Cornucopia

Bjork, Unipol Arena BO, 23 settembre 2023

Sorrido quando, poco prima dell'inizio del concerto, una voce dagli altoparlanti chiede di non usare i cellulari, e godersi lo spettacolo (cosa che la maggior parte dei presenti NON farà, nonostante la stessa voce specifichi che lo show sarà disponibile dal giorno seguente sul sito ufficiale): io ho lasciato il mio nell'auto del fido Mazza, che mi accompagna in questo sabato bolognese, nel quale improvvisamente il tempo vira alla tempesta. Il sipario è fatto di corde, che amplificheranno l'effetto dei visual, il palco sembra una favola materializzata, e durante il concerto lo spettacolo visivo sarà di livello superiore, tanti euro ma mai rimpianti. Non finisce qua: la scaletta, che nonostante il "concept" verta sugli ultimi lavori dell'islandese, spazia lungo tutta la sua discografia, e le esecuzioni valgono la pena, perché sono completamente riarrangiate. Due multistrumentisti (uno più focalizzato sulle percussioni) e una arpista, più un settetto di flauti islandese (tutte donne), compongono il supposto sonoro ad una esperienza davvero unica. Senza ulteriori parole, grandissima, enorme Bjork.

I smile when, shortly before the start of the concert, a voice from the speakers asks not to use cell phones, and to enjoy the show (which the majority of those present will NOT do, despite the same voice specifying that the show will be available from the following day on the official website): I left mine in the car of my trusty Mazza, who accompanies me on this Saturday in Bologna, in which the weather suddenly turns stormy. The curtain is made of ropes, which will amplify the effect of the visuals, the stage looks like a materialized fairy tale, and during the concert the visual spectacle will be of a superior level, many euros but never regrets. It doesn't end here: the setlist, which despite the "concept" focuses on the Icelandic's latest works, ranges across his entire discography, and the performances are worth it, because they are completely rearranged. Two multi-instrumentalists (one more focused on percussion) and a harpist, plus an Icelandic flute septet (all women), make up the sound of a truly unique experience. Without further words, great, huge Bjork.

Festa rossa mesta

Marlene Kuntz + Marco Rovelli, 13 agosto 2023, Festa Rossa Perignano Lari (PI)

L'invito di un caro amico mi aiuta a lasciare il lettino prendisole anzitempo, in questa splendida domenica di metà agosto, per rivedere non solo i Marlene dopo molto tempo, ma pure alcuni amici (anche loro, che non vedevo da tempo). La Festa Rossa di Perignano Lari è una bella realtà con un ottimo spazio all'aperto. 

Apre il professor Marco Rovelli, se abbiamo capito bene solo con un chitarrista ad accompagnarlo (chiamato l'Innominabile), che però avrebbe dovuto essere una band completa chiamata Gli Innominabili. Più letteratura che musica, più politica che letteratura, ispirata anche a musica tradizionale.

Con un ritardo di circa un'ora, ecco la band capitanata da un Cristiano Godano ben conservato (fisicamente, dico). La formazione adesso vede alla batteria Niccolò Fornabaio (immagino che chi legge sappia già che qualche mese fa è morto lo storico batterista Luca Bergia, che però aveva preso uno iato dalla band l'anno precedente), il polistrumentista Davide Arneodo (tastiere, violino, synth, piano, mandolino, percussioni, cori), il bassista Luca Saporiti, insieme all'altro superstite della formazione originale Riccardo Tesio, chitarrista solista. 

La scaletta è pensata in modo particolare: i sei brani tratti dall'ultimo disco Karma Clima (l'unico che non ho mai ascoltato, nonostante fossi convinto del contrario, nel senso che ero convinto di aver mollato gli ascolti molto prima, al contrario, la ricerca su questo stesso blog ha smentito la mia memoria ormai da anziano) sono suonati tutti di seguito, dopo una versione imbarazzante (a livello vocale) di Ineluttabile. Una scelta che amplifica il solco netto tra le "vecchie" produzioni e le nuove. Il finale è in crescendo, con Nuotando nell'aria e gli encore Grazie e Sonica. 

I pensieri sparsi, miei e degli amici: "finché Godano imbraccia l'acustica, anziché l'elettrica, non ci siamo". "Ho capito perché non ho mai ascoltato l'ultimo disco". "Le persone vogliono sentire i pezzi vecchi". Nei pensieri post concerto, e perfino adesso mentre ne scrivo, sono combattuto. Rileggendo le recensioni degli album dal 2007 in poi, era chiaro che ne apprezzavo l'impegno e la fisiologica voglia di cambiamento, di mutamento di rotta, segno di una band intelligente. Evidentemente, l'amalgama live è molto difficile da raggiungere: mi permetterei di suggerire una riflessione su questo punto, agli amati Marlene Kuntz.

With a delay of about an hour, here is the band led by a well-preserved (physically, I mean) Cristiano Godano. The formation now sees on drums Niccolò Fornabaio (I imagine that the reader already knows that a few months ago the historic drummer Luca Bergia died, who however had taken a hiatus from the band the previous year), the multi-instrumentalist Davide Arneodo (keyboards, violin, synth, piano, mandolin, percussion, backing vocals), bassist Luca Saporiti, together with the other survivor of the original line-up Riccardo Tesio, lead guitarist.

The lineup is thought out in a particular way: the six tracks taken from the latest album Karma Clima (the only one I've never listened to, even though I was convinced of the opposite, in the sense that I was convinced that I had given up listening much earlier, on the contrary, research on this same blog disproved my now elderly memory) they all played in succession, after an embarrassing (vocally) version of Ineluttabile. A choice that amplifies the gap between the "old" productions and the new ones. The finale is in crescendo, with Nuotando nell'aria and the encores Grazie and Sonica.

The scattered thoughts, mine and those of my friends: "as long as Godano embraces acoustics, instead of electrics, we won't be there". "I understood why I never listened to the last record." "People want to hear the old stuff." In my post concert thoughts, and even now as I write about it, I am conflicted. Rereading the reviews of the albums from 2007 onwards, it was clear that I appreciated their commitment and the physiological desire for change, a change of course, a sign of an intelligent band. Evidently, live amalgamation is very difficult to achieve: I would take the liberty of suggesting a reflection on this point to the beloved Marlene Kuntz.

Singolo

Mono + Gggolddd, 16 maggio, Cinema Perla, Bologna

Nel giorno che precede il disastro in Romagna, eccomi nuovamente a Bologna, stavolta al Cinema Perla, per un concerto che fino a poco prima dell'inizio stava per essere rimandato, proprio per il maltempo. Sarà anche per quello che il pubblico non è così numeroso. Sono qui per gli olandesi Gggolddd, che aprono per un set di circa tre quarti d'ora, basato ovviamente soprattutto sul loro ultimo This Shame Should Not Be Mine, con qualche brano riarrangiato (notevole la conclusiva On You, introdotta da Milena Eva, la cantante e leader, spiegando che, come gran parte della sua produzione lirica, si basa sullo stupro da lei subito alcuni anni addietro), penalizzati dalla poca dinamicità sul palco, bilanciati dalla grande voce della cantante e dal suo magnetismo. Il piatto principale sono i giapponesi Mono, esperienza pluri-ventennale e suono massiccio, flemmatici sul palco quanto devastanti quando aprono il gas. Otto brani, che spaziano lungo tutto il loro vasto repertorio, e un approccio che mi ricorda moltissimo quello dei Mogwai per come alternano "bastone e carota" musicalmente, passando da momenti prettamente shoegaze di grandissima classe ad altri aggressivi e noise.

