Luna rossa

Bloodmoon: I - Converge / Chelsea Wolfe (2021)

Certo, non sarei così severo come Pitchfork, ma neppure così estasiato come Kerrang, di fronte a questa collaborazione strana ma tutto sommato prevedibile tra artisti vicini più di quanto si creda. Da sottolineare che oltre ai Converge e a Chelsea Wolfe, sono della partita sia Ben Chisholm, ormai collaboratore fisso di Chelsea, e Stephen Brodsky (come sapranno i più attenti, Cave In e pure Mutoid Man insieme al batterista dei Converge Ben Koller, ed anche, per un breve periodo e per il terzo album When Forever Comes Crashing, bassista degli stessi Converge); il progetto cominciò a prendere forma nel 2016 dal vivo, con anche Steve von Till dei Neurosis. Il risultato è quindi estremamente variegato, e lontano dalle solite cose sia dei Converge sia di Chelsea Wolfe. Forse, il limite sta appunto qui, nella eterogeneità del disco, che mette insieme ballate blues-goth, momenti doom, schizzi alla Alice in Chains, inserti hardcore, assoli alla Tom Morello, e potrei continuare ancora. Da una parte, tanto di cappello per il coraggio di lanciarsi in cose diverse, dall'altra il limite di non essere riusciti a creare un capolavoro, ma solo un disco curioso.

Of course, I wouldn't be as strict as Pitchfork, but not as ecstatic as Kerrang, in the face of this strange but all in all predictable collaboration between artists who are closer than you think. It should be emphasized that in addition to the Converge and Chelsea Wolfe, both Ben Chisholm, now a regular Chelsea collaborator, and Stephen Brodsky (as the most attentive ones know, Cave In and also Mutoid Man together with the Converge drummer Ben Koller, and also, for a short period and for the third album When Forever Comes Crashing, bassist of the same Converge); the project started in 2016 live, with also Steve von Till (Neurosis). The result is therefore extremely varied, and far from the usual things of both Converge and Chelsea Wolfe. Perhaps, the limit lies precisely here, in the heterogeneity of the record, which brings together blues-goth ballads, doom moments, Alice in Chains sketches, hardcore inserts, Tom Morello solos, and I could go on and on. On the one hand, hats off for the courage to launch into different things, on the other hand the limit of not being able to create a masterpiece, but only a curious record.

L'amore non è abbastanza

Love Is Not Enough - Converge (2026)

Per cominciare, le liriche, mai banali, sempre basate su visioni personali di Bannon (Jacob, il cantante, non Steve, l'ex stratega di Trump), ma abbastanza estendibili anche socio-politicamente. Poi c'è la musica: è vero, come dice Pitchfork, in una bella recensione che non osanna né condanna il disco, che Love Is Not Enough è diviso in due, una prima parte più aggressiva, e una seconda che occhieggia agli amici Neurosis, pur conservando tutta la carica tecnica ed emotiva, che da sempre ha caratterizzato l'approccio della band di Salem, Massachusetts, e che è diversa da quella, appunto, dei Neurosis stessi. Emozioni che trasudano dai brani, sia quelli che li fanno assomigliare ad una band punk hardcore, sia quelli che sono influenzati non solo dalla band di Oakland, California, ma anche, per dirne una, dall'esperienza Bloodmoon. Fa impressione pensare che i Converge festeggiano 36 anni di età, così come il fatto che quando li facevo ascoltare a mio nipote lui aveva 3 anni, e adesso ne ha 22, ma questo aprirebbe una riflessione più profonda, del tipo che il metalcore come quello dei Converge adesso è un po' da considerare come l'heavy metal moderno. Di certo, non è un disco che suona vecchio, al contrario: come alcune rughe che rendono alcuni visi più interessanti, le influenze ed il percorso della band hanno contribuito a farla arrivare a questo undicesimo album provando a non ripetersi, e cercando sempre strade diverse. Lunga vita ai Converge. 

To begin with, the lyrics, banal in their approach, consistently based on Bannon's personal vision (Jacob, the singer, not Steve, Trump's former strategist), but also quite extensible socio-politically. Then there's the music: it's true, as Pitchfork states in a lovely review that neither praises nor condemns the album, that Love Is Not Enough is divided into two parts: a more aggressive first half, and a second that nods to their friends Neurosis, while retaining all the technical and emotional power that has always characterized the Salem, Massachusetts, band's approach, and which is distinct from that of Neurosis themselves. Emotion oozes from the songs, both those that make them sound like a hardcore punk band and those that are influenced not only by the Oakland, California, band, but also, for one, by the Bloodmoon experience. It's shocking to think that Converge is celebrating their 36th anniversary, as is the fact that when I first played them to my nephew, he was 3, and now he's 22. But this opens up a deeper reflection, such as whether metalcore like Converge's should now be considered akin to modern heavy metal. It's certainly not an album that sounds old, on the contrary: like wrinkles that make certain faces more interesting, the band's influences and journey have contributed to this eleventh album, trying not to repeat themselves and always seeking different paths. Long live Converge.

first light, last light

Visto che si parla spesso dei Converge, una mia recensione del loro concerto del 2005.

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Converge + Modern Life is War + My Fashion Love, 22/03/2005, Pinarella di Cervia, Rock Planet

Avete mai visto una band che si scusa col pubblico per la presenza delle transenne sotto il palco? Può darsi, ma questo già vi dà le misure dei Converge. Andiamo con ordine.

Ancora una volta mi sento non il padre, ma il nonno del pubblico presente; semplice constatazione, importante per delineare il bacino d’utenza dei Converge. Alla fine, poco piu’ di un centinaio di presenti nel piccolo locale vicino all’Adriatico, giovani e scatenati.

Aprono le ostilita’ sonore gli italiani My Fashion Love, venature metal per un cantanto screamo; batterista pestone, cantante timido, chitarrista che si sente poco con lo strumento ma in compenso canta piu’ del cantante, bassista che riempie con un suono rotondo; pezzi troppo lunghi, quasi snervanti. Suonano una mezz’ora scarsa.

