ragione

Hanno tutti ragione - di Paolo Sorrentino (2010)

Tony Pagoda. Già il nome fa ridere. Eppure. Tony P è un cantante melodico napoletano mediamente famoso, ma com'è come non è, lo conoscono pure all'estero. E quando il suo manager, Jenny Afrodite, organizza a lui e alla sua band (Rino Pappalardo al piano, Lello Cosa alla batteria, Gino Martire al basso, Titta Palumba, come dice Tony, alla guitar) un tour negli States, quando suonano nientemeno che al Radio City Music Hall di New York, li va a vedere Frank Sinatra, e li visita pure in camerino. Stiamo parlando di un po' di anni fa. La vita di Tony va avanti, fra concerti, scopate e chili di coca, finché un giorno, decide di farla finita.

Credo sia stato un sentimento condiviso da alcuni, quello avuto di fronte alla notizia che il bravo (Uno dei migliori) regista italiano Paolo Sorrentino stava uscendo con un libro; e cioè, quello di pensare "cazzo, ma qui in Italia tutti fanno tutto", con la mente che correva ad esempi abbastanza deprimenti di registi e scrittori. Eppure, alla fine non ho resistito alla curiosità, e senza nemmeno sapere, all'inizio, che il Tony Pagoda del libro altri non è se non il Tony Pisapia de L'uomo in più. La curiosità è stata ben ripagata: Hanno tutti ragione è innanzitutto un libro scanzonato e molto divertente, una sorta di soliloquio delirante e verboso, deragliante, caustico, politicamente scorretto e a tratti irresistibile, di questo personaggio che attraversa uno spicchio di storia italiana (E non solo) moderna, guardandola dall'esterno nonostante ci sia ben piantato in mezzo.

Sospetto che la svolta finale (Il ritorno in Italia) sia un epilogo posticcio, magari proprio l'elemento dal quale è scaturita la voglia di fare della vita di Tony P un libro, perché l'impressione netta è che ci sia uno stacco troppo marcato, ma questo è l'unico appunto che mi sento di muovere a questo lavoro. Superfluo notare che questa parte è chiaramente ispirata alla nostra cosiddetta Seconda Repubblica.

Stile pirotecnico e torrenziale, non usuale, è un po' come (Tanto per rimanere nella metafora calcistica, visto che abbiamo citato pure L'uomo in più, film anche sul calcio) un pressing a tutto campo nei confronti del lettore, che in certi momenti può rimanere tramortito dalla verve di Tony.

Niente male!

montagna d'arabia

Arabia Mountain - Black Lips (2011)

Sesto disco per i pazzi provocatori, autoproclamatisi flower-punk, di Atlanta, Georgia. Ci sono dei momenti in cui mi sembra di sentire una versione rallentata dei The Hives, pensate un po'.

Detta questa scelleratezza, il disco parte fortissimo, con Family Tree, una vera bomba, in tutti i punti, intro, strofa e ritornello. Pure la seguente Modern Art viaggia su buoni livelli, ed è qui in special modo che, probabilmente dato il modo di cantare di Cole Alexander, ho pensato un po' ai The Hives. Il disco si ammoscia però già dalla traccia 3, Spidey's Curse, un classico pezzo garage-rock retrò.

Il resto è scontato e piuttosto prevedibile, escludendo la conclusiva You Keep On Running, una sorta di esperimento, un bluesaccio che poi si espande in un finale noise-elettronico.

Un po' pochino, per un disco intero (E stiamo parlando di 16 tracce!).

ghiacciati

Frozen - di Adam Green (2011)

Giudizio sintetico: si può vedere (2,5/5)

Giudizio vernacolare: quand'è merda è merda

Dan e Joe, amici da lungo tempo, si concedono spesso delle fughe, anche di un solo giorno, sulla neve. Dan è uno snowboarder, mentre Joe è un amante della vecchia tradizione dello sci. Si prendono una domenica per andare nel New England, ma con loro, per la prima volta, c'è anche la ragazza di Dan, Parker, decisamente alle prime armi con lo snowboard. Essendo a corto di soldi, i due ragazzi convincono Parker a corrompere l'addetto allo skilift, Jason, per farli usufruire delle risalite ad un prezzo scontato. La giornata scorre liscia tra un flirt di Joe, punzecchiature tra lui e Parker, giustificazioni di Dan verso Joe per aver portato la sua ragazza. Si fa sera, e i tre si ritrovano ad implorare Jason perché li lasci salire (e scendere) per l'ultima corsa. Jason tentenna, vogliono chiudere, ripulire la montagna, in più sembra si stia avvicinando il tempaccio; ma li lascia salire. Sfortunatamente, un collega di Jason lo avverte che il capo gli vuole parlare per dei turni di lavoro, e prende il suo posto. Jason lo avverte che ci sono tre persone che stanno salendo per poi scendere l'ultima volta, ma il collega evidentemente ci fa poco caso, perché dopo qualche minuto ferma l'impianto, forse perché vede arrivare tre sciatori. I ragazzi pensano ad un guasto momentaneo, è già successo durante il giorno. Ma l'impianto non riparte, le luci si spengono. Nessuno risale la montagna per controllare. Il panico, ed il freddo, si impadronisce di loro poco a poco, ma inesorabilmente.

Adam Green, dal quale non sapevo niente fino a prima di vedere questo film, è un giovane regista statunitense che, dal quel che si legge, è in ascesa. Esordisce con una commedia, ma poi si specializza nell'horror, prima splatter (Hatchet), poi spostandosi sullo psicologico (Spiral, questo Frozen, ma sta tornando allo splatter dirigendo il sequel di Hatchet). Parlando di questo Frozen, è scontato che su praticamente ogni recensione, troverete gli stessi riferimenti. Frozen sembra un Open Water trasportato dal mare aperto alla montagna; rimanendo negli ultimi tempi, si può ricollegare a Buried e a 127 ore. Com'è questo? E' un film abbastanza interessante, non completamente coinvolgente o paralizzante, condito da pizzichi di ironia e da riferimenti e citazioni. Green, anche sceneggiatore, cerca di rimanere in equilibrio e di non intraprendere nessuna deriva, né troppo introspettiva, non approfondendo troppo i personaggi, né troppo splatter, non esagerando nel mostrare quel che accade, e questo probabilmente fa si che non ci si senta trascinati fino in fondo dalla storia, che pur è discretamente costruita, almeno quando si entra nel vivo della vicenda (prima è effettivamente un po' tirata via).

La fotografia è ben fatta, la regia anche, gli attori protagonisti (Emma Bell è Parker, vista in The Walking Dead; Kevin Zegers è Dan, visto in Transamerica e in Gossip Girl; Shawn Ashmore è Joe, visto in X-Men) se la cavano benino, la storia non è troppo accomodante, la musica è ben distribuita.

Cameo vocale per Dee Snider dei Twisted Sister (Sua una voce che grida sullo skilift; il regista è un grande fan della band) e per suo figlio Cody Blue (Fa parte sia del cast tecnico, sia di quello delle comparse, con una maglia della band del padre).

così lontano corre il mondo

So Runs The World Away - Josh Ritter (2010)

"Conosciuto" per caso perché apriva un concerto di Damien Rice, vi parlo con ampio ritardo di questo sesto disco del cantautore di Moscow, Idaho, uscito l'anno passato, tanto che nel frattempo la sua discografia si è arricchita di una riedizione del suo precedente The Animal Years, e di un EP dal titolo To The Yet Unknowing World.

Accompagnato dalla sua The Royal City Band, il disco, che molti hanno giudicato come uno dei suoi migliori, a mio parere può risultare intrigante anche per chi, come me, non riesce ad apprezzare i testi in inglese al primo ascolto (La scrittura di Ritter, che si diletta pure come romanziere, è particolarmente elegante); siamo davanti ad un'americana classica, ma arrangiata riccamente, fatta di gran belle canzoni, tutte originali a parte Folk Bloodbath, basata su un traditional di Mississippi John Hurt.

Davvero molto belle Another New World, Change Of Time, Lantern (La mia preferita), The Curse.

il mio nome è...

My Name Is Tanino - di Paolo Virzì (2003)

Giudizio sintetico: si può vedere (2,5/5)

Giudizio vernacolare: danne paolino

Dopo oltre un anno, nel 2003 si riesce a vedere sugli schermi l'ultima realizzazione del livornese Paolo Virzì, che nel frattempo sta per ultimare un altro film; come molti sapranno, "My Name Is Tanino" era rimasto bloccato dal crack Cecchi Gori.