On the day before the disaster in Romagna, here I am again in Bologna, this time at the Cinema Perla, for a concert that until just before the start was about to be postponed due to the bad weather. It will also be why the public is not so numerous. I'm here for the Dutch Gggolddd, who open for a set of about three quarters of an hour, obviously based above all on their latest This Shame Should Not Be Mine, with some rearranged songs (remarkable the final On You, introduced by Milena Eva, the singer and leader, explaining that, like a large part of her opera production, it is based on the rape she suffered a few years ago), penalized by the lack of dynamism on stage, balanced by the great voice of the singer and her magnetism. The main dish is the Japanese Mono, over twenty years of experience and massive sound, as phlegmatic on stage as devastating when they open the gas. Eight songs, ranging throughout their vast repertoire, and an approach that reminds me very much that of Mogwai for how they alternate "carrot and stick" musically, passing from purely shoegaze moments of great class to other aggressive and noisy ones.

Grande coraggioso

Big Brave + Aicher + Long Gone, 30 aprile 2023, Circolo DEV, Bologna

Finalmente riesco a vedere il famigerato Circolo DEV, due stanze grandi in centro a Bologna in una traversa di via Irnerio. Quando arrivo, la band sta mangiando una pizza nei cartoni, giusto fuori dal locale, dove si sentono dei suoni, probabilmente il soundcheck della band italiana che aprirà stasera. Atmosfera molto rilassata ed amichevole, aprono appunto i milanesi Long Gone, band che si capisce provenire dal punk hardcore ma adesso rilassata verso uno slowcore apprezzabile, ma abbastanza prevedibile. Dopo di loro è la volta di Aicher, progetto solista di Liam Andrews, bassista e cantante degli australiani My Disco, una roba molto elettronica e di un certo effetto, ma a mio parere, non imprescindibile. La scelta è frutto, in piccolo, di un trend che adesso va molto per la maggiore, per risparmiare ed ammortizzare i costi dei tour: lo stesso bassista fa da musicista aggiunto ai Big Brave, che quindi stasera si presentano con una formazione che potremmo definire "classica", basso, due chitarre (una suonata dalla cantante, con la voce tremendamente simile a quella di Anna von Hausswolff, Robin Wattie) e batteria. Ero molto curioso di vederli all'opera, e non ne sono rimasto deluso: l'impatto è quello di una sorta di Melvins con tocchi noise anche piuttosto marcati, un muro del suono imponente. La scaletta è presto descritta: quella dell'ultimo Nature Morte, snocciolato esattamente nella stessa cronologia. Finiscono ringraziando i presenti e i gestori per averli "viziati". Io rientro in albergo riflettendo sulla differenza che passa tra chi a quasi 60 anni va a vedere i concerti da 40 persone, e chi a 40 anni va a vedere quelli di pensionati famosi che riempiono gli stadi.

Finally I can see the notorious Circolo DEV, two large rooms in the center of Bologna in a side street of via Irnerio. When I arrive, the band is eating pizza to go, right outside the club, where sounds are heard, probably the soundcheck of the Italian band that will open tonight. Very relaxed and friendly atmosphere, the openers are Long Gone from Milan, a band that can be understood as coming from hardcore punk but now relaxed towards an appreciable, but quite predictable slowcore. After them it's the turn of Aicher, a solo project by Liam Andrews, bassist and singer of the Australian My Disco, a very electronic stuff with a certain effect, but in my opinion, not essential. The choice is the result, in a small way, of a trend that is now very popular, to save money and amortize the costs of the tours: the same bassist acts as an added musician to the Big Brave, which therefore tonight present themselves with a line up that we could define "classic", bass, two guitars (one played by the singer, with a voice tremendously similar to that of Anna von Hausswolff, Robin Wattie) and drums. I was very curious to see them at work, and I wasn't disappointed: the impact is that of a sort of Melvins with even rather marked noise touches, an imposing wall of sound. The set list is easily described: that of the last Nature Morte, performed in exactly the same chronology. They end by thanking those present and the managers for having "spoiled" them. I go back to the hotel reflecting on the difference between those who are almost 60 years old go to see concerts for 40 people, and those of 40 years old go see famous retirees who fill stadiums.

Liefde en licht

Igorrr + Amenra + Der Weg einer Freiheit + Hangman's Chair, 25 Marzo 2023, Link Bologna

Per questo ottimo appuntamento metal di livello, il Link di Bologna rivela i suoi limiti: il parcheggio. Auto parcheggiate lungo la strada d'accesso per almeno 2 chilometri. Detto questo, tanto di cappello per la serata. Arrivo volutamente in ritardo per perdermi l'apertura dei francesi Hangman's Chair, già visti in azione qualche mese fa in apertura dei Paradise Lost, ma in tempo per prendermi una birra e trovare una posizione defilata ma decente. Per secondi suonano i tedeschi Der Weg einer Freiheit, black metal fortemente influenzato da quello scandinavo alla Darkthrone con qualche tentativo, timido bisogna dire, di sfociare nel post-metal. Comunque apprezzabili. Con tutto il rispetto per gli headliner di stasera, gli Amenra (per me questa è la quinta volta che li vedo, due in acustico e tre in elettrico) sono la ragione per cui sono qui; e, ça va sans dire, la band belga non delude mai. Zero dialogo, ma solo il "messaggio" finale (la scritta sullo schermo retrostante al palco che appare dopo ogni concerto, anche stasera non fa eccezione) vale più di mille parole ("amore e luce", vedi titolo del post), e una "potenza di fuoco", accompagnata da un sempre splendido lavoro delle luci, semplici ma efficacissime, devastante. Set di poco meno di un'ora, che però vale da solo il prezzo dell'intero biglietto. Il collettivo che circonda e completa la band di Gautier Serre aka Igorrr è quanto di più eterogeneo si possa immaginare, ed il risultato è estremamente interessante, soprattutto su disco, un po' meno dal vivo. Black metal mescolato con musica barocca (una vocalist classica, la mezzo-soprano Marthe Alexandre) e con una dance durissima, breakcore mista ad industrial metal. Ottimo coinvolgimento del pubblico, ma io lascio prima del termine, va bene così.

For this excellent high-level metal appointment, the Bologna Link reveals its limits: parking. Cars parked along the access road for at least 2 kilometres. That being said, hats off to the evening. I arrive deliberately late to miss the opening of the French Hangman's Chair, already seen in action a few months ago opening for Paradise Lost, but in time to grab a beer and find a secluded but decent position. The Germans Der Weg einer Freiheit play second, black metal strongly influenced by the Scandinavian one like Darkthrone with some attempt, timid it must be said, to flow into post-metal. Nonetheless appreciable. With all due respect to tonight's headliners, Amenra (for me this is the fifth time I've seen them, two acoustic and three electric) are the reason I'm here; and, ça va sans dire, the Belgian band never disappoints. Zero dialogue, but only the final "message" (the writing on the screen behind the stage that appears after every concert, even tonight is no exception) is worth a thousand words ("love and light", see post title), and a devastating (accompanied by an always splendid work of the lights, simple but very effective) "firepower". A set of just under an hour, which however alone is worth the price of the entire ticket. The collective that surrounds and completes Gautier Serre aka Igorrr's band is the most heterogeneous imaginable, and the result is extremely interesting, especially on record, a little less live. Black metal mixed with baroque music (a classical vocalist, mezzo-soprano Marthe Alexandre) and with very hard dance, breakcore mixed with industrial metal. Excellent involvement of the public, but I leave before the end, that's okay.