A ruota, da Marshalltown arrivano i Modern Life is War; autori di un album, My Love, My Way, hanno un approccio grintoso, sono in cinque (batteria, basso, voce e due chitarre), il cantante si muove ricordando molto sua maestà Henry Rollins, anche nel modo di usare la voce; pezzi rocciosi quanto basta, che dimostrano come la fusione di hardcore-punk e metal classico, iniziata anni fa dai Discharge e proseguita dai Metallica, abbia avuto un’evoluzione in questo senso. 40 minuti circa, e dopo un rapidissimo cambio palco, arrivano i quattro Converge.

Le note introduttive sono quelle di First Light, opener dell’ultimo maestoso You Fail Me, e sembrano precludere alla seguente Last Light; invece il quartetto si tuffa in estratti dal precedente Jane Doe, cosa che appaga i die-hard fans. La scaletta poi torna sul disco più recente e alterna i pezzi.
Il concerto dura 45 minuti, Jacob, il cantante, dice più volte di essere malato e di non farcela più, ma si concede ancora per un pezzo e, di certo, non si risparmia. Nei Converge la fusione tra Hardcore Punk, Black e Death Metal assume dimensioni grandiose.

Canzoni compatte, furiose, complesse ma mai prolisse o ridondanti, sempre efficaci, che arrivano dritte al punto anche se i tre musicisti si permettono divagazioni quasi prog. Il cantato di Jacob e’ furibondo, ai limiti del growling, la sezione ritmica e’ devastante, soprattutto nel drumming di Ben, un mostro affiancabile a Dave Lombardo, un batterista che non e’ capace di eseguire la stessa cosa per piu’ di 5 secondi; la chitarra di Kurt (una Rickenbacker mi fa notare l’amico che è con me, scelta davvero inusuale per il metal) cesella riff ma soprattutto atmosfere cupe, ossessive, opprimenti. You Fail Me, il pezzo, nell’esecuzione live di questa sera, consacra questa band nell’Olimpo della musica moderna, e ci lascia a bocca aperta.

Da vecchio metallaro, girovago di stili musicali, non posso che rallegrarmi. Il futuro e’ in ottime mani.

Un uomo paziente

A Patient Man - Cult Leader (2018)

Come promesso, ecco l'ultima recensione della mia top 10 del 2018. I Cult Leader sono una band che viene dall'hardcore punk e affonda le radici nel crust punk, proveniente da Salt Lake City, Utah, e formatasi nel 2013 in seguito allo scioglimento dei Gaza, andati a rotoli, possiamo dire così, in seguito alle accuse di stupro, rivolte all'allora cantante dei Gaza, da parte di una donna. Il cantante ha sempre negato le accuse, la cosa si è risolta privatamente, ma questo fatto ha causato tensioni tra Jon Parkin ed il resto della band: prima è stato estromesso dalla band, dopo di che i tre membri rimanenti hanno deciso di sciogliere la band stessa e cominciare da zero. Il bassista Anthony Lucero è passato alla voce, Casey Hansen e Mike Mason sono rimasti ai loro rispettivi strumenti, batteria e chitarra, ed è stato reclutato Sam Richards al basso. Nascono così i Cult Leader, con all'attivo due EP, un primo LP intitolato Lightless Walk del 2015, un contratto con la Deatwish Inc. di Jacob Bannon (Converge), e, da novembre 2018, questo secondo eccezionale disco che si chiama A Patient Man, prodotto, come il precedente (so che avrete già indovinato), da Kurt Ballou (Converge). 
Il disco parte sparato, ricordando molte cose dei primi Converge, e poi, sul finire di Isolation in the Land of Milk and Honey, rallenta, fino a sfociare in To: Achlys, un pezzo d'atmosfera dove la voce di Lucero ha ispirato la (mia) definizione di "outtakes di John Grant regalate al death metal", un pezzo che si candida a rimanere nella storia. Le sorprese non si fermano qui, perché a ruota viene A World of Joy, un altro pezzo dove la band sembra voler incrociare i crooner, i Joy Division, tutto lo shoegaze dell'Universo, suonato da una band che però, sappiamo riuscire a pestare durissimo. Infatti, gli ultimi 20 secondi sono una sorta di massacro. Si torna a suoni più pesanti con altri tre pezzi spaccagambe, fino alla canzone che dà il titolo al disco, A Patient Man, oltre sette minuti di una specie di ballata asimmetrica e affascinante, con un testo da strapparsi la pelle dal corpo. Sembra impossibile fare meglio, ma ecco la conclusione con The Broken Right Hand of God (un titolo già di per sé ambizioso), che prova, a mio parere riuscendoci, a fondere le due tipologie di approccio alla forma-canzone dei Cult Leader. Un'apoteosi shoegaze-dark-black-sludge-post-metal, bella come un diamante grezzo.
La voglia di sperimentare risale già ai dischi precedenti (uso del violino nella cover di You Are Not My Blood di Mark Kozelek and Desertshore sull'EP Useless Animal, apprezzatissima, pezzo che ha spinto la band a proseguire e ad incorporare altri elementi stilistici nel loro sound), e la già citata voce di Anthony, cavernosa all'infinito nei pezzi hardcore, ma capace di una profondità inaudita in pezzi più "puliti", unita alla padronanza tecnica degli altri tre musicisti e alla varietà delle influenze davvero vasta, permette alla band di spaziare e navigare nei suoni, creando non uno, ma due marchi di fabbrica (pezzi tirati con voce growl e pezzi rallentati con voce pulita), che lasciano intravedere potenzialità infinite, ma che già con questo disco, tolgono il fiato. Avete capito: non fateveli scappare.