Onestamente, questo non è il miglior film di Virzì; anche se offre momenti davvero esilaranti, il film, dopo una prima parte assolutamente scoppiettante, continua in maniera molto divertente ma si intuisce che non sa dove andare a parare. Infatti, alla fine, ci si accorge che il percorso risulta troppo schizofrenico, che gli argomenti messi sul piatto sono stati molti (il rapporto con la madre e l'amante di lei, la vita nel piccolo paese siciliano, la famiglia americana con i suoi scheletri nell'armadio, gli italiani all'estero, i politici americani), ma mai sviluppati fino in fondo, che gli stereotipi abbondano (i tassisti di New York - nessuno americano - , gli italo-americani mezzi mafiosi), e che la storia zoppica. Sorge il dubbio che, portato ad esempio come uno dei pochi prosecutori della classica commedia all'italiana (si veda, tra l'altro, l'omaggio anche troppo palese a Sordi nella scena dal gesto dell'ombrello agli inseguitori), Virzì ci sguazzi dentro senza preoccuparsi troppo. In effetti, come già detto, le risate sono tante, e non sempre (quasi mai) volgari.

In definitiva, siamo lontani dalla raffinatezza di alcuni prodotti esteri (sia chiaro, non americani!), ma anche da vacanze di natale varie. Quindi, ben venga una serata "leggera" con gusto.

Ottima prova di Corrado Fortuna, il protagonista, in questo momento sugli schermi anche con "Perduto Amor" di Franco Battiato, dove interpreta, appunto, il giovane Battiato.

bon hiver

Bon Iver - Bon Iver (2011)

Eccoci ad un altro secondo album. La prima cosa che ho pensato, durante i primi ascolti, è stata "Cazzo dopo aver duettato con Kanye West, Bon Iver è diventato Peter Gabriel!". Sono quelle impressioni che ogni volta mi passano per la testa, poi subito dopo mi domando se mai qualcuno avrà le stesse.

Segnalatomi dall'amico Buzzone al primo album, non mi impressionò particolarmente, probabilmente, come spesso capita, a causa del periodo. La musica dei Bon Iver è suggestiva, vagamente triste ed introspettiva, ma non deprimente, a tratti evocativa, leggermente ripetitiva a causa dell'insistito falsetto, ma dolce, un po' come il movimento di un'amaca. Definirla folk è senza dubbio una semplificazione, visto che, per esempio, già nella seconda traccia Minnesota, WI, i fiati praticamente jazz si mischiano perfettamente ad un giro di chitarra quello si, folk; ma poi, facendo solo un piccolo passo indietro, come si fa a definire folk un pezzo come l'opener Perth (Descritta, non ho capito bene da chi, "A Civil War-sounding heavy metal song")?

Nelle parole dello stesso Justin Vernon (Il leader), ogni canzone rappresenta un luogo (Ma la cosa si evince facilmente dai titoli), e il nuovo lavoro mi pare piuttosto diverso dal disco d'esordio, decisamente più interessante, più vario a livello musicale, conservando un sapiente songwriting.

Anche se a momenti diventa un po' lagnoso, accosta cose apparentemente inconciliabili, siano strumenti (Ne troverete diversi e particolari, nel disco) che generi (Ascoltate l'incipit della conclusiva Beth/Rest, e poi ditemi se non potrebbe essere un pezzo di Michael Bolton).

Strano, piacevole, rilassante, particolare.

the old man and the sea

Il vecchio e il mare - di Ernest Hemingway (1952)

Continua il mio viaggio tra i grandi classici della letteratura. E' la volta di Hemingway con Il vecchio e il mare. Che dire.
Un vecchio pescatore cubano, Santiago, è ormai segnato dagli altri come sfortunato. Sono ottantaquattro giorni che non prende niente. Il suo aiutante/apprendista Manolo, un ragazzo che ha imparato tutto da lui, e che è stato con lui da sempre, viene costretto dai genitori ad andare a servizio su un'altra barca, visto che Santiago è sfigato. Ma non lo dimentica affatto, anzi, continua a fargli visita ed a prendersi cura del vecchio. Santiago, rincuorato da tanto affetto, e spronato dalla sfiducia della gente, prende il mare deciso a rientrare da vincitore.

Romanzo breve ma soprattutto asciutto, Il vecchio e il mare ha l'epicità delle cose senza tempo, seppure storicamente sia ambientato nella Cuba pre-Castro, dove forse, se possibile, la miseria si tagliava a fette peggio di adesso. Parla di uomini nobili e dignitosi seppur poveri al punto da coprirsi con le pagine di giornale per ripararsi dal freddo della notte, e del rapporto chiave, anche nella vita stessa dello scrittore, tra l'uomo e la natura, un rapporto di quelli che agli ambientalisti moderni, quelli oltranzisti, riuscirà difficile da capire: Hemingway fu appassionato cacciatore e pescatore, e questo concetto, che ho sentito esprimere da amici cacciatori, è ben spiegato dai soliloqui di Santiago, anche se sembrano dialoghi con il marlin, altro protagonista della storia.

Scrittura senza fronzoli ma non per questo poco descrittiva, ancora oggi attuale. Il libro regala anche una discreta tensione per tutta la durata della pesca di Santiago.

Vale la pena e si legge in un batter di ciglia.

gocce di vernice

Gloss Drop - Battles (2011)

Per capire di cosa parlo, quando, come già fatto appena dato un primo ascolto al nuovo lavoro dei Battles, dico che ha un vago sapore caraibico, ascoltare la traccia sette, Dominican Fade. Dopo di che, provare a mettere un'etichetta a questo genere.

Scherzi ed amenità a parte, i tre "orfani" di Tyondai Braxton rilasciano un secondo disco che, come insegnano tutti da Caparezza in giù, era atteso e difficile, ma, ascoltandolo, si ha come l'impressione che non si siano minimamente preoccupati di tutto ciò.

Il disco è pervaso da un'atmosfera giocosa, anche se può sembrare leggerissimamente più "commerciale" (Bisogna prendere la parola nel senso più largo possibile), si apre alle collaborazioni vocali più disparate (in Sweetie & Shag c'è Kazu dei Blonde Redhead, sulla conclusiva Sundome c'è Yamantaka Eye dei Boredoms, un pezzo che mischia dub, sinfonica, elettronica, tribale e horror soundtrack, sulla divertente Ice Cream c'è Matias Aguayo, e in My Machines c'è nientemeno che Gary Numan!), e conserva quell'aura (Come detto in apertura) di indefinibilità che è probabilmente l'arma vincente dei Battles.

Superfluo dire che si rimane dalle parti della commistione di un'elettronica (Anche se scoccia un po' definire così, anche solo in parte, la musica dei Battles, visto che gli strumenti li usano eccome!) moderna e, per così dire, low-fi, e ad una struttura fondamentalmente progressive dei pezzi, che però, con questo tiro sincopato (Ma deciso e pure piuttosto duro, quando vogliono, basti ascoltare la già citata prima My Machines) e, perdonatemi se uso un aggettivo che mi sono già giocato in apertura, giocoso, riesce a far risultare ogni pezzo asciutto, non noioso, e che va dritto al punto.

Direi che nonostante la defezione, siamo di fronte ad un disco importante, nel panorama 2011.

Bourne 3

The Bourne Ultimatum - Il ritorno dello sciacallo - di Paul Greengrass (2007)

Giudizio sintetico: si può vedere (2,5/5)

Giudizio vernacolare: ora basta però eh!

Jason Bourne vorrebbe pace, ma la CIA e la sua assenza di memoria non gli danno pace. Mentre la CIA lo considera un pericolo ambulante, e lo vuole fare fuori, nella sua memoria qualcosa, pian piano, affiora. Dalla Russia, dove chiede scusa alla figlia di una sua vittima, a Tangeri in Marocco, passando per l'Europa, la situazione si complica a causa di un agente speciale che spiffera una parte del vecchio progetto Treadstone (Quello che, in pratica, aveva trasformato Bourne in una macchina da guerra infallibile), trasformatosi in Blackbriar ad un giornalista inglese, mettendolo così nei guai seri, nonostante Bourne, intuendo la situazione, faccia di tutto per metterlo al sicuro. A questo punto, anche all'interno della stessa CIA avviene qualcosa, che porterà il tutto alle estreme conseguenze...

Come in una spirale di adrenalina, azione e violenza, avendo del tutto eliminato la parte umana e romantica che lo legava a Marie (Che adesso Bourne cerca di vendicare), anche il terzo film della "serie" legata a Jason Bourne diventa schizofrenico e non dà tregua allo spettatore, fino alla resa dei conti finale. Greengrass a tratti esagera con la camera a mano, non risparmia inseguimenti estenuanti e, spesso, non plausibili (Se non in un film di supereroi).