Shook

Algiers, Bronson (RA), 17 febbraio 2023

Parto dalla fine: forse non è dipeso dalla band, forse è stato il contorno, e proverò ad analizzare il tutto, ma questo concerto, di una band ottima, innovativa, impegnata, molto interessante, non mi ha convinto.

Li aspettavo da prima della pandemia; adesso sono qui, che dormicchiano sui divanetti del Bronson, poco dopo le 21, orario previsto per l'inizio del concerto o dell'apertura delle porte, o di entrambe le cose. Non tutti, ma tre di loro. Tre su cinque, perché la formazione si è ingrandita, a sorpresa. Si, adesso gli Algiers hanno due batterie. Passa un'ora e mezzo abbondante prima che si degnino di salire sul palco. Il pubblico, un po' alla volta, arriva. E' un pubblico molto variegato, e oserei dire che una buona metà sembra essere qui per puro caso. Dicevamo degli Algiers: abbondantemente dopo le 22,30 cominciano a suonare, direttamente sopra un pezzo di Laura Pausini, con Cleanse Your Guilt Here, una delle nove tracce (sulle 15 totali del concerto) che suoneranno da Shook, il loro nuovo album, che uscirà tra una settimana. Una scelta molto strana, ma dopo tutto, in linea con la politica di una band che certamente non si può definire, e alla quale non interessa minimamente, essere commerciale. Infatti, non sarà l'unica scelta del genere: ad esempio, nonostante fosse in scaletta, non eseguiranno The Underside of Power, una delle loro canzoni più belle, ma forse anche più famose. Insomma, agli Algiers non frega un cazzo. Tirano dritto, mescolando post punk, hip-hop, afrofolk, dub, free jazz, afrobeat, letteratura Southern Gothic, filosofia e Black Lives Matter. I loro brani sono complicati, difficili, e non si sognano neppure di semplificarli dal vivo. I suoni non sono perfetti, ma la voce di Franklin James Fisher è ottima, e pure i musicisti sono all'altezza e si danno un gran daffare. Eppure, il concerto sembra non decollare mai, il pubblico pare coinvolto solo nelle primissime file, e non vorrei che sia proprio questa la ragione per cui non suonano il loro miglior pezzo negli encore, nonostante fosse previsto. Gli Algiers si confermano una gran band, ma questo concerto non è stato granché nel suo complesso, nonostante quello che leggerete da altre parti.

I'll start from the end: maybe it didn't depend on the band, maybe it was the environment, and I'll try to analyze everything, but this concert, by an excellent, innovative, committed, very interesting band, didn't convince me.

I've been waiting for them since before the pandemic; now they are here, dozing on the sofas of the Bronson, shortly after 9 PM, the estimated time for the beginning of the concert or the opening of the doors, or both. Not all, but three of them. Three out of five, because the line up has grown, surprisingly. Yes, Algiers now have two drummers. A full hour and a half passes before they deign to go on stage. Little by little, the public arrives. It's a very diverse audience, and I dare say a good half seem to be here by accident. We were talking about the Algiers: abundantly after 10.30 PM they start playing, directly over a track by Laura Pausini, with Cleanse Your Guilt Here, one of the nine tracks (out of the total 15 of the concert) that they will play from Shook, their new album, which it will be out in a week. A very strange choice, but after all, in line with the politics of a band that certainly cannot be defined, and which doesn't care in the least, to be commercial. In fact, it won't be the only choice of the genre: for example, despite being in the setlist, they won't perform The Underside of Power, one of their most beautiful, but perhaps also most famous, songs. I mean, the Algiers don't give a shit. They go straight, mixing post punk, hip-hop, afrofolk, dub, free jazz, afrobeat, Southern Gothic literature, philosophy and Black Lives Matter. Their songs are complicated, difficult, and they don't even dream of simplifying them live. The sounds are not perfect, but Franklin James Fisher's voice is excellent, and the musicians are also up to it and give themselves a great deal. Still, the concert never seems to get off the ground, the audience seems engaged only in the very first rows, and I'm afraid this could be the reason why they don't play their best track in the encores, even though it was expected. Algiers are still a great band, but this concert wasn't that great overall, despite what you'll read elsewhere.

Blooms of Oblivion

Emma Ruth Rundle + Jo Quail, Teatro San Leonardo (BO), 16 febbraio 2023

Quei pochi ma affezionati lettori di questo blog lo sanno già, ma se siete capitati qui per caso, basta che andiate in alto a sinistra, e nel campo di ricerca digitiate Emma Ruth Rundle: potrete così rendervi conto della mia ammirazione per l'artista in questione. Questioni di lavoro, altri concerti e spending review, stavolta fanno si che su tre date italiane, assista "solo" al suo concerto bolognese. Tutto esaurito il bel teatro al quale si accede da un classico portico, portico che fa da testimone a due code precedenti e in attesa, ordinate e sommesse, di un pubblico estremamente eterogeneo. Il teatro è raccolto ma molto buono dal punto di vista acustico. 

Apre (e finalmente riesco a vederla dal vivo) la londinese Jo Quail, violoncellista virtuosa, già con Myrkur e con i Mono, simpaticissima e chiacchierona, con il suo violoncello unico e la sua loop station dà vita ad un set di circa tre quarti d'ora ipnotico e avvolgente. Sicuramente da approfondire e da continuare a seguire.

Il concerto prosegue quasi in perfetto orario, e Emma si presenta con un curioso vestito bianco e nero (ma chiaramente uscito dalle sessioni fotografiche e dai video che hanno accompagnato i suoi ultimi lavori), esponendo il programma (l'intero album Engine of Hell, esattamente nello stesso ordine del disco) e sedendosi al piano. Si parte, e i brividi sono la cosa che sentirò di più nell'ora seguente. Alterna piano e chitarra, qualche battuta, anche molto divertente, seppur, a mio giudizio, con un tormento interiore di fondo, e appunto, esegue tutto il suo disco del 2021, concedendo due encore senza uscire e rientrare, ed annunciandolo pure, Marked For Death e Pump Organ Song. Una voce bellissima e a tratti straziante, una dimensione che evidentemente, è quella che più le si addice attualmente, un concerto bellissimo, con una chicca, Citadel eseguita insieme a Jo Quail. Una serata indimenticabile.

Those few but loyal readers of this blog already know it, but if you have come here by chance, just go to the top left, and type Emma Ruth Rundle in the search field: you will thus be able to realize my admiration for the artist in question. Work issues, other concerts and spending review, this time mean that on three Italian dates, I "only" attends her Bologna's concert. Sold out the beautiful theater which is accessed from a classic portico, a portico that acts as a witness to two previous and waiting queues, orderly and subdued, of an extremely heterogeneous audience. The theater is small but very good acoustically.

Opens (and finally I can see her live) the Londoner Jo Quail, virtuoso cellist, already with Myrkur and with Mono, very nice and talkative, with her tailor-made cello and her loop station she gives life to a set of about 45 minutes, hypnotic and enveloping. Definitely to be explored and to continue to follow.