As promised, here is the latest review of my top 10 of 2018. The Cult Leader is a band that comes from hardcore punk and has its roots in crust punk, coming from Salt Lake City, Utah, and formed in 2013 following the dissolution of the Gaza, went to pieces, we can say so, following the accusations of rape, addressed to the then Gaza singer, by a woman. The singer has always denied the accusations, the matter has been solved privately, but this fact caused tensions between Jon Parkin and the rest of the band: first he was ousted by the band, after which the remaining three members decided to dissolve the band itself and start from scratch. Bassist Anthony Lucero switched to vocals, Casey Hansen and Mike Mason remained on their respective instruments, drums and guitar, and Sam Richards was recruited to the bass. This is how the Cult Leader were born: with two EPs, a first LP entitled Lightless Walk of 2015, a contract with Deatwish Inc. of Jacob Bannon (Converge), and, from November 2018, this second exceptional album called A Patient Man, produced, as the previous (I know you have already guessed), by Kurt Ballou (Converge).
The album starts firing, remembering many things of the first Converge, and then, at the end of Isolation in the Land of Milk and Honey, it slows down, to lead to To: Achlys, a track of atmosphere where the voice of Lucero inspired (my) definition of "John Grant outtakes borrowed to death metal", a track that promises to remain in history. The surprises do not stop here, because A World of Joy, another track where the band seems to want to cross the crooners, the Joy Division, all the shoegaze of the Universe, played by a band that knows how to stomp hard. In fact, the last 20 seconds are a kind of massacre. They return to heavier sounds with three more tracks broken-legs, up to the song that gives the title to the record, A Patient Man, over seven minutes of a kind of asymmetric and charming ballad, with a lyrics to tear the skin from the body. It seems impossible to do better, but here is the conclusion with The Broken Right Hand of God (a title already in itself ambitious), which tries, in my opinion succeeding, to merge the two types of approach to the form-song of the Cult Leader. An apotheosis shoegaze-dark-black-sludge-post-metal, as beautiful as a rough diamond.
The desire to experiment dates back to previous records (use of the violin in the cover of You Are Not My Blood by Mark Kozelek and Desertshore on the EP Useless Animal, much appreciated, track that pushed the band to continue and incorporate other stylistic elements in their sound), and the aforementioned voice of Anthony, cavernous to infinity in the hardcore tracks, but capable of unprecedented depth in "cleaner" songs, combined with the technical mastery of the other three musicians and the wide variety of influences, allows the band to wander and navigate into the sounds, creating not one, but two trademarks (fast and hard tracks with growl voice and slowed-down songs with a clean voice), which let us glimpse infinite potential, but that already with this record, take your breath away. Understood: do not let them unheeded.

tutti quelli che amiamo che ci lasciamo alle spalle

All We Love We Leave Behind - Converge (2012)

Tamponare un camion con un'auto familiare. Ribaltarsi con la macchina. Fare un testacoda triplo causa la strada bagnata. L'equivalente adrenalinico ed emozionale di ascoltare un disco dei Converge. Si inizia con un primo ascolto nel quale, per quanto tu possa amarli (solo perché appartieni alla categoria, minoritaria, che li ama; l'altra non è che li odia, è che proprio non li può sentire), ti dici che hanno rifatto l'ennesimo stesso disco. Poi entri nei particolari, dentro. Ed il fiume in piena dei tum-cha tumtum-cha di hardcorepunkiana memoria (seppure accelerati all'impazzata) ti travolge. Quando rallentano, dopo metà disco, tornano alla mente i Metallica (Coral Blue, Shame in the Way) quelli veri, quelli pre-Load (questa è una battuta che fa ridere solo me, ma mi piace lo stesso; il preload è una funzione di SAPP per la logistica intermodale); ma dentro il sound dei Converge, come saprà già chi li conosce, ci sono quarant'anni di metal e quasi altrettanti di hardcore punk, passando per il crossover che arrivò direttamente dal crust punk.  Il disco, dal titolo romantico e un po' decadente, segue di poco uno split con i Napalm Death, una sorta di investitura o di un passaggio di consegne, vedete voi. In questo split, i Converge rifanno (alla grande) Wolverine Blues degli Entombed di Nicke Andersson: il cerchio si chiude, per uno come me che nel 1978 era un kissomane, e adesso ascolta, quasi idolatrandoli, anche i Converge. Chi vuol capire capisca.
Il senso di, passatemi il neologismo, apocalitticità che da sempre contraddistingue la musica del quartetto di Salem, Massachusetts, è già racchiuso nella prima strofa del micidiale pezzo di apertura, Aimless Arrow:
"To live the life you want/You've abandoned those in need/A necessary casualty/Or so you believe/Your wake will always travel/And well up in the eyes/Of those that you sacrificed/In order to survive".




Andate alla title-track, la traccia 13 nella versione "normale", la 15 in quella Deluxe: sono i Black Sabbath suonati da una punk band. Seguite la traccia di chitarra di Kurt Ballou (come sempre, anche produttore): impressionante. Tralascio giudizi sul complessivo drumming di Ben Koller: il ragazzo è lo Stewart Copeland del metal.
Ancora una volta, ascoltatore colpito e affondato. Nel 2005, dopo averli visti live, scrissi che in mano loro, il futuro del metal era in ottime mani. Sono felice di averci preso.

Il tramonto in noi

The Dusk In Us - Converge (2017)

Poco da fare. Nono album, potenzialità altissime già dimostrate, la band del Massachussetts continua a maturare, e mette a segno un colpo magistrale. Questo nuovo The Dusk In Us è il disco dove, liricamente, abbandonano il nichilismo per l'esistenzialismo. "And I won't sink with you. I have so much more to do" ("non voglio affondare con te. Ho ancora molto da fare"), canta Jacob Bannon su Arkhipov Calm. Il metalcore, con i Converge, è sempre stato all'ennesima potenza, ma qua siamo alla macchina da guerra. Non importa più se si vada a mille all'ora, o se, come accade sempre più spesso, i ritmi siano rallentati: i Converge sono divenuti magistrali in entrambe i casi. Musicisti sopraffini, e con un portentoso urlatore (a vederlo fisicamente non si direbbe) come Bannon, ci hanno lavorato sopra in tutti questi anni, deliziando chi ha orecchie adeguate a "sopportare" il rumore non fine a se stesso, affinando il songwriting, mescolando l'hardcore, il crust e il metal, non concedendo mai un passo indietro. Adesso possono permettersi pure un intro acustica come sulla canzone che dà il titolo all'album, e nessuno può avere nulla da ridire. Se non è il disco definitivo, poco ci manca. E su Trigger, una delle molte canzoni imperdibili di questo disco, omaggiano i capostipiti Slayer: divertitevi a trovare la citazione.