Matt Damon (Jason Bourne) è il solito pesce lesso quando viene inquadrato in faccia, e dentro tutto questo bailamme perfino un grandissimo come David Strathairn (Noah Vosen) si perde un po'. Sempre dignitosa invece Joan Allen (Pam Landy), mentre per la "carne fresca" viene mantenuta nel cast una Julia Stiles (Nicky Parsons) in versione "mi sono fatta la bua, e mi dispiace di averti messo nei casini, JasonBourne" (Sempre corrucciata, o quasi).

Una miriade, davvero una moltitudine, di controfigure e stunt (L'elenco è una roba come 4/5 fogli A4), senza contare il cast tecnico, per un film che si, si può vedere staccando il cervello, ma che alla fine lascia la speranza che non ci siano altri sequel.

L'ho rivisto appositamente spinto da questa curiosità, un po' morbosa: il titolo italiano affianca a quello originale un Il ritorno dello sciacallo, che fa riferimento ad uno dei moltissimi libri di Robert Ludlum. Lo sciacallo è il principale antagonista di Bourne, ed è ispirato a Carlos. Nel film non esiste una figura accreditata come Lo sciacallo, ma c'è, vagamente, una figura che lo insegue fino quasi alla fine. Il suo nome è Paz ed è, curiosamente, interpretato da Edgar Ramìrez, proprio colui che interpreterà Carlos nella miniserie di Assayas sulla vita, appunto, di Carlos aka Ilich Ramìrez Sànchez.

la vergine di ferro

Iron Maiden - Iron Maiden (1980)

Prendiamoci una pausa da tutta questa musica contemporanea, ed andiamo, per una volta ogni tanto, ad occuparci di quelle che il vostro blogger preferito considera pietre miliari della sua (Scarsa) cultura musicale (E con questo la finisco di parlare di me in terza persona, tranquilli).

Di recente ho rispolverato il full-length di debutto degli Iron (Per gli amici) per motivi naturalmente musicali, e mi è capitato di rifletterci su. Come li ho conosciuti, ve lo racconterò un'altra volta, per fare questo ci vorrà un post piuttosto lungo dove vi recensirò un concerto di 31 anni fa.

Formatisi a Londra all'incirca nel 1975, dopo un demo famosissimo, riversato poi su un 45 giri con una manciata di tracce piuttosto selvagge (Il famoso The Sondhouse Tapes) ed un singolo di anticipo che spiazza completamente l'ascoltatore rock (Running Free), il debutto di questa band inglese traccia una linea divisoria immaginaria tra l'hard rock e l'heavy metal, e, viste anche le prove live, lancia pure la corsa all'esecuzione del metal sempre più veloce, corsa che partorirà sottogeneri quali lo speed, il thrash e, più tardi, il grind-core. Puntualizziamo: l'analisi è sommaria, e di certo non è questa la peculiarità degli Iron Maiden.

Il disco, dunque. Pezzi selvaggi ma suonati con grande tecnica [La caratteristica che definirà la band sarà soprattutto il suono, lo stile e la tecnica del bassista Steve Harris, insieme all'intreccio delle due chitarre soliste (Qui Dave Murray e Dennis Stratton); su questo disco, così come sul seguente, c'è poi Paul Di'Anno alla voce, molto meno metal e più blues del seguente cantante, e alla batteria Clive Burr, probabilmente il meno dotato tecnicamente, ma dotato di una grande irruenza], genere di ovvia derivazione hard rock ma con quel qualcosa in più che li distingue, per esempio, anche dai Judas Priest, pure loro in via di affermazione e già fonte d'ispirazione per gli stessi Iron, lavoro contrassegnato da un songwriting decisamente di grande livello, che mette insieme hard rock, come detto, furia punk, seppure a quel tempo fosse considerato un genere "concorrente", ed un certo gusto progressive per lunghi assoli e, addirittura, pezzi completamente strumentali: Phantom Of The Opera, un pezzo da oltre sette minuti, con una struttura decisamente progressiva (Ma in diversi passaggi travolgente), ed un mood altamente epico, è un chiaro esempio di quello che vi sto dicendo, e, tra l'altro, ormai un grande classico.

Difficile trovare un pezzo più debole degli altri, ed è questo un tema sul quale rifletto da ormai 30 anni; devo dire che ho sempre pensato che il cucchiaio di legno potesse toccare a Strange World, una ballad meno ispirata di Remember Tomorrow, che però è un pezzo davvero affascinante. Eppure, vi sfido ad ascoltare Strange World e a dire che è una brutta canzone (L'assolo d'apertura è stereotipato, ma eccezionale).

Il resto è storia, e grandi classici dell'heavy metal: Prowler, un incipit devastante, Running Free, un pezzo che ancora oggi emoziona, Transylvania, piena di cambi di tempo deliziosi ed in possesso di un tiro micidiale, Sanctuary, presente solo in alcune versioni, semplice ma efficacissima, Charlotte The Harlot, che si gioca il cucchiaio di legno con Strange World solo per l'altissimo livello del resto, ma che secondo me rimane un po' più in alto per merito di una grande dinamicità, e la conclusiva (Ma era in The Soundhouse Tapes, in un'altra versione) Iron Maiden, un pezzo che avrebbe fatto impallidire gran parte delle band punk dell'epoca, una canzone che non ti dà il tempo di capire quanto sia complessa la sua struttura perché ti trascina in un vortice.

Inutile dire che siamo davanti ad un disco epocale.

Beirut, Svezia

Zozo - di Josef Fares (2005)

Giudizio sintetico: si può perdere (2,5/5)

Giudizio vernacolare: no tutte le ciambelle...com'era?

Beirut, Libano, anni '80. La guerra con Israele, iniziata nel 1982, va e viene. Zozo è un bambino di undici anni, secondogenito di una famiglia cristiana, che proprio a causa della guerra che infuria, decide di espatriare con destinazione Svezia, dove abitano già da tempo i genitori del padre di Zozo. La mattina in cui la famiglia sta per recarsi all'aeroporto, una bomba si abbatte sul loro appartamento, i genitori muoiono, e mentre lui ed il fratello cercano di arrivare all'aeroporto, anche il fratello grande muore. Zozo trova conforto in un pulcino e una bambina che incontra per caso, Rita, ma dopo alcune peripezie, riesce ad arrivare in Svezia dai nonni. E lì, comincia una nuova vita.

Parzialmente autobiografico (Anche lui è arrivato in Svezia alla tenera età di circa 11 anni dal Libano), questo terzo lungometraggio di uno dei miei registi favoriti, il libano-svedese Fares, che arriva dopo gli imperdibili Jalla! Jalla! e Kops. Qui si cambia decisamente registro, e, visto questo Zozo dopo aver guardato pure l'ultimo (2010) Farsan, c'è da dire che la storia è delicata, emozionante, curiosa, ingenua e dolce, ma manca naturalmente di quell'umorismo a tratti irresistibile di cui sono carichi i suoi altri lavori, e questo spiazza un po'.

Emozionante la prima parte, quella in Libano, vagamente inconcludente la seconda, in Svezia, anche se il personaggio del nonno è di quelli che si dimenticano con difficoltà, e si intravede una contenuta critica al velato razzismo tra bambini. Alla fine, un po' troppo onirico.

Bene il cast, dentro al quale spicca decisamente Carmen Lebbos nei panni della madre di Zozo.

Il "si può perdere" è motivato dal fatto che è pure di difficile reperibilità (mai uscito in Italia): il non vedere Zozo non vi preclude il fatto di poter apprezzare il resto del lavoro di Fares; ma se vi capita, non guasta, e scorre bene.

nessun aiuto

No Help Coming - Holly Golightly & The Brokeoffs (2011)

L'ho conosciuta con la colonna sonora di Broken Flowers, film che a me non piacque e del quale conservo solo un buon ricordo solo, appunto, per la sua splendida There Is An End (In quel caso era in combutta con i Greenhornes; se ve lo state chiedendo, la risposta è si, ha collaborato anche con i White Stripes) . Qua è al suo forse ventesimo disco (La discografia della londinese trapiantata in Georgia USA è decisamente imponente), al quarto insieme a Lawyer Dave (The Brokeoffs, appunto), e continua sulla falsariga di una americana venata di blues, sound anni '60 e di garage rock al tempo stesso.

Il disco non è particolarmente impressionante, ma forse a causa della naturalezza e l'esperienza con la quale il duo fa musica, perché analizzando pezzo per pezzo questo No Help Coming, ci si rende conto della sapienza e della maestria con cui scrivono le canzoni.

Piacevole e fuori dal tempo.