The concert continues almost on schedule, and Emma shows up with a curious black and white dress (but clearly taken from the photo sessions and videos that accompanied her latest works), exposing the program (the entire Engine of Hell album, in exactly the same order as on the record) and sitting down at the piano. Off we go, and the shiverings is what I will feel the most in the next hour. She alternates piano and guitar, a few jokes, even very funny, albeit, in my opinion, with an underlying inner torment, and indeed, she performs his entire 2021 album, allowing two encores without going out and coming back, and also announcing it, Marked For Death and Pump Organ Song. A beautiful and sometimes heartbreaking voice, a dimension that evidently is the one that best suits her currently, a beautiful concert, with a gem, Citadel performed together with Jo Quail. An unforgettable evening.

Ormar

Wardruna, Teatro dal Verme (MI), 22 gennaio 2023

Pur non avendo ascoltato niente del loro passato, quando ho sentito Kvitrafn sono rimasto talmente ammaliato, che ho deciso che sarebbe stato interessante vedere la band norvegese dal vivo. Quando mi sono accorto che avevano una data riprogrammata (inizialmente doveva essere nel 2021) a Milano, era già esaurita. Quando ne hanno aggiunta un'altra, il giorno precedente, mi sono precipitato a comprare il biglietto. Dopo avervi assistito, posso dire che è stata una scelta totalmente indovinata.

Ci sarebbe da indagare a fondo sul perché i Wardruna sono seguiti al 99% da un pubblico metallaro. Per la loro provenienza? Per il loro background? Per via dei Manowar? La risposta non credo possa essere provata, quindi rimaniamo con il dubbio: così è. Quindi, fuori dall'elegante ma moderno Dal Verme, e non appena si aprono le porte, all'interno, è un'invasione metallara, che si mescola ad altre persone di chissà quale estrazione. Due date totalmente esaurite (la capienza è ufficialmente di 1.436 posti), attesa palpabile, un palco che si presenta già da subito elegante ed evocativo al tempo stesso, ed infine, con qualche minuto di ritardo sulla tabella di marcia, comincia lo spettacolo. Ed è veramente uno spettacolo: luci sobrie ma efficaci, che spesso generano giochi di ombre sullo sfondo davvero belle ed adeguate all'atmosfera, qualche sparuto visual ispirato alle liriche (e lo spettacolo nello spettacolo sono gli strumenti antichi usati dalla band), una band molto affiatata capitanata da un Einar Selvik maestro di cerimonie, e una scaletta di un'ora e mezzo che abbraccia tutta la loro discografia. Grandissimo il contributo della cantante Lindy Fay Hella, tra l'altro. Pubblico a dir poco adorante, che finalmente viene "accontentato" da Einar dopo quasi un'ora e venti di canzoni, in pratica prima degli encore, quando finalmente si concede, con un discorso accorato, quasi commosso, sulla radice della musica che suonano, e con un messaggio di pace e fratellanza universale, ma non pomposo. Ancora Einar bissa dopo il primo encore, congeda la band, per ringraziare ancora della calorosa accoglienza, promettendo di tornare quanto prima, ed introducendo la sua (da uno dei suoi lavori solisti) Snake Pit Poetry parlando della serie TV Vikings, da loro musicata, e della figura storica e leggendaria di Ragnar Lodbrok, al quale (chi ha visto la serie lo saprà) questa canzone è ispirata/dedicata. Come ho detto prima, scelta indovinata, concerto indimenticabile.

Although I haven't heard anything from their past, when I heard Kvitrafn I was so enthralled, that I decided it would be interesting to see the Norwegian band live. When I realized they had a rescheduled date (originally it was supposed to be in 2021) in Milan, it was already sold out. When they added another the day before, I rushed to buy the ticket. Having witnessed it, I can say that it was a totally right choice.

We would have to investigate thoroughly why Wardruna are 99% followed by a metal audience. For where they come from? For their background? Because of the Manowar? I don't think the answer can be proven, so we remain with the doubt: it is so. Then, outside the elegant but modern Dal Verme theater, and as soon as the doors open, inside, it's a metal invasion, mingling with other people from who knows what background. Two totally sold out dates (the capacity is officially 1,436 seats), palpable expectation, a stage that is immediately elegant and evocative at the same time, and finally, with a few minutes late on the schedule, the show begins. And it's truly a show: sober but effective lights, which often generate really beautiful plays of shadows on the background and appropriate to the atmosphere, some sparse visuals inspired by lyrics (and the show within the show are the ancient instruments used by the band), a band very close-knit led by a master of ceremonies Einar Selvik, and a lineup of an hour and a half that embraces their entire discography. The contribution of the singer Lindy Fay Hella, among other things, was great. An adoring audience to say the least, which is finally "satisfied" by Einar after almost an hour and twenty of songs, in practice before the encores, when he finally concedes himself, with a heartfelt, almost moved speech, on the root of the music they play, and with a message of peace and universal brotherhood, but not pompous. Again Einar repeats after the first encore, dismisses the band, to thank again for the warm welcome, promising to return as soon as possible, and introducing his (from one of his solo works) Snake Pit Poetry talking about the TV series Vikings, set to music by them, and of the historical and legendary figure of Ragnar Lodbrok, to whom (those who have seen the series will know) this song is inspired/dedicated. As I said before, guessed choice, unforgettable concert.

As the Moon Rests

A.A. Williams + Karin Park, 16 dicembre 2022, Bloom, Mezzago (MB)

Chiudo questo 2022 concertistico, un anno partito con leggero ritardo dovuto allo strascico del COVID19, ma alla fine, soddisfacente, con una doppietta in tre giorni in zona Milano e Brianza; son contento che la mia personale "chiusura" sia al Bloom, intimo, accogliente, sempre rilassato.

Apre, davanti, anzi, in mezzo (le tastiere sono piazzate davanti al palco, altezza platea) alla trentina di presenti, e con la porta di ingresso aperta che certo non crea intimità, soprattutto sui (molti) pezzi poco ritmati, la svedese Karin Park, che sarebbe pure la moglie di Kjetil Nernes degli Arabrot (nonché membro aggiunto della stessa band), ma che ha una carriera solista non indifferente, oltre che aver lavorato come attrice, modella, e perfino aver interpretato la parte di Fantine in una versione norvegese di Les Misérables, tra il 2017 e il 2018. Non ho copiato dalla sua pagina Wikipedia, giuro che l'impressione che ho avuto è quella di una voce tra quella di Fever Ray e quella di Bjork, e una bella vena compositiva soprattutto quando rimane sul pop elettronico ma intimista, non troppo quando si lancia in cavalcate dance. Molto belle Blue Roses e Opium. Spassosa la figlioletta con cuffie insonorizzanti e vestito da ballerina che corre da una parte all'altra del Bloom. Con un po' di ritardo sugli orari previsti, ecco A.A. Williams e la sua band (un altro chitarrista che la aiuta con i cori e le tastiere quando occorre, un bassista e un batterista). Inizialmente molto timida (al contrario della Park, che spiega molto tranquillamente che se non compriamo il merchandise, sono fottuti), lascia che a parlare sia la musica, un robustissimo hard rock venato di blues ma pure di metal recente (Deftones, Cult of Luna) ed intriso di dark wave, catalogato come death gospel perché ormai così si definiscono tutte le donne che usano chitarre distorte (un po' come si definiva grunge tutto quello che arrivava da Seattle tra la fine degli anni '80 e gli inizio dei '90). Verso il finale si scioglie un po', e dialoga, seppur sempre con parsimonia, con lo sparuto ma partecipe pubblico. Otto brani sui dodici della scaletta sono tratti dal nuovo As the Moon Rests, e la resa è molto simile a quella del disco; la voce si conferma molto bella, e regge perfettamente per tutta la durata del concerto. Fa presente che nel dopo concerto sarà al banco del bar, disponibile per chiacchierare, e che se qualcuno le volesse offrire da bere, lei prenderà Gin and Tonic. Al 2023.