Nothing to do. Ninth album, very high potential already demonstrated, the band from Massachusetts continues to mature, and scored a master stroke. This new "The Dusk In Us" is the disc where, lyrically, they abandon nihilism for existentialism. “And I won’t sink with you. I have so much more to do”, sings Jacob Bannon on "Arkhipov Calm". The metalcore, with the Converge, has always been to the nth degree, but here we are at the war machine level. It does not matter if they goes to a thousand per hour, or if, as happens more and more often, the rhythms are slowed down: the Converge have become masterful in both cases. Superb musicians, and with a portentous screamer (seeing him physically, you would not say that) like Bannon, they worked on all these years, delighting those who have ears to "endure" the noise with a purpose, honing the songwriting, mixing hardcore, crust and metal, never giving a step back. Now they can afford an intro as well as the one on the title track, and nobody can have anything to say. If it's not the definitive record, we're very close. And on "Trigger", one of the many unmissable songs on this record, they pay homage to the masters Slayer: have fun finding the quote.

Indossa le tue ferite

Rust On the Gates of Heaven - Wear Your Wounds (2019)

Questo secondo disco per il monicker WYW (Wear Your Wounds), creatura nata inizialmente come progetto solista di Jacob Bannon dei Converge, qui voce, basso e piano, è decisamente una delle sorprese, e dei dischi più belli di questo 2019. Ve lo dico così, senza timore di essere smentito. Jacob qui canta come un crooner del post rock, e non come l'indemoniato singer dei Converge, e si circonda di musicisti come Christopher Maggio alla batteria (ultimamente con i Mutoid Man in tour, come rimpiazzo di Ben Koller in seguito al suo infortunio, ma già con solide band underground), e, alle chitarre, un po' il pezzo forte di questo disco assolutamente di grandissima atmosfera, Mike McKenzie, Adam McGrath e Sean Martin (leggete qui i loro curriculum), per dare vita ad una raccolta di canzoni, come detto, di grande atmosfera, molto crepuscolari anche nei testi, tracce che raramente spingono sull'acceleratore, ma che si rivelano estremamente emozionanti e coinvolgenti. Presenti anche Ben Chisholm (Chelsea Wolfe) e Gared O'Donnell, per un disco che definire metal sarebbe riduttivo, e a proposito del quale farete fatica a scegliere la vostra canzone preferita.



This second record for monicker WYW (Wear Your Wounds), a creature born initially as a solo project by Jacob Bannon of Converge, here voice, bass and piano, is definitely one of the surprises, and one of the most beautiful records of this 2019. I tell you so, without fear of being denied. Jacob sings here as a post rock crooner, and not as a Converge demon-possessed singer, and surrounds himself with musicians like Christopher Maggio on drums (lately with Mutoid Man on tour, as Ben Koller's replacement following his injury, but already with solid underground bands), and, on guitars, a bit of the highlight of this absolutely great album, Mike McKenzie, Adam McGrath and Sean Martin (read their resumes here), to create a collection of songs, as mentioned, of great atmosphere, very crepuscular even in the lyrics, tracks that rarely push on the accelerator, but that are extremely emotionally and engaging. Also present were Ben Chisholm (Chelsea Wolfe) and Gared O'Donnell, for a record that defining metal would be an understatement, and about which you will struggle to choose your favorite song.

Abbiamo già perso il mondo

We Already Lost the World - Birds In Row (2018)

Ormai siete abituati al fatto che dichiari di "essere arrivato tardi" su alcune band, ma l'importante è arrivarci. Sono rimasto sorpreso, a proposito dei Birds in Row, di scoprire che sono francesi di Laval, cittadina della regione dei Paesi della Loira. Segno evidente che la Deathwish, come forse ricorderete, etichetta diretta e fondata da Jacob Bannon dei Converge e dal suo amico Tre McCarthy, sta diventando un po' la Netflix dell'underground musicale post rock: il power trio francese, infatti, sono con l'etichetta dal 2011, l'anno precedente al loro debutto You, Me & the Violence. Oggi parliamo del loro secondo lavoro, uscito l'anno passato, dal titolo We Already Lost the World; la band francese è passata attraverso due cambi di formazione, ma continua a tenere nascoste le identità dei tre musicisti, perché vuole essere vista come una cosa sola. Il genere è un post punk, che volendo rimanere nei paraggi per darvi un'idea generica, potremmo definirli come i Touché Amoré che incontrano i Converge. Canzoni robuste con spirito punk ma con intense aperture melodiche e riduzioni di velocità e di potenza particolarmente suggestive, guidate da linee di basso invidiabili. Un cantato urlato e particolarmente sofferente, incornicia il tutto. Un disco potente, che consiglio.



By now you are used to the fact that I often declare to "have arrived late" on some bands, but the important thing is to get there. I was surprised, about the Birds in Row, to discover that they are French from Laval, Mayenne. A clear sign that Deathwish, as you may remember, a label direct and founded by Jacob Bannon of Converge and his friend Tre McCarthy, is becoming a bit like the Netflix of the post-rock musical underground: the French power trio, in fact, is with label since 2011, the year before their debut You, Me & the Violence. Today we talk about their second work, released last year, entitled We Already Lost the World; the French band has gone through two changes of line-up, but continues to keep the identities of the three musicians hidden, because it wants to be seen as one entity. The genre is a post punk, which, wanting to stay around to give you a generic idea, we could define them as Touché Amoré meets Converge. Robust songs with punk spirit but with intense melodic openings and particularly suggestive speed and power reductions, guided by enviable bass lines. A screaming and particularly suffering voice, frames the whole thing. A powerful album, which I recommend.

Solo amore

Only Love - The Armed (2018)

Terzo album per la punk band di Detroit, Michigan; membri sconosciuti, l'unico credito che possiamo assegnare è quello del batterista, stavolta Ben Koller (Converge, tra gli altri). Prodotti da un altro onnipresente, Kurt Ballou (ancora una volta, Converge tra gli altri), i The Armed potrebbero essere definiti come i Death Grips senza rap, per facilitarvi le cose: 11 pezzi a volte brevi, a volte no, che sembrano assalti punk hardcore con un drumming sincopato e molto tecnico (naturalmente), droni di chitarra che vengono anche supportati da un poco di elettronica, voce spesso urlata alla maniera, appunto, hardcore punk, ma non sempre. Spesso molto ripetitivi, incessanti, estenuanti, decisamente al limite della sperimentazione.