PS Per chi avesse ancora curiosità, Holly Golightly è proprio il nome di battesimo completo della signorina: sua madre la battezzò così in onore del personaggio di Breakfast at Tiffany's (Il suo nome per esteso è Holly Golightly Smith).

poesia

Poetry - di Lee Chang-dong (2011)

Giudizio sintetico: si può vedere (3/5)

Giudizio vernacolare: so' strani vesti coreani eh

Incheon, Corea del Sud. Mija è una vecchina ancora abbastanza arzilla, vicina più ai 70 che ai 60, che tira avanti con la pensione, facendo la badante ad un vecchio non autosufficiente, e tentando di crescere il nipote, visto che sua figlia lavora in un'altra città. Si reca all'ospedale per dei dolori, e dopo una serie di analisi le viene diagnosticato un principio di Alzheimer. Si iscrive ad un corso di poesia, ha sempre desiderato comporre poemi, ma non le viene l'ispirazione. Nel frattempo, la città è sconvolta dal suicidio di una giovane, compagna di scuola del nipote.

Avvicinata dal padre di un amico del nipote, Mija scopre che la giovane suicida era stata più volte violentata dal gruppo di ragazzi, e questo fatto l'ha portata a togliersi la vita. L'anziana è sconvolta dal fatto, e non sa come reagire, soprattutto perché, quasi contemporaneamente, altri due fatti la destabilizzano ulteriormente.

Film delicato e complesso questo Poetry, del regista e politico coreano (E' stato ministro alla cultura e turismo nel 2003) Lee Chang-dong, del quale non conoscevo ancora nulla, seppure avesse avuto un certo riscontro anche con i suoi precedenti Oasis e Secret Sunshine.

Grande gusto pittorico per le inquadrature, gusto che si nota prepotentemente fin dalla scena iniziale, un incedere lento ma non noioso, un intreccio che si dipana con parsimonia, e che spesso non lascia intuire dove voglia andare a parare, e una prova di tutto rispetto della protagonista, Yoon Jeong-hee, attrice famosissima in patria, ma ferma da oltre 15 anni.

Forse più forma che sostanza, in quanto i temi introdotti sono molti (Impotenza educativa, etica e morale messa in dubbio da avvenimenti che riguardano persone care, timore della morte ma soprattutto della malattia che ti ruba i ricordi), trattati con quella leggiadria che, a volte, non riesce ad approfondire il tutto; quasi impeccabile dal punto di vista formale.

numeri

101 - Keren Ann (2011)

Sesto album per la chanteuse Keren Ann Zeidel, olandese nata a Cesarea in Israele, che però vive in Francia dalla tenera età di 11 anni. Nonostante la sua francesità (anche se le note biografiche segnalano che ha sempre conservato la nazionalità olandese), e una vaghissima somiglianza con la Gainsbourg, il disco precedente, il suo primo lavoro che ho ascoltato, non era riuscito ad impressionarmi. Questo nuovo disco mi sta facendo già un altro effetto, seppure ci voglia altro per toccarmi il cuore.

Il mood è delicato, già dall'iniziale My Name Is Trouble, lo stesso che ritroviamo ad esempio in Song From A Tour Bus e in She Won't Trade It For Nothing, Run With You è talmente rarefatta che si potrebbe addirittura definire ambient, così come You Were On Fire e Strange Weather, bella All The Beautiful Girls, la mia preferita, poi ci sono poi episodi leggermente più movimentati quali Blood On My Hands (Non fatevi trarre in inganno, non è un pezzo metal) e Sugar Mama, conclude la title-track, un pezzo sempre non troppo dinamico, ma con un'atmosfera interessante ed un testo curioso (Un elenco).

Disco apprezzabile, voce interessante.

Boogie l'unto

Boogie el aceitoso - di Gustavo Cova (2009)

Giudizio sintetico: si può perdere (1,5/5)

Giudizio vernacolare: mah

Boogie è un mercenario, indicativamente nordamericano, che ha partecipato a tutte le guerre e guerriglie degli ultimi 20 anni. Quando non è in Africa o in Asia, lavora per malviventi e collabora con alcuni poliziotti fidati. Fondamentalmente fascistoide, disprezza gli omosessuali, i neri, gli ispanici, e considera le donne una specie inferiore.

Qui è alle prese con Sonny, un capomafia di origini italiane, che, commissionando un lavoro tramite il suo tirapiedi, commette l'errore di affidarsi appunto a questo collaboratore, che per risparmiare sull'ingaggio, passa il lavoro a Blackburn anzichè a Boogie. E Boogie si arrabbia.

Film di animazione argentino, uscito anche in versione 3D, che riprende un personaggio creato dal compianto Roberto Alfredo Fontanarrosa detto El Negro (1944-2007), Boogie appunto. Il film si basa su animazioni non modernissime ma lavora molto sui colori e sugli sfondi, risultando gradevolissimo. La storia non supporta la parte visiva, però. Risulta piuttosto noiosa e piatta, e soprattutto, sfugge, a chi non conosce il personaggio, il senso paradossale della figura di Boogie, che, in fondo, rappresenta tutto ciò che Fontanarrosa detestava.

Si ride qua e là, ma non abbastanza. Uscito in pompa magna in Argentina, risulta una delusione.

saggio

Per la serie non frega a nessuno, ieri mio nipote Alessio ha fatto il saggio di batteria. Il piccolo non ha ancora sette anni (Li compirà in agosto), e da alcuni mesi ha deciso di prendere lezioni. Al paesello sopravvive una scuola di musica. Io e mia sorella abbiamo assistito alle esibizioni di tutti gli allievi dell'insegnante di batteria, e di quelli di musica d'insieme e pianoforte. Alessio è il più piccolo, e si è esibito per primo. Tutte le esibizioni erano su una base, scelta tra allievo ed insegnante. Ale se l'è cavata piuttosto bene (Intendiamoci: non sto parlando di roba tipo Jason Bonham da piccolo nel film The Song Remains The Same eh), anche se confrontato con gli allievi più grandi. Non ha mai perso il tempo, è andato sui piatti quando doveva, e alla fine ha eseguito con discreto successo, seppure con timidezza, una rullata "a girare" su rullante, i due tom, ed il timpano, per concludere. Il pezzo, generico, era definito rock ballad.

Naturalmente, essendo un bambino, ci ha fatto morire dalle risate quando, dopo aver suonato, ha chiesto a mia sorella: "Mamma ma queste erano sempre le prove?", spiegando l'apparente disinvoltura con cui aveva affrontato la prova, anche se la saletta era piena di persone (tutti familiari, ovviamente, direi una quarantina di persone in tutto).

Però il punto è che durante la sua esibizione, sia io che mia sorella ci siamo commossi. Mia sorella, immagino, perché ha visto suo figlio fare una cosa "da grandi", io anche perché, essendo un ex batterista, mi sono reso conto che il bambino è in gamba. E soprattutto perché indossava una t-shirt dei Kiss (Grazie Monty!). La foto fa cagare, ma è già tanto che ne ho fatta qualcuna.

addormentato sulla pianura alluvionale

Asleep On The Floodplain - Six Organs Of Admittance (2011)

Ennesimo disco in una sterminata discografia, per la creatura di Ben Chasny, chitarrista anche dei Comets On Fire e con all'attivo collaborazioni perfino con i Current 93, mi ha fatto venire in mente un paragone forse un po' forzato, e che farà storcere la bocca a chi lo conosce sicuramente meglio di me, ma che serve a rendere un po' l'idea: un Harvestman leggermente meno psichedelico e world, e un po' più folk (Tanto è vero che è catalogato sotto l'etichetta New Folk). Questo per dare un'idea a chi, come me, vi si troverà per la prima volta davanti.

Disco espanso e molto molto rilassato e rilassante, difficile da terminare se lo si ascolta in cuffia sotto il solleone, magari avendo dormito poco la notte precedente, ma che può aprire le porte della percezione. Tremolo e fisarmonica tra le altre particolarità, senza fare la conta dell'effettistica varia, un disco che si merita pure l'etichetta Psych Folk, e che senza dubbio rimarrà un fenomeno di nicchia (Detto con tutto il rispetto per la definizione di nicchia).

c'moooooooon

Cougar Town - di Bill Lawrence & Kevin Biegel - Stagione 2 (22 episodi; ABC) - 2010/2011

Certo, c'era da prevederlo. Più sit-com che serial, forse troppi episodi, probabilmente dettati dalla breve durata media, Cougar Town, se si esclude la curiosità dei primi episodi, e l'apparizione, sempre nei primi episodi, di Jennifer Aniston nei panni dell'analista del personaggio interpretato da Courteney Cox, quindi solleticando, come nella prima stagione, rimembranze e curiosità dei vecchi fans di Friends, la serie si affloscia lentamente, e pure il fuoco di fila delle battute e delle gags non morde più. Neppure il continuo crossover con Scrubs (Nell'ultima, doppia puntata appare Sam Loyd) riesce a risollevare quello che sembra un declino inarrestabile di noia e stanchezza.

Curioso, visto che la serie negli USA non ha perso neppure uno spettatore, e che prima ancora della messa in onda della Season finale, la rete avesse comunicato la conferma per una terza stagione, che partirà a novembre 2011, a differenza di serie a mio giudizio ben più interessanti (Sto pensando, avete indovinato, a United States Of Tara).