The Swedish Karin Park opens, in front, indeed, in the middle (the keyboards are placed in front of the stage, audience height) for the thirty people present, and with the entrance door open which certainly does not create intimacy, especially on the (many) low-rhythm tracks, Karin who would also be the wife of Kjetil Nernes of Arabrot (as well as an added member of the same band), but who has a considerable solo career, as well as having worked as an actress, model, and even having played the part of Fantine in a version Norwegian of Les Misérables, between 2017 and 2018. I didn't copy from her Wikipedia page, I swear that the impression I got is that of a voice between that of Fever Ray and that of Bjork, and a beautiful compositional vein especially when remains on electronic pop but intimist, not too much when it launches into dance rides. Very beautiful Blue Roses and Opium. Hilarious her little daughter with soundproof headphones and dressed as a ballerina running from one side of the Bloom to the other. A little behind schedule, here is A.A. Williams and her band (another guitarist who helps with backing vocals and keyboards when needed, a bass player and a drummer). Initially very shy (unlike Park, who explains very calmly that if we don't buy the merchandise, they're screwed), she lets the music do the talking, a very robust hard rock tinged with blues but also with recent metal (Deftones, Cult of Luna) and steeped in dark wave, cataloged as death gospel because this is how all women who use distorted guitars are now defined (a bit like grunge was defined as everything that came from Seattle between the end of the 80s and the beginning of the 90s). Towards the end she loosens up a bit, and she converses, albeit always sparingly, with the small but participating audience. Eight tracks out of the twelve in the setlist are taken from the new As the Moon Rests, and the rendering is very similar to that of the album; the voice is confirmed to be very beautiful, and holds up perfectly for the entire duration of the concert. She points out that after the concert she will be at the bar counter, available for a chat, and that if someone wants to buy her a drink, she will take Gin and Tonic. See you all in 2023.

Stranger Fruit

Zeal & Ardor + Sooma, Circolo Magnolia (MI), 14 dicembre 2022

Mentre il Marocco perde con la Francia ai Mondiali di calcio del Qatar, al Magnolia, nel freddo milanese, c'è come al solito un'atmosfera rilassata, e più o meno in orario, gli svizzeri di Zurigo Sooma aprono la serata, con una musica che sporca di noise e punk un garage rock abbastanza prevedibile.

Ed arriva il momento della band di Manuel Gagneux, una delle band più interessanti che sono venute alla luce negli ultimi anni. Ricordiamo che l'idea musicale è unire il gospel o gli spirituals afro-americani al black metal, e quella filosofico/lirica è immaginare che "gli schiavi americani avessero abbracciato Satana anziché Gesù". Come dice lui stesso, dopo i primi tre brani della scaletta, stasera sono in 4 anziché in 6, perché i due cantanti di supporto sono malati, e la scelta sarebbe stata tra annullare il concerto, oppure arrangiarsi con qualche campionamento. Il pubblico reagisce con calore a questa e ad ogni seguente interazione del leader degli Zeal & Ardor, che si rivela simpaticissimo, con un nuovo taglio di capelli, e via via, sinceramente felice di questo concerto in terra italiana e della risposta del pubblico. Convincenti e coinvolgenti, vanno dritti per un'ora abbondante saccheggiando il loro ultimo album omonimo, e ripescando pezzi del loro non foltissimo repertorio. Dopo Devil Is Fine, dal loro album di debutto, ancora un Manuel divertito "chiede il permesso" al pubblico di saltare l'uscita dal palco ed il rientro per gli encore, ottenendo un'ovazione, e la band prosegue con altri quattro brani, per concludere con il singolo non contenuto in nessuno dei loro album Baphomet. Le diverse centinaia di spettatori se ne vanno, e se tutti la pensano come me, sono totalmente soddisfatti.

And the time comes for Manuel Gagneux's band, one of the most interesting bands that have come to light in recent years. We recall that the musical idea is to unite African-American gospel or spirituals with black metal, and the philosophical/lyrical one is to imagine that "the American slaves had embraced Satan instead of Jesus". As he himself says, after the first three songs of the setlist, tonight they are 4 instead of 6, because the two support singers are ill, and the choice would have been between canceling the concert, or making do with some sampling. The audience reacts warmly to this and to every subsequent interaction from the leader of Zeal & Ardor, who turns out to be very nice, with a new haircut, and gradually, sincerely happy with this concert in Italy and with the response from the audience. Convincing and engaging, they go straight for an abundant hour looting their latest self-titled album, and fishing out tracks from their not very large repertoire. After Devil Is Fine, from their debut album, still an amused Manuel "asks permission" to the audience to skip leaving the stage and coming back for the encore, getting an ovation, and the band continues with four other songs, to conclude with the single not contained in any of their albums Baphomet. The several hundred spectators leave, and if everyone thinks like me, they are totally satisfied.

Death

Dev Death Fest: Full of Hell + Rotten Sound + Celeste + Sanguisugabogg + Selva + Skulld + Fera + þe clovde of vnknowying, 26 novembre 2022, TPO Bologna

Per provare a sentirmi un poco più giovane, sono qua davanti al TPO di Bologna in attesa dell'apertura dei cancelli, che avviene con un po' di ritardo. Ottima iniziativa, che mi dà la possibilità di ascoltare alcune band che non conosco. Aprono, leggermente in ritardo (un ritardo che rimarrà una costante, anche se non peggiorerà), gli italiani Skulld (da quanto sono riuscito a capire, da Bertinoro in Romagna ma con una cantante milanese), che ascolto distrattamente ma che mi paiono convincenti con un death che deve moltissimo agli Slayer. Dopo di loro i lodigiani Selva, dei quali vi ho parlato, e che mi vedo con gusto: una cascata di metallo rovente. Ottimi nella loro prevedibilità gli statunitensi Sanguisugabogg, massici con una spruzzata di grind. Il cambio palco viene accompagnato dal progetto che risponde al nome di þe clovde of vnknowying, se ho capito bene da Bologna, un metal elettronico virato in salsa noise, eseguito con un campionatore vicino alla zona del mixer, dopo di che arrivano i francesi Celeste, già visti in questa occasione, sicuramente, insieme agli headliner, la proposta più ricercata della serata, impeccabili e potentissimi. Altro cambio palco accompagnato da un altro progetto elettronico con i Fera, e subito dopo è la volta dei veterani Rotten Sound, dalla Finlandia, simpatici e con un attitudine positiva e dialogante, più grindcore che death metal, vagamente ricordano i D.R.I. Chiudono i Full of Hell, anche loro statunitensi, maestri del powerviolence e delle ibridazioni (grind, sludge, death, noise), ottimi. Nonostante i set tutti molto brevi, sei ore sono tantissime: non sono più giovane, quindi, nel caso ci fosse ancora bisogno di provarlo.