Third album for the punk band of Detroit, Michigan; unknown members, the only credit that we can assign is that of the drummer, this time Ben Koller (Converge, among others). Produced by another ubiquitous, Kurt Ballou (again, Converge among others), The Armed could be defined as the Death Grips without rap, to make things easier: 11 tracks sometimes short, sometimes not, that seem assaults hardcore punk with a syncopated and very technical (of course) drumming, guitar drones that are also supported by a little bit of electronics, a voice often yelled, in fact, in the hardcore punk way, but not always. Often very repetitive, incessant, exhausting, definitely on the verge of experimentation.

Converge - Hanging Moon

Il video preferito da Alessio. Il pezzo è Hanging Moon dei Converge, dal disco You Fail Me. Il video è tratto da un corto del 1966 dal titolo Silent Snow, Secret Snow.
Il corto è interessante, e sul sito dei Converge trovate anche il video di Bare My Teeth fatto con spezzoni di vecchi film, tra cui ancora Silent Snow, Secret Snow.
Tornando al corto, lo trovate qui e qui nella versione del 1966, e qui e qui un remake del 1971 con voce narrante di Orson Welles.

Ronzio di dolore

Hum of Hurt - Converge (2026)

Non saprei cosa aggiungere a quando detto pochi mesi fa a proposito del precedente Love Is Not Enough, se non che questo Hum of Hurt è più aggressivo e meno simile ad alcune cose dei Neurosis. I Converge sono ancora una vera e propria macchina da guerra, a livello musicale, che è ancora in grado di emozionare chi ama un certo tipo di musica, estrema, potente, aggressiva e si, violenta, senza che si veicoli un messaggio violento. Il finale, soprattutto, contiene una sequenza di pezzi roboante, tra i quali la canzone che dà il titolo all'album, una canzone che è già un instant classic, con una progressione nel riff di chitarra che lascia senza fiato, emozionante fino alla commozione. Non sappiamo fino a quando vorranno continuare, ma personalmente vorrei non se ne andassero mai.

I don't know what to add to what I said a few months ago about their previous album, Love Is Not Enough, except that this Hum of Hurt is more aggressive and less reminiscent of some of Neurosis's music. Converge are still a veritable war machine, musically, capable of moving those who love a certain type of music—extreme, powerful, aggressive, and yes, violent—without conveying a violent message. The finale, especially, contains a sequence of bombastic tracks, including the album's title track, a song that is already an instant classic, with a breathtaking, emotionally moving guitar riff progression. We don't know how long they'll continue, but personally, I wish they'd never go away.

NeuroVerge

Neurosis + Converge + DeafKids, Zona Roveri, Bologna, 17 giugno 2018

Insieme all'amico Mazza, ci attardiamo finché i DeafKids non li sentiamo vagamente mentre regoliamo le scartoffie dell'ingresso. Avessi saputo prima che vengono dal Brasile, magari sarei stato più curioso. Di più non vi so dire, se non che pestano duro. Non si poteva mancare a questa tremenda accoppiata, questo incrocio di due band seminali che vagano per l'Europa questa estate: peccato che la Zona Roveri, quando c'è il pienone, diventi invivibile, a meno che tu non rimanga sulla soglia. Così faremo, e nonostante ciò, il caldo è poco sopportabile. Se penso che solo pochi giorni prima, per i Baroness c'era la desolazione, sento che qualcosa non funziona nella percezione del pubblico. Il combo di Salem, Massachusetts, sale sul palco in orario e parte senza indugi con Reptilian, e in un'ora abbondante mette in fila sedici pezzi, per la maggior parte (nove, per essere precisi) estratti dal nuovo The Dusk In Us, inframezzandoli con chicche da Jane Doe (Concubine), Axe To Fall (Dark Horse), All We Love We Live Behind (Aimless Arrow, Empty on the Inside) e You Fail Me (Drop Out, Heartless, Eagles Become Vultures). Normale, per una band che ormai ha un repertorio vastissimo. L'impressione è ottima, come sempre e nonostante il suono poco chiaro, un rullo compressore con emozioni, tutte paradossalmente lasciate all'ugola urlante e drammatica di Jacob, e una padronanza assoluta dei pezzi, con la tendenza, nonostante con un batterista come Ben tu ti possa permettere qualsiasi cosa, a rallentare sempre più spesso, a preferire pezzi pesanti alternati a quelli al fulmicotone. La chiusura con Concubine però ci ricorda chi sono, e da dove vengono.
Cambio palco che permette di respirare un po' a tutti, e verso le 23 ecco i precursori del post-metal, direttamente da Oakland, California. Given to the Rising è il pezzo di apertura, suono leggermente più definito rispetto ai Converge, ma naturalmente, set molto più catartico e meno d'impatto. Anche qui abbiamo un repertorio sconfinato, e la scaletta è molto equilibrata lungo tutti (o quasi) i dischi della band. A lungo andare, però, nonostante la potenza del suono, i passaggi e i cambi di tempo, i nove pezzi in tutto per un'ora abbondante, annoiano un poco.


The Salem, Massachusetts, combo gets on the stage on time and leaves without delay with Reptilian, and in an abundant hour gave us sixteen trucks in line, most of them (nine, to be precise) extracted from the new The Dusk In Us, interspersed with goodies from Jane Doe (Concubine), Axe to Fall (Dark Horse), All We Love We Live Behind (Aimless Arrow, Empty on the Inside) and You Fail Me (Drop Out, Heartless, Eagles Become Vultures). Normal, for a band that now has a vast repertoire. The impression is excellent, as always and despite the unclear sound, a steaming roller with emotions, all paradoxically left to the dramatic screaming of Jacob, and an absolute mastery of the tracks, with the tendency, despite a drummer like Ben you can allow anything, to slow down more and more often, to prefer heavy tracks alternating with those with a ultraspeed. The closure with Concubine, however, reminds us who they are and where they come from.
Change of stage that allows everybody to breathe a little, and around 11 PM here are the precursors of post-metal, directly from Oakland, California. Given to the Rising is the opening track, a slightly more defined sound than the Converge, but of course, much more cathartic and less impactful. Also here we have a boundless repertoire, and the lineup is very balanced along all (or almost) the records of the band. In the long run, however, despite the power of the sound, the passages and the changes of rhythm, the nine tracks in total for an abundant hour, get us bored a little.