E' piuttosto evidente che il mio gusto non sia assolutamente "sintonizzato" con quello medio statunitense.

paradigm lost

Oldarhian - Sarke (2011)

Secondo disco per il duo norvegese, che prende il nome dal polistrumentista Sarke aka Thomas Berglie (anche nei Tulus e nei Khold, ex componente di Valhall e Old Man's Child), e che annovera nella formazione ufficiale il cantante Nocturno Culto (Anche nei Darkthrone, ex componente di Satyricon e Vidsyn), dopo il primo Vorunah del 2009.

Disco interessante per i metallari: punto di riferimento primo, i Celtic Frost. Lo dico senza timore di smentita: i mid-tempos, di cui il disco è pieno, come pure gli intervalli doomy, sono senza ombra di dubbio mutuati dagli svizzeri, pietra miliare di una certa progressione del metal. In alcuni punti si sfiora il plagio, ma va bene così. Certo, ci sono cose che li differenziano pure: ampio uso di tastiere e perfino pianoforte, in primis.

Non ultimi gli ovvi riferimenti ai Black Sabbath, il disco ha una bella atmosfera cupa, dei bei riff di chitarra, degli ottimi arrangiamenti, che ne fanno un prodotto con una certa attrattiva, seppure in questo genere si sia detto pressoché tutto quanto. La voce di Nocturno Culto è cavernosa e potente, con una certa personalità, e l'accoppiata con il virtuosismo chitarristico di Sarke risulta non priva di fascino.

man of glass

L'uomo di vetro - di Stefano Incerti (2007)

Giudizio sintetico: si può vedere (2,5/5)

Giudizio vernacolare: vitaccia

Sicilia, primi anni '70. Leonardo Vitale, detto Leuccio, vive con la madre e la sorella, ha una macchina sportiva e una bella fidanzata. A lui e al resto della famiglia pensa lo zio Titta, da quando il padre non c'è più. Ma un giorno poco felice, Leuccio viene arrestato: gli amici ai quali ha prestato la sua Lancia Fulvia si sono messi nei guai.

Leuccio non ha fatto niente, in apparenza. Dopo qualche settimana torna a casa, ed entra in uno stato depressivo che lo fa rimanere tappato in casa. La famiglia si preoccupa.

Uscirà di casa solo per diventare il primo pentito di Mafia.

Incerti progredisce, ed affronta una storia italiana purtroppo poco conosciuta, ma che non andrebbe mai dimenticata. Un incipit solare e goliardico, con una descrizione quasi da cartolina della Sicilia, d'improvviso si trasforma in una sorta di incubo, una spirale senza sbocco, nella quale lo spettatore, che simpatizza con il protagonista, non appena comprende quello che il regista vuole raccontare, segue Leuccio e la sua lotta per la verità, che procede di pari passo con la sua presa di coscienza.

Ottima la ricostruzione storica, le pennellate con le quali tratteggia anche i personaggi di contorno, buonissimo il cast, superba la prova di David Coco, che avevamo già visto in Segreti di Stato di Paolo Benvenuti, che purtroppo (lo dico perchè non guardo molta televisione italiana) in seguito si è dedicato soprattutto a lavori televisivi.

Buona realizzazione, bella l'idea della sceneggiatura di procedere con un'approccio "concentrico", e non perfettamente cronologico e logico.

codici e chiavi

Codes And Keys - Death Cab For Cutie (2011)

Settimo disco per la band di Bellingham, che non è mai stata tra le mie favorite, come ben saprà chi segue questo blog. E, per la settima volta, siamo alle solite: musica melliflua, perfettina, educata, delicata, songwriting attento, strumenti dosati, alcuni pezzi interessanti (Underneath The Sycamore, You Are A Tourist, Unobstructed Views), ma per la maggior parte, solo carini, ma perfettamente dimenticabili, e abbastanza inutili (Monday Morning, Home Is A Fire).

Vorrei aggiungere qualcosa, per argomentare meglio il mio giudizio, ma mi rendo conto che c'è poco altro da dire, se non che ci sono momenti in cui la voce, con quella specie di falsetto, di Ben Gibbard (Per chi non lo sapesse, da un paio d'anni marito di Zooey Deschanel), diventa realmente insopportabile.

Non è un brutto disco, nessuno di quelli dei DCFC lo è. Ma è difficile che diventi uno di quelli che muori dalla voglia di riascoltare.

T3

Terminator 3 le macchine ribelli - di Jonathan Mostow (2003)

Giudizio sintetico: si può perdere (2/5)

Giudizio vernacolare: dé ora basta eh!

Potrei riassumervi il mio giudizio sul terzo atto della saga che ha sconvolto i parametri del cinema d'azione (forse l'unico caso dove il sequel è stato migliore del primo film), semplicemente dicendovi: primo tempo capolavoro, secondo tempo cagata.

Il primo tempo è in sostanza fatto da 2 inseguimenti; il primo, con la terminatrix su una gru (stabilizzatori allargati e braccio che va da una parte all’altra con Schwarzy attaccato, a distruggere tutto quello che c’è ai bordi delle strade), è un capolavoro. Non vorrei scomodare paragoni mitici, ma mi è venuto a mente quello di “Il braccio violento della legge”.

Il secondo tempo è come una gomma che si sgonfia lentamente; la trama è insipida, il finale insulso.

Kristanna Loken, che interpreta la terminatrix, è perfetta per la parte: bellissima, fredda, spietata, robotica. La scena del suo arrivo sulla terra ricorda il video di “Thank You” della Morissette (naturalmente con un altro “physique”). Schwarzy semi-bollito, sorretto dalle battute, che, a dire la verità, non mancano (una su tutti “Vaffanculo, brutto stronzo!!” “Non sono programmato a tal fine”).

In definitiva, bisognerebbe uscire a metà, per conservarne un buon ricordo.

PS Scrivetemi se, come me, avrete la netta impressione che a Claire Danes abbiano allungato il naso.

succhiare e vedere

Suck It And See - Arctic Monkeys (2011)

Non ci siamo. Ed è un peccato. Così mi sono bruciato le frasi di chiusura. Quarto disco per gli inglesi, che non riescono più a realizzare la magia del primo indimenticabile disco. Tra progetti solisti, laterali, viaggi nel deserto del Mojave, è come se avessero si acquisito esperienza, ma perso in spontaneità e, soprattutto, il dono di saper scrivere canzoni immediate e selvagge.

Non che sia brutto, questo nuovo lavoro. Le parti di chitarra sono spesso molto belle e suggestive, e ci ricordano che gli Arctic Monkeys non erano destinati ad essere uno dei soliti fenomeni passeggeri; l'influenza sixties è pure carina, ma dopo un po' diventa prevedibile e noiosetta. Le canzoni, dunque, sono apprezzabili a tratti, ma non nella loro interezza. Il risultato è un disco così così, che ancora una volta ci fa rimpiangere i loro primi tempi.

goodnight

Buongiorno, notte - di Marco Bellocchio (2003)

Giudizio sintetico: si può vedere (2,5/5)

Giudizio vernacolare: 'nzomma

Iniziamo con due considerazioni (recensione del 2003, nota necessaria):

1) Le polemiche, infantili a mio avviso, sulla non premiazione del film a Venezia, hanno fatto bene al film; la coda di martedì sera alla cassa del cinema dove l'ho visto è una chiara testimonianza a tal proposito.

2) Prima di scrivere qualcosa sul film, ho voluto leggere le dichiarazioni "sdegnate e offese" della figlia di Moro a proposito del film in questione. E non le ho condivise. Certo, non ho il suo coinvolgimento emotivo nella vicenda.

Detto questo, passiamo al film. La quantità di film su quel periodo della nostra storia contemporanea è impressionante, e dimostra quanta inquietudine ancora ci sia e venga richiamata dal solo ricordo; c'è chi sceglie di attenersi ai fatti, c'è chi prova a formulare ipotesi e teoremi ("Piazza delle cinque lune"), anche interessanti; Bellocchio, ispirandosi liberamente al libro di Laura Braghetti, sceglie di filmare la storia del rapimento di Aldo Moro cercando il volto "umano" ed emozionale dei protagonisti. Ci riesce in parte, dato che non tutti i personaggi coinvolti riescono a trasmetterci le loro emozioni; sicuramente Chiara, alter ego della Faranda, interpretata dalla splendida Maya Sansa. L'elemento onirico gioca una parte fondamentale nel film; a tratti stucchevole (i sogni, ad occhi aperti, di Chiara), a tratti profondamente importante; la figura dell'interprete di Aldo Moro (non ci dimentichiamo, è cinema) che cammina, quasi con fare da bullo, nell'alba di Roma il giorno della sua esecuzione, fa del "finale alternativo" del film un momento quasi catartico.