To try and feel a little younger, I'm here in front of the Bologna TPO waiting for the gates to open, which happens a little late. Excellent initiative, which gives me the opportunity to listen to some bands I don't know. Slightly late (a delay that will remain a constant, even if it won't get worse), the Italians Skulld open (from what I was able to understand, from Bertinoro in Romagna but with a female singer from Milan), who I listen to inattentively but who seem convincing to me with a death metal that owes a lot to Slayer. After them the Selva from Lodi, of whom I told you, and who I see with pleasure: a cascade of red-hot black metal mixed with screamo. The Americans Sanguisugabogg are excellent in their predictability, massive with a splash of grind. The stage change is accompanied by the project that responds to the name of þe clovde of vnknowying, if I understood correctly from Bologna, an electronic metal veered in a noise sauce, performed with a sampler near the mixer area, after which the French Celeste arrive. Already seen on this occasion, certainly, together with the headliners, the most sought after proposal of the evening, impeccable and very powerful. Another stage change accompanied by another electronic project with Fera, and immediately after it's the turn of the veterans Rotten Sound, from Finland, nice and with a positive attitude and dialogue, more grindcore than death metal, vaguely reminiscent of D.R.I. Close the Full of Hell, also American, masters of powerviolence and hybridizations (grind, sludge, death, noise), excellent. Although the sets are all very short, six hours is a lot: I'm not young anymore, so, in case there was still a need to try it.

For My Crimes

Marissa Nadler + Innerwoud, 20 novembre 2022, Freakout Club Bologna

Atmosfera intima, al solito, al Freakout. Apre Innerwoud (da notare l'errore sulla locandina ufficiale), un progetto solista del contrabbassista belga Pieter-Jan Van Assche per niente semplice da seguire, composizioni lunghe, loop ritmici e digressioni "atmosferiche" di (appunto) contrabbasso. Una ventina di minuti circa, anche percé di più sarebbe stato veramente duro. Dopo aver presidiato il banchetto del merchandise, rispondendo a chiunque, vendendo vinili, firmando cd e facendosi tranquillamente fotografare insieme ai presenti che lo richiedevano, Marissa sale sul palco insieme all'ormai collaboratore di lunga data Milky Burgess (ottima la sua chitarra che ogni tanto sa ogni tanto addirittura di Mark Knopfler in salsa folk), e Monika Khot (titolare di un progetto solista dal nome Nordra) al basso (della quale mi invaghisco già prima, mentre scaldava lo sgabello del banco merchandise alla stessa Nadler), per regalare alla cinquantina scarsa di presenti una manciata delle sue canzoni eseguite pressoché perfettamente, a livelli dei dischi. Ogni tanto c'è una batteria campionata, ogni tanto i due musicisti aiutano nei cori, ma la voce della cantautrice statunitense è bellissima ed il concerto soddisfa alla grande. Molto brava.

Intimate atmosphere, as usual, at the Freakout. Innerwoud opens (note the mistake on the official poster), a solo project by the Belgian double bass player Pieter-Jan Van Assche that is not at all easy to follow, long compositions, rhythmic loops and "atmospheric" digressions of (of course) double bass. About twenty minutes, more would have been really hard. After having presided over the merchandise banquet, responding to anyone, selling vinyls, signing CDs and being quietly photographed together with those present who requested it, Marissa takes the stage together with the now long-time collaborator Milky Burgess (excellent his guitar that every now and then even smells about Mark Knopfler in folk sauce), and Monika Khot (owner of a solo project called Nordra) on bass guitar (which I fall in love with before, while she was warming up the stool of the merchandise counter to Nadler herself), to give to the scarce fifty of present a handful of her songs performed almost perfectly, at the level of the albums. Every so often there is a base of sampled drums, every now and then the two musicians help in the choirs, but the voice of the American female singer-songwriter is beautiful and the concert satisfies great. Very good.

Holocene

Bon Iver + Carm, 5 novembre 2022, Mediolanum Forum, Assago MI

Altro concerto rimandato per la pandemia, stavolta non sono solo e l'occasione diventa più una gita che un atto di devozione verso Justin Vernon ed i suoi pards. Arriviamo all'hotel NH Milano Congress Center, non il più vicino al Forum ma per così dire, uno dei più tattici (parcheggio gratuito, e vicinissimo alla passerella che scavalca l'ultimo tratto della Milano-Genova, e porta dritto al Forum) pochi minuti prima dell'orario indicato come inizio del concerto della band di apertura, perché ci siamo attardati a visitare una coppia di amici "di strada". Check in rapido, si appoggiano le borse e ci incamminiamo verso il forum, per una volta quasi zero fila (prendo appunti per la prossima volta), e siamo dentro in cerca del nostro settore. Lo sperimentalismo di CARM, progetto solista di CJ Camerieri, già collaboratore degli stessi headliner, non ci invoglia, e passiamo i tre quarti d'ora a loro dedicati a rifocillarci e a gustarci la passerella di un pubblico adulto, variegato, trendy-povero-chic, coppie di tutti i gusti pronte a "piangere o dormire", come mi risponde uno sconosciuto pronto allo scherzo col quale, poco più tardi, scambierò una battuta perché ci costringe ad alzarci essendo nella stessa fila.

Sarò molto breve, del resto è la mia tendenza ultimamente. Mi piacciono i Bon Iver, fin da poco dopo i loro inizi, me li segnalò un conoscente. Ho ascoltato tutti i suoi dischi, apprezzandoli, seppure, a mio giudizio, le perle di Bon Iver del 2011 sono inarrivabili. Infatti, la scaletta di quasi due ore composta da ventuno tracce, con arrangiamenti profondamente differenti dagli originali, non mi acchiappa molto, e a dirvela tutta, soffro insieme a Matthew McCaughan alla batteria, mai veramente libero di esprimersi al meglio, mai chiamato a suonare uno straccio di 4/4. Grande atmosfera, palco spettacolare e soprattutto luci davvero splendide, pubblico visibilmente soddisfatto (un Forum quasi pieno) così come la band, Justin Vernon voce e chitarra (che ringrazia più volte), S. Carey batteria tastiere e voce, Andrew Fitzpatrick chitarra tastiere voce, Mike Lewis voce, basso e sassofono, Jenn Wasner chitarra e voce, oltre al già citato Matthew McCaughan, mentre io mi emoziono solo poco prima e durante i bis, con Holocene e Perth, e per il resto mi annoio un po'. Però c'ero.

I'll be very brief, after all it's my trend lately. I like Bon Iver, since shortly after their beginnings, an acquaintance pointed them out to me. I have listened to all their records, appreciating them, even if, in my opinion, the pearls of Bon Iver of 2011 are unattainable. In fact, the almost two-hour set of twenty-one tracks, with arrangements that are profoundly different from the originals, does not catch me very much, and to tell you all, I suffer together with Matthew McCaughan on drums, never really free to express himself at best, never called to play one simple 4/4. Great atmosphere, spectacular stage and above all really beautiful lights, visibly satisfied audience (an almost full Forum) as well as the band, Justin Vernon vocals and guitar (who thanks the audience several times), S. Carey drums keyboards and vocals, Andrew Fitzpatrick guitar keyboards vocals, Mike Lewis vocals, bass and saxophone, Jenn Wasner guitar and vocals, in addition to the aforementioned Matthew McCaughan, while I get excited just before and during the encores, with Holocene and Perth, and for the rest I get bored a bit. But I was there.