Ultrapopolare

Ultrapop - The Armed (2021)

Il quarto album del collettivo anonimo proveniente da Detroit, Michigan, è una festa di colori e di suoni, un inno alla libertà stilistica, un caleidoscopio di rumori, melodie, generi, una figata pazzesca. A livello di nomi, sappiamo solo che alla batteria c'è Urian Hackney (Rough Francis ma qualche tempo fa nei Converge per sostituire Koller infortunato), e che sulla conclusiva The Music Becomes a Skull c'è un featuring di Mark Lanegan; possiamo anche dire che, dietro la mano del produttore ufficiale che è Dan Greene, c'è quella di Kurt Ballou, che qui funge da executive producer. Dodici tracce per meno di quaranta minuti di hardcore punk elettrico, una sorta di Death Grips o anche degli Ho99o9 ugualmente spigolosi ma ancora più melodici, in salsa mathcore. Ritmiche vertiginose (il lavoro della batteria e del basso è a tratti spaventoso, e potrebbe ricordare perfino i Mars Volta), elettronica durissima ma pure chitarre a volontà, cori e melodie seppure veloci, apprezzabili perfino da chi non ama la musica estrema, e assolutamente coinvolgenti. Una delle band più strane sulla piazza, un disco che si candida decisamente alle posizioni più alte di questo 2021.

The fourth album by the anonymous collective from Detroit, Michigan, is a party of colors and sounds, a hymn to stylistic freedom, a kaleidoscope of noises, melodies, genres, a crazy but really cool thing. At the level of names, we only know that on the drums there is Urian Hackney (Rough Francis but some time ago with Converge to replace injured Koller), and that on the conclusive The Music Becomes a Skull there is a featuring by Mark Lanegan; we can also say that, behind the hand of the official producer who is Dan Greene, there is that of Kurt Ballou, who here acts as executive producer. Twelve tracks for less than forty minutes of hardcore electric punk, a sort of Death Grips or even Ho99o9 equally edgy but even more melodic, in a mathcore sauce. Dizzying rhythms (the work of the drums and bass is frightening at times, and could even recall Mars Volta), very hard electronics but also guitars at will, choirs and melodies albeit fast, appreciable even by those who do not love extreme music, and absolutely engaging. One of the strangest bands on the square, an album that is definitely a candidate for the highest positions of this 2021.

Nessuno sa cosa pensano i morti

No One Knows What The Dead Think - No One Knows What The Dead Think (2019)

Debutto abbastanza impressionante, questo album omonimo del trio proveniente dal New Jersey. 20 minuti scarsi (36 circa nella versione che include le nove tracce cantate in versione strumentale - qui denominata "karaoke") di technical grindcore (così lo definisce Encyclopaedia Metallum), che fa venire in mente i Converge più aggressivi, soprattutto degli esordi. Come potrete immaginare, di certo non un disco per rilassarsi, al contrario.

Quite impressive debut, this self-titled album by the trio hailing from New Jersey. About 20 minutes (about 36 in the version that includes the nine tracks sung in the instrumental version - here called "karaoke") of technical grindcore (as Encyclopaedia Metallum defines it), which brings to mind the more aggressive Converge, especially from the beginning. As you can imagine, certainly not an album to relax, on the contrary.

Autobomba

Mordial - Car Bomb (2019)

Proseguiamo con un'altra band estremamente tecnica: da Long Island, New York, i Car Bomb. Se oggi ha ancora un senso l'etichetta Mathcore, beh, qua abbiamo di fronte dei rappresentanti di livello. Sposo in pieno quello che dicono di sé, alcune altre descrizioni giornalistiche, e il loro ascolto mi fa affiorare ricordi di diverse band che loro stessi citano come influenze: su tutte Meshuggah, The Dillinger Escape Plan, The Locust, Converge. Il tutto ben mixato, suonato con una tecnica invidiabile, e soprattutto, il loro (come lo auto definiscono) "fare a pezzi dei riff, invertendoli, prendendo scorciatoie e fare confusione con i ritmi", serve precisamente a dare un'idea di quello che si ascolta in questo loro quarto album Mordial. Prendo in prestito un'altra immagine assolutamente calzante da un giornalista di Kerrang!, che a proposito di un loro live, scrisse "Frankensteining Meshuggah and The Dillinger Escape Plan...", che mi sembra una descrizione meravigliosa, per chiudere questo invito ad ascoltare il loro disco.



We continue with another extremely technical band: from Long Island, New York, Car Bomb. If the Mathcore label still makes sense today, well, here we have level representatives in front of us. I fully marry what they say about themselves, some other journalistic descriptions, and listening to them brings me back memories of different bands that they themselves quotes as influences: above all Meshuggah, The Dillinger Escape Plan, The Locust, Converge. All well mixed, played with an enviable technique, and above all, their (as they define it) "chopping a riff into pieces, reversing it, cutting it short, or messing with the tempo", serves precisely to give an idea of ​​what that you will listen to in their fourth album Mordial. I borrow another absolutely fitting image from a Kerrang! journalist who wrote about their live, "Frankensteining Meshuggah and The Dillinger Escape Plan ...", which seems like a wonderful description to close this invitation to listen to their record.

Zucchero bruciato

Burnt Sugar - Gouge Away (2018)

Stereogum li definisce amabilmente "mouth-foaming fuck-you-up hardcore", che potremmo tradurre, con il pressappochismo che ci contraddistingue, "hardcore rabbioso e fanculeggiante". C'è senz'altro di più, ve ne accorgerete immediatamente ascoltando questo loro secondo, massiccio disco che si intitola Burnt Sugar. La band di Fort Lauderdale, Florida, è sponsorizzata dai Converge (escono per la Deatwish, l'etichetta co-gestita da Jacob Bannon insieme a Tre McCarthy), il disco è prodotto da Jack Shirley (Deafheaven) e Jeremy Bolm (il cantante dei Touché Amoré). La cantante e leader Christina Michelle canta (urla) come se non ci fosse un domani, generalmente del male di vivere, e il disco suona prepotente, hardcore ma anche molto noise rock: Fugazi, Jesus Lizard, ma pure Sonic Youth e Pixies. Se avete seguito un certo tipo di "scena", probabilmente questo disco vi farà sentire anche un po' di nostalgia; sicuramente, ci ricorda che non importa la doppia cassa, per fare musica violenta.