In definitiva, non un film superlativo, ma che senz'altro da spunti di riflessione anche umana; non una accuratissima ricostruzione storica, ma senz'altro indovinata, presumibilmente, in alcuni frangenti, appunto, umani. Comunque sia, onore a Bellocchio per aver osato.

giovani e giganti

Young The Giant - Young The Giant (2011)

Sono cinque, vengono dalla California. Sono carini, probabilmente anche educati, non danno eccessivamente fastidio. La loro musica è uno shakeraggio di Coldplay, Maroon 5 e, vagamente, Death Cab For Cutie, anche se, per dirne una, My Body sembra una cover di Spirit In The Sky senza i crediti a Norman Greenbaum.

Le chitarrine che Nile Rodgers ha pensato per tutt'altro uso, mutuate da tutta una serie di bands indie-qualcosa, garriscono imperterrite per quasi tutto il disco, mentre Sameer Gadhia (così si chiama il cantante) si impegna al massimo per infrangere cuori di ragazzine, e per non far addormentare troppo troppi ultra-quarantenni: il loro scopo (Degli Young The Giant, non degli over-fourty) è diventare il sottofondo di un serial di successo.

i diari del vampiro

The Vampire Diaries - di Kevin Williamson - Stagione 2 (22 episodi; The CW) - 2010/2011

Probabilmente, il motivo è che non ho più una vita sociale. Più ci penso, e più mi convinco che solo questo può essere il motivo che mi porta a continuare a vedere The Vampire Diaries, nonostante le critiche statunitensi abbiano trovato che la seconda stagione sia migliore della prima. Magari sarà pure il motivo per cui non è il mio lavoro, quello del critico.

Poi, in un rigurgito di autostima, cerco un altro motivo. E lo individuo sempre nella figura ormai (da me) mitizzata di Nina Konstantinova Dobreva, meglio nota come Nina Dobrev, che, lo posso dire, nel caso foste arrivati a leggere questa cosa vuol dire che lo sapete, in questa seconda stagione ha due ruoli, visto che Katherine Pierce (In realtà Katerina Petrova, nata in Bulgaria - come la Dobrev! Che geni! - nel quindicesimo secolo), la sosia della protagonista, Elena Gilbert, è tornata apparentemente per rimanere, e per creare scompiglio nella ormai non più tranquilla cittadina (ex) modello di Mystic Falls.

La serie va avanti per continui ribaltamenti, morti e resurrezioni, creazioni di incantesimi e rottura degli stessi, affastellamento di una quantità di nuove regole, nuovi personaggi, nuove gerarchie non appena si pensa di aver compreso quella in atto. Gli attori sono tutti bellocci, potrebbero tranquillamente sfilare in passerella, le attrici non proprio teenager sono tutte MILF. Tutti sono alla moda, tranne forse, i fratelli Salvatore, che sembrano sempre usciti da Grease.

Non mancano i lupi mannari, naturalmente. Ormai abbiamo capito che se ci sono i vampiri, ci sono anche i werewolves: qui c'è pure una spiegazione. Non riesco a spiegare bene perché, ma ogni cosa che in altri serial sovrannaturali convince un minimo, pur non avendo senso, qua fa ridere.

Una nota positiva c'è: forse hanno capito che la musica va tenuta un pochino più bassa, e magari far sentire i dialoghi (seppure non siano intellettualmente elevati).

Vi ho avvertiti. Io non ci posso fare niente, sono condannato a vedere The Vampire Diaries fino alla fine: impossibile che la protagonista muoia. Soprattutto se ha due ruoli.

rotto

Feel It Break - Austra (2011)

Arrivano da Toronto, tanto per cambiare, gli Austra, un trio capitanato da Katie Stelmanis, voce glaciale con alle spalle studi lirici, supportata da Dorian Wolf al basso e Maya Postepski alla batteria. Riferimento immediato, The Knife e, anche non volendo, la loro metà Fever Ray.

Pop elettronico e "sintetico", al quale manca un po' di epicità e quella forza evocativa e destabilizzante propria di Karin Dreijer.

Molti riferimenti elettronici anni '80, che a volte suonano bene, a volte no, anche qui molte reminiscenze dei Japan, non tutte le canzoni sembrano essenziali alla riuscita del disco, la voce alla lunga può stancare, e forse qua e là eccede in vocalizzi, ma è un debutto, e chissà che non ne esca qualcosa di buono in futuro.

la discesa

The Descent - Discesa nelle tenebre - di Neil Marshall 2005

Giudizio sintetico: si può vedere (2,5/5)

Giudizio vernacolare: a me m'ha fatto sta' 'n'anzia

Sei amiche trentenni, tre delle quali indissolubilmente legate da una forte amicizia, e dalla comune passione per gli sport estremi. Dopo una delle loro tante avventure, Sarah rimane vittima di un tragico incidente, nel quale perde figlia e marito. Ci vuole del tempo per riprendersi, e alla fine si pensa ad un'avventura forte. Ci pensa Juno: Stati Uniti, nel mezzo dei monti Appalachi, si caleranno in un sistema di grotte per uscirne più a valle. Come nella tradizione, accadranno degli inconvenienti che complicheranno all'infinito la loro esplorazione, non ultimo l'incontro con strane creature che abitano l'insieme delle grotte.

Era l'ora che si vedesse un film "de paura" all'altezza della definizione. Personalmente, mi stanco presto dei remake giapponesi, coreani, dei teen horror e di tutto quello che, pare, stia andando al momento. Non che questo "The Descent" sia assolutamente fuori dagli schemi, ma almeno fa davvero stare in apprensione. Lo splatter comincia subito, dopo pochi secondi, poi c'è una tregua, dopodiché è tutto un alternarsi di situazioni di ansia e di salti sulla poltroncina. Interessa davvero poco che la credibilità dell'incipit venga via via scemando nel corso degli eventi, all'apparire di mostri difficilmente giustificabili (e già visti), e che la sottotrama adulterina si sveli già durante i titoli di testa. Il regista (insieme allo scenografo che, pare, abbia costruito tutte le "sale" delle grotte in studio) riesce a mettere in scena uno splatter claustrofobico, adrenalinico, teso e vibrante, come non capitava di vedere da tempo. Per il genere, al momento, ci basta. Cast da

b-movie, ma decente. Da non ignorare Natalie Mendoza (Juno), già vista in particine anche in film importanti ("Moulin Rouge", "Codice 46").

mammifero

Mammal - Altar Of Plagues (2011)

Tornano gli irlandesi con il loro secondo full lentgh. Ancora una volta, quattro lunghe tracce, dove il black/doom versante drone, viene intervallato da tempi blast beat, con un cantato "disperato", esacerbato, al limite del growling. Riescono sempre a creare una certa atmosfera cupa, senza essere eccessivamente ossessivi. Pregevoli i passaggi rallentati, anche per l'uso della batteria che risulta quasi sludge, alla quale fanno da contrappunto le chitarre pulite.

Nella traccia When The Sun Drowns In The Ocean, come loro stessi specificano sul sito ufficiale, troviamo un campionamento di keening, un lamento tipico dei funerali irlandesi tradizionali, rimasto in uso per secoli, poi abolito per volere della Chiesa Cattolica Romana.

Come in occasione del loro debutto, un lavoro positivo.

20 centímetros

20 centimetri – di Ramon Salazar (2005)

Giudizio sintetico: si può vedere (2,5/5)

Giudizio vernacolare: ganzetto

Marieta è una transessuale, vive a Madrid con un amico nano, in un condominio pieno di prostitute e poco di buono, si prostituisce in strada e sogna, un giorno, di operarsi per diventare finalmente una vera donna, e togliersi quei 20 centimetri che la separano dalla felicità. Soffre di narcolessia, e spesso si ritrova in situazioni grottesche o pericolose senza nemmeno sapere come ci si è ficcata; quando dorme, sogna ‘’in musical’’, e lei è la protagonista, brava, elegante, divertente. E’ proprio la narcolessia che le procura il primo incontro con un bellissimo scaricatore di frutta, con il quale instaura un rapporto travolgente quanto strano.

