo devastante, e risultare dannatamente convincente. Non sto ad elencarvi i pezzi, perché sono veramente uno più bello dell'altro. Come ho già detto in altre occasioni, ma stavolta è un complimento, un disco dove perdersi, letteralmente.



I confess, it took me many years to appreciate the Norwegian band. You just need to compare my "Heavy Metal Fruit" review of 2010, with that of the penultimate "Here Be Monsters" of 2016. I remember passionate discussions with members of the band which I played around 94/95, about "Timothy's Monster" (triple LP of 1994). As it is, last month came out "The Tower", which should be their 17th "long-lasting" record in the studio, after drummer change: Kenneth Kapstad leaves, Tomas Jarmyr jump in. The result is, once again, almost unbelievable if you think this band has been releasing records since 1991: a powerful, compact, relentless album, less introspective than the previous one, but a record where you can recognize both their trademark, and their love for prog rock and for psychedelic rock. The Motorpsycho are one of those bands that can actualize this kind of influences, play devastatingly, and prove to be convincing. I'm not listing the tracks, because really, to me, they are one of the nicest of the other. As I said on other occasions, but this time it is a compliment, a disc where you can lose yourself, literally.