Stereogum defines them, in a lovely way, "mouth-foaming fuck-you-up hardcore". There is certainly more, you will notice immediately listening to their second, massive album called Burnt Sugar. The band of Fort Lauderdale, Florida, is sponsored by Converge (come out for Deatwish, the label co-directed by Jacob Bannon along with Tre McCarthy), the record is produced by Jack Shirley (Deafheaven) and Jeremy Bolm (the singer of the Touché Amoré). The singer and leader Christina Michelle sings (screams) as if there was not a tomorrow, usually of the evil of living, and the album sounds overbearing, hardcore but also a lot of noise rock: Fugazi, Jesus Lizard, but also Sonic Youth and Pixies. If you have followed a certain type of "scene", probably this record will make you feel a bit of nostalgia; surely, it reminds us that it does not matter the blast beat, to make violent music.

Ombra della vita

Shadow of Life - Umbra Vitae (2020)

Amici, eccovi uno dei grandi dischi di questo strano 2020. Ma prima, una parentesi: questi tempi recenti, ci hanno abituato a molta musica, e a molte possibilità, anche e soprattutto per i musicisti stessi. Prima, e sto parlando di molti anni fa, gli anni in cui mi consideravo giovane, non era così usuale trovare uno o più musicisti, coinvolti in più di una band. Adesso, è tutto diverso, e va bene così. Eccoci quindi a parlare di un ennesimo progetto voluto e sviluppato da Jacob Bannon (Converge, Wear Your Wounds, Blood from the Soul), alla voce, insieme a Mike McKenzie (Nightkin, Stomach Earth, Beyond the Sixth Seal, The Red Chord, Unraveller, Wear Your Wounds) e Sean Martin (Twitching Tongues, Wear Your Wounds, ex Hatebreed) alle chitarre, Jon Rice (Uncle Acid and the Deadbeats, Scorpion Child e tantissime band come membro live) alla batteria, Greg Weeks (Wormwood, Beyond the Sixth Seal, The Red Chord) al basso, un gruppo di musicisti quindi dall'esperienza davvero impressionante, uniti dalla voglia di fare musica, ed evidentemente, musica tosta. Nome preso in prestito da un poema di Georg Heym, e via con un disco contenente dieci tracce per un totale di neppure 30 minuti, di un black / death metal tecnico e modernissimo, che però, mi fa venire in mente degli Slayer evoluti. Chitarre sugli scudi, sia con ritmiche molto aggressive che con assoli intrecciati che omaggiano la migliore NWOBHM, una sezione ritmica inarrestabile e travolgente, e un Jacob Bannon che sembra essere inesauribile, con quel suo cantato harsh che è ormai un marchio di fabbrica. Ripartenze in classico stile Slayer, rallentamenti paurosamente potenti, momenti di blast beat tellurici, armonici e assoli super melodici di grande atmosfera, cupi ed epici. Insomma, un grandissimo disco di metal estremo. Imperdibile.



Friends, here is one of the great records of this strange 2020. But first, a parenthesis: these recent times have accustomed us to a lot of music, and to many possibilities, also and above all for the musicians themselves. Before, and I'm talking about many years ago, the years when I considered myself young, it was not so usual to find one or more musicians involved in more than one band. Now, everything is different, and that's okay. So here we are talking about yet another project wanted and developed by Jacob Bannon (Converge, Wear Your Wounds, Blood from the Soul), on vocals, together with Mike McKenzie (Nightkin, Stomach Earth, Beyond the Sixth Seal, The Red Chord, Unraveller, Wear Your Wounds) and Sean Martin (Twitching Tongues, Wear Your Wounds, ex Hatebreed) on guitars, Jon Rice (Uncle Acid and the Deadbeats, Scorpion Child and many bands as a live member) on drums, Greg Weeks (Wormwood, Beyond the Sixth Seal, The Red Chord) on bass, a group of musicians with a truly impressive experience, united by the desire to make music, and obviously, tough music. Name borrowed from a poem by Georg Heym, and they debuted with an album containing ten tracks for a total of less than 30 minutes, of a technical and very modern black / death metal, which however, reminds me of evolved Slayer. Guitars on foreground, both with very aggressive rhythms and with intertwined solos that pay homage to the best NWOBHM, an unstoppable and overwhelming rhythm section, and a Jacob Bannon that seems to be inexhaustible, with that harsh singing of his that is now a trademark. Restartings in classic Slayer style, frighteningly powerful slowdowns, moments of telluric blast beats, harmonics and super melodic solos with a great atmosphere, dark and epic. In short, a great album of extreme metal. Unmissable.

Soldato bambino: Creatore di Dio

Child Soldier: Creator of God - Greg Puciato (2020)

Nonostante alcuni episodi davvero spiazzanti e forse troppo deboli per palati forti, ma ugualmente piacevoli se inseriti in un contesto pop, il debutto solista di Greg Puciato, che abbiamo imparato a conoscere ed apprezzare con i Dillinger Escape Plan, poi con The Black Queen e Killer Be Killed, non è sorprendente per chi lo ha seguito nelle sue esperienze musicali, ma è decisamente un disco interessante proprio per la sua eclettica varietà. Da sottolineare che Puciato suona tutti gli strumenti ad eccezione della batteria, per la quale è stato aiutato da Chris Hornbrook (Poison the Well), Chris Pennie (Coheed and Cambria, The Dillinger Escape Plan) e Ben Koller (Converge, Mutoid Man, Killer Be Killed). Il disco riflette in pieno quello che pensavo di lui: un background che spazia dal pop al metal estremo, flirtando con l'elettronica. Le capacità compositive sono, a mio modesto giudizio, ancora da affinare: l'abbondanza del disco, 15 tracce per oltre un'ora di musica, riflettono la voglia di mettersi in gioco totalmente, ma in futuro, una selezione maggiore potrà essergli utile. La classe ed il gusto ci sono, le capacità anche.