Film non completamente riuscito, questo ‘’20 centimetri’’; molto almodovariano (nei colori, negli attori, nei riferimenti, ecc. ecc.), ammirevole nei contenuti potenziali, divertente a tratti, sopraffino nelle parti musical (che, va detto però, sono troppe) e musicali (il crossover ricorda anche l’insuperabile ‘’Moulin Rouge’’ in quanto a genialità), si perde fra i molti personaggi, approfondendo quasi per niente i caratteri, e risultando un po’ superficiale.
Ciononostante, la filmografia spagnola rimane una di quelle più interessanti e moderne, anche in film non eccelsi come questo.
Cast importante a livello spagnolo, da notare Najwa Nimri, nella parte della coniglietta, che cura anche tutte le parti musicali (vanta diversi album all’attivo, di buon trip-hop), e, ovviamente, la protagonista Monica Cervera, già vista da noi in ‘’Crimen Perfecto’’, ma molto attiva in Spagna, brava in un film impegnativo da più punti di vista, e sempre più vicina a diventare una specie di icona come Rossy De Palma, anche lei presente in una parte da transessuale operata che batte insieme a Marieta, avvantaggiata in questo dalla vaga somiglianza, soprattutto ‘’nasale’’.

Alezioni

Partiamo con la cosa secondo me più clamorosa. Le dichiarazioni di Berlusconi sul voto, soprattutto di Milano e Napoli. In pratica, ha detto che i milanesi devono pregare che non gli accada qualcosa di brutto, e che i napoletani se ne pentiranno.
Tenete presente, nel caso foste stati in coma vegetativo fino ad oggi, che Silvio Berlusconi, oltre che proprietario di mezzo Paese, è il Presidente del Consiglio dei Ministri italiano. E sta parlando dei nuovi sindaci di Milano e Napoli, due delle città più grandi, importanti, storiche e rappresentative dell'Italia, ognuna alla sua maniera.
Questa mancanza di senso istituzionale, oltre che la consueta, semplice, maleducazione, potrebbe, nelle menti più rilassate, innescare una riflessione ulteriore: questa persona non riflette, quando gli chiedono qualcosa lui spara la prima cosa che gli passa per la mente.
Ora, in un Paese normale, cosa si chiederebbe ad un politico? Facciamo un passo indietro: come è nata la politica, come sono nate le cosiddette classi dirigenti, persone che non hanno bisogno di faticare per guadagnarsi la vita? Queste cose sono nate poco dopo che l'essere umano, da cacciatore/raccoglitore, quasi sempre nomade, è diventato stanziale, ha appreso l'arte dell'agricoltura, l'ha affinata, si è trovato in luoghi dove ha avuto la fortuna di avere intorno a sé degli animali che si prestavano alla domesticazione, ha, in pratica, cominciato a produrre più di quello che gli serviva. Si sono create così le condizioni per prosperare: un certo numero di persone si sono trovate nella condizione di non dover più faticare per avere sostentamento, si sono create le classi sociali, di conseguenza qualcuno si è dedicato allo studio, alla riflessione, all'amministrazione della cosiddetta Cosa Pubblica.
Ad un politico, quindi, si chiede di riflettere. Di pensare a cosa è meglio fare per il futuro di una nazione. La dimostrazione più evidente di quanto Silvio Berlusconi non sia adatto a governare e a governarci, sta tutta in quelle piccole, ma significanti dichiarazioni.

Detto questo, quelli che mediamente la pensano come me sono ovviamente contenti. Si dice, è un segnale di cambiamento, il vento è girato, eccetera. Sicuramente. Però, riflettiamoci sopra, anche se c'abbiamo da lavorare.
Ho visto Bersani, segretario dell'evanescente PD, fare battute (Abbiamo pareggiato 4 a 0), dimenticandosi che, in due casi su quei quattro, e cioè a Milano e a Napoli, nel primo caso, quando Pisapia vinse le primarie, non essendo PD, Bersani è stato vicino al suicidio, mentre a Napoli, il nuovo sindaco De Magistris, uomo di Di Pietro, ha stracciato il candidato del PD al primo turno, e se a Napoli la richiesta di cambiamento c'è, è quella di mandare a casa lunghi anni di gestione PD, anche quelli di Bassolino, che pure mi pareva persona seria. Quindi, fossi in Bersani farei quello che, come dicevo prima, si richiede ad un politico, perché mi sa che ha mal interpretato il messaggio che arriva quantomeno dalle elezioni dei sindaci di due importantissime città.

Altri protagonisti, quindi, dimenticati i Grillini dei risultati interessanti dei primi turni, sono Vendola e Di Pietro.
Forse ve l'ho già detto. Vendola non lo capisco. E questa cosa è ancor più singificativa, se vi giuro che ieri, quando ho visto un piccolo stralcio del suo mini-comizio in piazza Duomo a Milano, ho pianto, mi sono commosso, era coinvolgente, energico, lui singhiozzava quasi, in preda a quei tic corporei che lo contraddistinguono. Poi, ho ripensato a cosa aveva detto: in pratica, niente, a parte retorica contrassegnata da riferimenti colti ("La Milano dei sepolcri imbiancati" e cose così). E ogni volta penso a uno così che parla davanti agli operai minacciati di cassa integrazione, e all'effetto che gli può fare.
Di Pietro: che dire di lui, se non che, un po' come Abatantuono quando fa la macchietta, è uno che piega l'italiano al suo pensiero, e non viceversa? Però, come ho già segnalato più volte, seppure non sempre mi piacciano i suoi toni, l'IDV è stata l'unica forza politica che, alla presentazione dell'ultima Finanziaria, ha presentato una Finanziaria alternativa e dettagliata.
Ecco: la politica. La cosa di cui ha bisogno il Paese, e con lui i cittadini.

Questo post vi potrà sembrare pessimista: in effetti, lo è. Come vi dissi dopo le ultime elezioni governative, è un po' come se mi fossi esiliato rimanendo nel mio Paese, che non amo proprio per la sua politica ed i suoi politicanti, oltre che per un bassissimo senso civico diffuso.
Però una cosa me la auguro: che i milanesi, e, perdonatemi, soprattutto i napoletani, possano conoscere un periodo splendido, e che abbiano le amministrazioni degne che si meritano, per vivere quelle due splendide città al meglio.
Usando un francesismo, in culo a chi gli vuole male.

lupi

Wars Of The Roses - Ulver (2011)

Ascoltando questo disco, mi prende ogni volta il rimorso di non aver ascoltato gli Ulver fin dagli inizi della loro carriera. I norvegesi, il prossimo anno compiranno 20 anni come band, ed hanno compiuto un cammino che dal black metal è arrivato, al momento, ad un art rock (Un'etichetta che è un po' come americana, naturalmente in tutt'altro campo, c'è dentro di tutto e di più) elettronico e sperimentale, raffinato e dalle sfumature cupe, passando attraverso la drum'n'bass ed il folk.

La bellezza di alcuni pezzi di questo Wars Of The Roses è a tratti soverchiante: l'iniziale February MMX sembra un pezzo degli Amplifier con meno chitarre, Providence è una sorta di suite che parte romanticamente [Ma con un duetto tra Siri Stanger, una cantante pop norvegese che, da solista, fa delle cose ridicole, all'attivo anche un duetto con Wyclef Jean - Losing My Mind - e Attila Csihar, un pazzo ungherese che qualcuno conoscerà per aver militato nei Tormentor, nei Mayhem, negli Aborym e collaborato con i Sunn O)))], poi diventa una fuga free jazz, poi ancora un pezzo ambient da colonna sonora di film horror. Pazzesco e geniale. Provatelo.

Eternal Sunshine of the Spotless Mind

Se mi lasci ti cancello - di Michel Gondry (2004)

Giudizio sintetico: da vedere (4/5)

Giudizio vernacolare: bellabbestia!

Joel si sveglia depresso e con la memoria sottosopra; decide di non andare a lavorare e, nonostante la brutta stagione, di andare sulla spiaggia, non sa bene nemmeno lui perchè. Durante il viaggio di ritorno, incontra Clementine, estroversa e disinibita, tutto il contrario di lui; eppure, gli sembra di conoscerla già, e anche piuttosto bene. Scoprirà poco a poco la verità, e sarà dura da affrontare.

Dalla penna formidabile di Charlie Kaufman, con la regia nervosa e spavalda di Michel Gondry e con un cast validissimo e in gran forma, questo è sicuramente uno dei film più sorprendenti del 2004.

La narrazione cronologicamente al contrario è qui strettamente funzionale alla storia, e non quindi per un vezzo. L'argomento è non tanto l'amore, ma il coraggio di affrontare le storie, l'equilibrio di accettare che possono finire, ma soprattutto la bellezza dei ricordi.

Chiunque può riconoscersi in questa storia, con le proprie paure e le proprie contraddizioni. Citazioni d'obbligo per il cast, soprattutto Kirsten Dunst segretaria presa in giro, Mark Ruffalo versione Frankie Hi NRG, e gli straordinari Kate Winslet e Jim Carrey.

PS per musicofili; nei "ricordi" di Joel si intravede il cd di Tom Waits "Rain Dogs"; la scena nella quale Joel e Clementine parlano di questo cd sul treno è stata tagliata.

ultima notte

Last Night On Earth - Noah And The Whale (2011)

Terzo disco per i cocchi dei registi cinematografici Noah Baumbach (Per la sezione gossip: è l'ex marito di Jennifer Jason Leigh) e Wes Anderson, ed ex band di Laura Marling.