Photophobic

Crippled Black Phoenix + Møl + Impure Wilhelmina, 2 settembre 2022, Alchemica, Bologna

Ci sono un po' di cose da dire, a proposito di questo concerto, e cercherò di essere breve. Primo: tre band straniere (dovevano esserci anche gli italiani Messa, poi rimossi), tutte molto diverse tra di loro ma tutte rivolte ad un pubblico rock/metal, ad un prezzo ridicolo (+ tessera, ma anche qui, sappiamo essere una scappatoia italiana al contenimento dei prezzi). Risultato, pubblico davvero scarso (il cambio di location dal Link all'Alchemica doveva dirmi qualcosa prima, ma fino al momento del concerto non conoscevo l'Alchemica): conclusione, non possiamo lamentarci quando scorriamo i social e vediamo che la maggior parte delle band non mainstream, nei loro tour, ignorano l'Italia. Secondo (riflessione recente, dopo aver assistito, sempre a Bologna ma in altra location, a Touché Amoré + Coheed and Cambria + Thrice): personalmente trovo interessanti questi concerti con "cartelloni" diversificati. Non conoscevo per niente due delle tre band di stasera, e la cosa mi è servita. 

Locale piccolo, quasi intimo, l'Alchemica di Bologna, dentro al quale, in orario, aprono gli svizzeri Impure Wilhelmina, per un breve concerto dove fanno sentire un post-hardcore in bilico tra altri generi, di buona fattura ma senza grandissima personalità. Il palco di dimensioni ridotte non permette acrobazie, ma la band non pare troppo abituata a "darsi" al pubblico.

Qualche presente in più per i danesi Møl, la band per cui sono qui. Estrosi fin dalle scelte di abbigliamento, non appena attaccano con la loro scaletta, si capisce che hanno una marcia in più. Il loro blackgaze post-black metal è potente come uno schiacciasassi, l'errore della tizia al mixer, che, nell'ottica dell'ottimizzazione si occupa anche delle (scarse) luci, che rilascia una quantità eccessiva di ghiaccio secco, facendo calare la nebbia nel piccolo locale, aumenta l'atmosfera, e il fatto che il cantante Kim Song Sternkopf passi praticamente tutto il concerto tra gli scarsi spettatori anziché sul palco mette la firma sotto una prestazione memorabile, che conferma la mia impressione: si meritano un seguito più ampio.

Chiudono la serata gli inglesi Crippled Black Phoenix, band attiva dal 2004 formata da otto elementi, unico membro superstite degli inizi il chitarrista Justin Greaves, autori di un post-rock progressivo, a tratti psichedelico e sperimentale. Il pubblico rimane sotto le 50 presenze, eppure, anche loro si esibiscono come se sotto il palco ce ne fossero migliaia. Interazione con il pubblico, puntualizzando le loro visioni politiche, fino alla conclusione quando Greaves scende dal palco e lascia la chitarra ad una persona del pubblico, due cantanti con problemi di voce che comunque regalano una prova dignitosa, grandi professionisti. Non è il mio genere, ma tanto di cappello.

Small, almost intimate, the Alchemica in Bologna, inside which, on time, the Swiss Impure Wilhelmina open for a short concert where they make you feel a post-hardcore poised between other genres, of good workmanship but without great personality. The small stage does not allow acrobatics, but the band does not seem too accustomed to "give themselves" to the public.

A few more people for the Danes Møl, the band I'm here for. Whimsical right from the clothing choices, as soon as they attack with their lineup, you understand that they have an edge. Their post-black metal blackgaze is as powerful as a steamroller, the error of the girl at the mixer, who, in the context of optimization, also takes care of the (poor) lights, she release an excessive amount of dry ice, causing the fog in the small venue increases the atmosphere, and the fact that singer Kim Song Sternkopf spends practically the entire concert among the few spectators rather than on stage puts the signature underneath a memorable performance, which confirms my impression: they deserve a bigger following.

Closing the evening the British Crippled Black Phoenix, a band active since 2004 made up of eight elements, the only surviving member of the beginnings the guitarist Justin Greaves, authors of a progressive post-rock, at times psychedelic and experimental. The audience remains under 50 in attendance, yet, they too perform as if there were thousands of them under the stage. Interaction with the audience, pointing out their political visions, until the conclusion when Greaves goes off the stage and leaves the guitar to a person from the audience, two singers with voice problems who still give a dignified performance, great professionals. Not my thing, but hats off.

Portatori di bare

Elder + Pallbearer + Irist, 2 ottobre 2022, Bloom, Mezzago (MI)

Torno al Bloom dopo non so quanti anni, me lo ricordavo vagamente (credo di averci visto i Kyuss, tra l'altro, stranamente per le mie abitudini, in transenna), e mi piace, atmosfera amichevole, una cucina, e, anche perché il meteo lo permette, le band che cenano fuori dal locale mentre gli "early bird" come me attendono l'apertura delle porte.

Aprono, un po' in ritardo sugli orari, gli Irist; la loro bio dice che vengono da Atlanta, Georgia, ma tre di loro vengono dal Sud America (Brasile, Cile, Argentina, lo capite dai nomi): sorprendenti in modo positivo, post metal influenzato dal groove e dallo sludge, con strutture progressive. 

Dopo di loro, la band che credevo suonasse per ultima, e invece no: i Pallbearer da Little Rock, Arkansas. Ve lo dico subito: una prestazione davvero intensa, un doom metal moderno e soprattutto, un suono potentissimo e quasi migliore che su disco. Il pubblico, un centinaio di persone circa, è totalmente coinvolto, trascinato dentro il suono. Mezzago è molto lontana da casa mia, ma ne è valsa la pena.

Chiudono gli Elder, dal Massachusetts. Una frizzante combinazione di stoner e progressive, con un pizzico di doom, che mi fa tornare alla mente nientemeno che i Grand Funk. Anche loro molto bravi tecnicamente, però lo confesso, dopo una prestazione ed un concerto come quello dei Pallbearer, per me può bastare, e me ne vado prima del termine.

The Irist plays first, a little late on schedule; their bio says they are from Atlanta, Georgia, but three of them are from South America (Brazil, Chile, Argentina, you can see it by the names): positively surprising, post metal influenced by groove and sludge, with progressive structures.

After them, the band I thought they've would played last but they didn't: Pallbearer from Little Rock, Arkansas. I'll tell you right away: a really intense performance, a modern doom metal and above all, a very powerful sound and almost better than on record. The audience, about a hundred people, is totally involved, dragged into the sound. Mezzago is a long way from my home, but it was worth it.

Last, the Elder, from Massachusetts. A sparkling combination of stoner and progressive, with a hint of doom, which reminds me of none other than Grand Funk. They are also very good technically, but I confess, after a performance and a concert like that of the Pallbearer, it is enough for me, and I leave before the end.

Great Mass of Color

Deafheaven + Sumac, 12 ottobre 2022, Sala Mon, Madrid

Giusto per introdurre il racconto, dopo più di due anni torno a viaggiare con l'aereo. Due voucher da spendere (residui di viaggi per concerti annullati durante la pandemia; andata da Pisa con Ryanair, ritorno con Iberia/Vueling su Firenze) e scelgo questa data nella quale il tour europeo dei Sumac si incrocia con quello dei Deafheaven (entrambi non toccano l'Italia). Metro da Barajas fino alla Moncloa, un ostello a due passi, un boccone e un bel riposino come gli anziani, e alle 20 sono davanti al Mon (il tutto nel barrio di Chamberì), che apre in orario. Classico club con ingresso tipo discoteca (tunnel), lungo bancone bar, piano superiore (che rimarrà chiuso), palco abbastanza alto, visibilità discreta.