Despite some really unsettling episodes and perhaps too weak for strong palates, but equally pleasant if placed in a pop context, Greg Puciato's solo debut, which we learned to know and appreciate with The Dillinger Escape Plan, then with The Black Queen and Killer Be Killed, is not surprising for those who have followed him in his musical experiences, but it is definitely an interesting record because of its eclectic variety. It should be noted that Puciato plays all instruments except drums, for which he was helped by Chris Hornbrook (Poison the Well), Chris Pennie (Coheed and Cambria, The Dillinger Escape Plan) and Ben Koller (Converge, Mutoid Man, Killer Be Killed). The record fully reflects what I thought of him: a background that ranges from pop to extreme metal, flirting with electronics. The compositional skills are, in my humble opinion, still to be refined: the abundance of the album, 15 tracks for over an hour of music, reflect the desire to get involved completely, but in the future, a greater selection may be useful. The class and the taste are there, the skills too.

Cosa si diventa

What One Becomes - Sumac (2016)

Secondo disco di uno dei molti progetti di Aaron Turner, i SUMAC si spingono in territori davvero estremi: non c'era da aspettarsi diversamente, Turner è uno di quei poliedrici personaggi che stanno facendo diventare il genere che una volta era metal, in qualcosa di, lasciatemelo dire, pressoché intellettuale. La band, tra l'altro, nasce da alcune ossature di canzoni scritte da Turner appunto, per spingersi al limite, per le quali si è consigliato con Kurt Ballou (Converge) per la ricerca di un batterista in grado di lavorarci sopra. La scelta cadde su Nick Yacyshyn, dai canadesi crust-punk Baptists. I due aprono dunque le danze, ingaggiando al basso Brian Cook (Russian Circles) come membro "intermittente". Quando Cook non è disponibile, subentra per i live Joe Preston (Melvins, High on Fire, Thrones, Sunn O)))). Dopo il debutto con The Deal nel 2015, nel giugno dello scorso anno esce questi What One Becomes, una riflessione sull'identità e sulla sua destabilizzazione al contatto con l'esterno. Attraverso cinque pezzi molto lunghi (oppure 10, se si dividono, come ad esempio fa Spotify, Image of Control, Rigid Man, Clutch of Oblivion in due parti, e addirittura Blackout in tre), Turner ed i suoi compagni d'avventura prova ad andare oltre all'esperienza degli Isis, e forse ci riesce. Il disco è avvolgente, duro e compatto, seppur composto da passaggi con diverse atmosfere, e porta il metal ad un livello senza dubbio superiore.



Second record of one of Aaron Turner's many projects, SUMAC moves to really extreme territories: there was no other to expect, Turner is one of those multifaceted characters who are making turn the genre that was once metal, in something, let me say this, almost intellectual. The band, among other things, was born from some of the songs sketched by Turner, to go to the limit, for which was recommended, from Kurt Ballou (Converge), to search for a drummer who could work on it. The choice fell on Nick Yacyshyn, from Canadian crust-punk Baptists. The two then open the dances, hiring Brian Cook (Russian Circles) as an "intermittent" member. When Cook is unavailable, Joe Preston (Melvins, High on Fire, Thrones, Sunn O)))) takes over. After the debut with "The Deal" in 2015, in June of last year, these "What One Becomes" comes out, a reflection on identity and destabilization in contact with the outside. Through five very long tracks (or 10, if its split, such as Spotify, "Image of Control", "Rigid Man", "Clutch of Oblivion" in two, and even "Blackout" in three), Turner, and his adventure companions, go beyond Isis's experience, and maybe they succeeds. The album is wrap-around, hard and compact, albeit composed of passages with different atmospheres, and brings the metal to the, undoubtedly, next level.

tradimento

You Fail Me - Converge

Per darvi un'idea, questo è il mio album preferito da portare nel lettore mp3 al mare. Per spiegarvi ancora meglio: al mare, mentre mi abbronzo, preferibilmente dormo. E in spiaggia, i rumori, un po' come dappertutto oggigiorno, abbondano. Bambini che strillano, fiorentini che parlano col loro tono normale (urlando), fischi, pallonate, radio, annunci ai microfoni. Per estraniarmi, è necessario musica particolarmente rumorosa, che non riesca a farsi "superare" anche se gli auricolari isolano poco.

Questo, per dire della "rumorosità" dei Converge. Questo disco del 2004 poi, è particolarmente riuscito, non vorrei sbilanciarmi, ma forse il loro migliore, selvaggio e abbastanza maturo.

Come ebbi a dire tempo fa, il suono dei ragazzi di Salem, e soprattutto il "canto" (ma sarebbe più opportuno usare termini come "lamento", "rantolo", tenendo conto che "grido" è limitante e gli altri due proposti prima vanno intesi in senso positivo) di Jacob Bannon, mi ha sempre dato l'idea di essere un po' il grido di disperazione di un'umanità ferita, disperata, condannata. Pezzi come Hanging Moon, posta in chiusura, come un martello su un ematoma, o un coltello sporco che scava dentro una ferita già infetta, danno il senso di questo dramma.

C'è un'atmosfera che sembra "andare in pressing" fin dalla conclusione dell'intro iniziale denominato First Light, che combacia nell'incessante attacco di batteria della seguente Last Light (come dire, la speranza dura esattamente come l'intro, un minuto e zero uno secondi).

La chitarra allucinata e visionaria di Kurt Ballou, supportata dal drumming inesauribile, preciso, infallibile di Ben Koller, reso ancor più roboante dal basso di Nate Newton, creano un sound che deve molto all'hardcore punk più estremo (Black Cloud, Drop Out, Hope Street, Heartless, un quartetto di pezzi che stroncherebbero chiunque), ma che affonda le proprie radici anche nel metal di derivazione slayeriana (ascoltare Eagles Become Vultures, o il finale di Death King, oltre che la title track, You Fail Me), e quindi, a sua volta, tutte le influenze cronologicamente a loro antecedenti.

Un ascolto impegnativo, che può rivelarsi un'esperienza davvero intensa.