A me ricordano i vecchi e gloriosi, non molto conosciuti, Hothouse Flowers (Ancora attivi, e mica lo sapevo!), ma il disco non mi ha fatto, e continua a non farmi una buona impressione. Sento scopiazzamenti palesi e finto indie-folk, sento ricerca ruffiana di melodie buone per compiacere un po' di pubblico in più, ma senza costrutto e soprattutto, in maniera molto scontata.

Ascoltate, ad esempio, il secondo singolo Tonight's The Kind Of Night. E' Baba O'Riley edulcorata e resa una merda. E potremmo andare a sezionare quasi tutto il disco in questa maniera, anche un po' noiosa.

Un disco molle e quasi irritante.

Bourne 1

The Bourne Identity - di Doug Liman (2002)

Giudizio sintetico: si può vedere (3/5)

Giudizio vernacolare: occhié lulì?

Uno sconosciuto viene ripescato nel mar Ligure, vicino al confine francese, e viene recuperato da un peschereccio che fa base ad Oneglia. Il capitano gli estrae due pallottole dalla schiena, quando lo sconosciuto si risveglia non riesce a ricordare chi è e come è finito lì. Aiuta i pescatori fino al ritorno al porto, dopo di che, avendo ritrovato tra le sue cose (aveva una sorta di chip sotto pelle) un numero di conto di una banca svizzera, con niente in tasca, si reca in Svizzera.

Nella cassetta di sicurezza collegata a quel numero, lo sconosciuto ritrova un sacco (letteralmente) di soldi (in monete varie), una pistola e un numero considerevole di passaporti, di varie nazionalità, con la sua foto, ma con nomi via via diversi. Quello statunitense dice che lui si chiama Jason Bourne.

Si reca all'ambasciata USA, ma lì si rende conto che qualcuno lo sta inseguendo. Fugge, e man mano che si muove, si rende conto lui stesso di avere una preparazione fisica invidiabile, e capacità di combattimento estremamente valide. Mentre fugge, decide di seguire un'altra pista: un indirizzo di Parigi, dove ha una residenza questo Bourne. Non sa come arrivarci, ma mentre è sul retro dell'ambasciata vede Marie, una ragazza tedesca che aveva intravisto litigare con un addetto, sempre dell'ambasciata; la ragazza sta salendo sulla propria auto. Le offre dei soldi, molti, per dargli un passaggio fino a Parigi. La ragazza, che evidentemente non ha niente da perdere, accetta.

Il regista di Swingers, poi passato a ben altre produzioni, dirige un film muscolare e basato su una sorta di "azione continua", liberamente tratto dal romanzo omonimo (ma tradotto in Italia come Un nome senza volto) di Robert Ludlum. Il film ha un tasso di implausibilità piuttosto alto, e, appunto, basa tutto sull'azione e soprattutto, sulla messa in scena di sequenze altamente spettacolari e tecnicamente impressionanti. E' chiaro che ogni regista che gira un inseguimento in auto, fa riferimento a Il braccio violento della legge, ma naturalmente, le tecniche ed i mezzi in più, in mano ai registi contemporanei, spostano ogni volta un po' più su l'asticella, ed in effetti, la sequenza dell'inseguimento per le strade di Parigi lascia il segno.

Matt Damon è il protagonista, ed ogni volta che c'è lui mi ritrovo a pensare come sarebbe stato il film in questione con un altro attore, anche solo vagamente più espressivo, e fortunatamente accanto a lui c'è Franka Potente, attrice tedesca ormai famosa dappertutto, che risulta sempre sexy senza essere forzatamente nuda, o atteggiarsi più di tanto. Adatta, fin dalle sue prime uscite cinematografiche, anche ai film d'azione, è lei la stella di questo film, che darà il via ad una serie.

http://fassbinder.blogspot.com/2010/05/jason-bourne-2.html

brucia la città

Burn Your Town - The Chapman Family (2011)

Ed eccoci per l'ennesima volta di fronte alla next big thing inglese, naturalmente esaltatissima dalla stampa, indovinate un po', inglese. A dire il vero, non tutta. E' un disco ottimamente prodotto, questo debutto dei ragazzi di Stockton-on-Tees, che del resto, nella storia, ha prodotto tutta roba buona (Esempio: il parmo. Naturalmente, sono ironico). La sezione ritmica ha un buon tiro (All Fall), la voce di Kingsley Chapman è volutamente a metà tra il crooner e tutti gli pseudo-imitatori di Ian Curtis, la chitarra fa il suo dovere.

Ma, l'impressione che ho avuto, è che più si ascolta il disco, e più quelle briciole di originalità che ti pareva di aver percepito qua e là nei primi ascolti, si disintegrano. Anxiety sembra un pezzo degli Strokes coverizzato dai White Lies. E tutta una serie di band inglesi, odierne o storiche, longeve o durate un attimo, si materializzano man mano che le tracce scorrono.

Io ritengo siano un grande bluff.

Cum mi-am petrecut sfârșitul lumii

The Way I Spent the End of the World - di Catalin Mitulescu (2006)

Giudizio sintetico: si può vedere (2,5/5)
Giudizio vernacolare: conosce' per capi'

Romania, periferia di Bucarest, fine anni '80. La famiglia Matei vive le difficoltà di tutti i rumeni, sperando in un futuro migliore, magari senza Ceauşescu. La figlia grande Eva, alla quale il figlio molto più piccolo Lalalilu vuole un bene dell'anima, di carattere forte e dall'intelligenza brillante, insieme al fidanzato Alexandru, rompe accidentalmente un busto del dittatore, e viene espulsa per essere poi riammessa alla scuola tecnica, cosa che in Romania in quei tempi rappresentava scendere un gradino nella scala sociale. Tutto ciò accade per la codardia di Alexandru; nel contempo, il padre dello stesso ragazzo diventa "referente" di quartiere del partito (una spia, in pratica), e questo allontana i due.
Alla scuola tecnica, Eva conosce e prende in simpatia Andrei, all'apparenza lo scemo del villaggio, in realtà una persona schiva ma sveglia, ed insieme a lui mettono a punto un piano per fuggire verso l'Italia, attraverso la Bulgaria e i Balcani. Nel frattempo, Lalalilu, dispiaciuto per l'espulsione di Eva dalla scuola e dal suo litigio con Alexandru, addossa tutta la colpa al partito, e progetta di uccidere direttamente Ceauşescu.

Buon debutto per il rumeno Mitulescu, con un film dall'atmosfera molto kusturiciana: dramma e melodramma, risate e tristezza, tempi duri affrontati con uno sberleffo da gente forgiata dalle difficoltà. Forse dovrà mettere a punto il modo di miscelare meglio i due estremi, ma alla fine, pur non essendo un film imperdibile, mi è parso un buon punto di partenza.

Nel disimpegnarsi discretamente con la macchina da presa, è aiutato da una buona fotografia, ma soprattutto da un cast ben amalgamato, con tutti che recitano naturalmente, e che il regista dirige ottimamente. Spettacolari i due protagonisti: Timotei Duma, Lalalilu, è un piccolo promettente, mentre Doroteea Petre (Eva), che qualcuno in Italia conoscerà per averla vista in Mar Nero di Federico Bondi, è una certezza. Bella, espressiva, intensa, non per niente per questo film vinse il premio speciale della giuria a Cannes nel 2006.

Film non uscito in Italia.

l'ascesa di Surtur

Surtur Rising - Amon Amarth (2011)

Ottavo disco per gli svedesi che hanno preso il nome da un luogo dell'immaginario universo creato da JRR Tolkien. Disco massiccio e monolitico, è caratterizzato da una parte dal cantato di Johan Hegg, un growling selvaggio ed a tratti macchiettistico, e dall'altra da una pulizia tecnica notevole. Musicalmente, pur essendo una band (Melodic) death metal, i riferimenti all'heavy metal classico (Iron Maiden su tutti) sono indubbi, palesi ed apprezzabili, e si alternano con rocciose parti speed. Non ultima, la componente epic ha la sua parte.

Testi ispirati alla mitologia norrena (come si capisce già dal titolo, essendo Surtur o Surtr un gigante del fuoco di Múspell), musicalmente non sono il massimo dell'originalità, ma si lasciano ascoltare con un certo piacere da chi è avvezzo al metal e lo apprezza nelle sue varie sfaccettature.

Oltre a dieci pezzi originali, il disco è disponibile in più versioni, tra cui una con un dvd live della band, un'altra con la cover di Balls To The Wall degli Accept e di War Machine dei Kiss, un'altra ancora con la cover di Aerials dei System Of A Down.