Ancora in orario pressoché perfetto, ecco la creatura di Aaron Turner, con al basso Joe Preston, che come di consueto sostituisce Brian Cook quando è in tour con i suoi Russian Circles. Alla batteria l'ottimo e potentissimo Nick Yacyshyn. 30 minuti scarsi di post-metal tendente al noise, quasi ipnotico.

L'evento continua in perfetto orario (lo so, sono noioso, ma sono anche anziano, e mi fa piacere notare che negli ultimi anni, questa tendenza sta prendendo piede anche in Italia), ed ecco i Deafheaven. Palco essenziale, ma un grande schermo regala dei visual davvero belli, che completano lo spettacolo. La band è musicalmente impeccabile, peccato che, soprattutto sulle tre canzoni iniziali (Shellstar, In Blur, Great Mass of Color), dall'ultimo Infinite Granite, canzoni che ero curiosissimo di sentire dal vivo, George Clarke non indovina una nota che sia una. Mi guardo intorno in cerca di conferma, deluso e sorpreso. Per fortuna, lo stesso George non ha perso il suo carisma e la sua teatralità sul palco, ed il pubblico è nelle sue mani. Quando la scaletta comincia a "guardare al passato" (estratti da Ordinary Corrupt Human Love, New Bermuda, Sunbather, ed il singolo del 2014 From the Kettle Onto the Coil), anche se ci saranno altri due brani da Infinite Granite (The Gnashing, Mombasa), e Clarke torna a ringhiare, i Deafheaven tornano ad essere la macchina da guerra che ricordavo. Peccato.

Still on almost perfect time, here is the creature of Aaron Turner, with Joe Preston on bass, who as usual replaces Brian Cook when he is on tour with his Russian Circles. On drums the excellent and powerful Nick Yacyshyn. 30 minutes of post-metal tending to noise, almost hypnotic.

The event continues on time (I know, I'm boring, but I'm also elderly, and I'm pleased to note that in recent years, this trend has also been taking hold in Italy), and here is Deafheaven. Essential stage, but a large screen offers really beautiful visuals, which complete the show. The band is musically flawless, too bad that, especially on the three initial songs (Shellstar, In Blur, Great Mass of Color), from the last Infinite Granite, songs that I was very curious to hear live, George Clarke does not guess a note. I look around for confirmation, disappointed and surprised. Fortunately, George himself has not lost his charisma and theatricality on stage, and the audience is in his hands. When the setlist begins to "look to the past" (excerpts from Ordinary Corrupt Human Love, New Bermuda, Sunbather, and the 2014 single From the Kettle Onto the Coil), although there will be two more tracks from Infinite Granite (The Gnashing, Mombasa), and Clarke growls again, Deafheaven are back to being the war machine I remembered. What a pity.

Lost Paradise

Paradise Lost + Hangman's Chair, 14 ottobre 2022, Campus Music Industry, Parma

Dopo la mia toccata e fuga a Madrid (ve ne parlo domani) per un concerto e per "riprendere la mano" al volo, mi faccio questo concerto più per curiosità e per recuperare un voucher su Ticketone (concerto di Alcest annullato nel febbraio 2020; la difficoltà di recuperare un voucher Ticketone sta nel fatto che devi farlo con un concerto organizzato dallo stesso promoter). Non ultimo, come motivo, il fatto che il Campus di Parma mi è parso un locale discreto, e non è così lontano come Milano.

Aprono i francesi Hangman's Chair, spesso in tour con Alcest, ma molto diversi nell'approccio: il loro è un metal che parte dal doom e si fonde con il metal classico, lo stoner e perfino il gothic. A occhio, e aiutandosi con i loro nomi, sono tutti o quasi (formazione a quattro, uno dei chitarristi canta) figli o nipoti di immigrati, cosa normale in Francia e che me li fa subito rimanere simpatici. Suono molto potente, non particolarmente originali, ma c'è di peggio.

I Paradise Lost sono una sorta di istituzione doom/goth, e sul palco si vede. Curioso il fatto che per quattro quinti, la band è rimasta la stessa del 1988, mentre i batteristi sono cambiati continuamente. Per questo tour addirittura c'è un batterista italiano, Guido Montanarini, conosciuto anche come Guido Zima con gli Strigoi. Una scaletta imponente, bilanciatissima con si cinque estratti dall'ultimo Obsidian, ma anche altri undici brani scelti lungo la lunghissima discografia della band inglese, un suono cristallino a dispetto delle sfumature oscure, un cantante impeccabile, Nick Holmes, che dialoga spesso e volentieri con il pubblico ma senza mai risultare un esaltato, in maniera molto british. Non mi esaltano particolarmente, ma mi tolgo ugualmente il cappello.

The opener are the French Hangman's Chair, often on tour with Alcest, but very different in the approach: theirs is a metal that starts from doom and blends with classic metal, stoner and even gothic. By eye, and with the help of their names, they are all or almost all (formation of four, one of the guitarists sings) children or grandchildren of immigrants, which is normal in France and which makes them immediately sympathetic to me. Very powerful sound, not particularly original, but there is worse.

Paradise Lost is something of a doom/goth institution, and on stage it shows. Curious is the fact that for four fifths, the band has remained the same as in 1988, while the drummers have changed continuously. For this tour there is even an Italian drummer, Guido Montanarini, also known as Guido Zima with Strigoi. An impressive setlist, very balanced with five extracts from the last Obsidian, but also eleven other songs chosen from the very long discography of the English band, a crystalline sound in spite of the dark shades, an impeccable singer, Nick Holmes, who often and willingly converses with the public but without ever being exalted, in a very British way. They don't particularly excite me, but I take off my hat anyway.

Shoulders

Thrice + Coheed and Cambria + Touché Amoré, 28 ottobre 2022, Estragon, Bologna

Con qualche strascico di COVID (ebbene si, dopo 2 anni e mezzo l'ho preso anch'io), che dolorosamente mi fa rinunciare agli Alexisonfire a Monaco (sarebbero stati il 27), torno all'Estragon dopo qualche tempo, e tutto sommato ne vedo i lati positivi: un po' più grande e meno claustrofobico di un club, nessun problema di parcheggio, un palco decente. Stavolta, tra l'altro, l'organizzazione stravince a proposito di uno dei punti ai quali sono più che attento: gli orari non solo sono rispettati alla perfezione, ma addirittura in un paio di casi (apertura porte e l'inizio dell'esibizione dell'ultima band) si anticipa. Stimerei il pubblico intorno alle 300 presenze abbondanti (ma, ovviamente, prendete sempre le mie valutazioni con le molle).

Aprono i Touché Amoré da Los Angeles, e c'è da dire che sono il motivo per cui sono qui stasera. Li avevo persi nel 2019 a Milano, prima dei Deafheaven e pur avendo il biglietto, per una storia che non voglio più rivangare, per cui per me è importante chiudere il cerchio. 30 minuti scarsi per un'esibizione tutta cuore, durante la quale il cantante Jeremy Bolm riesce a trasmettere perfettamente l'empatia che trasuda da ogni sua azione. La musica è coerente con il loro percorso, gli strascichi dell'hardcore lasciano spazio ad una sorta di evoluzione intellettuale dell'emo, e a quelli che sono qui per loro va bene così.

Dopo di loro, i Coheed and Cambria di Claudio Sanchez, al quale invidio tremendamente i capelli non appena si presenta sul palco. Mi piacciono su disco, ma ammetto che mi sorprendono in positivo: la prima mezz'ora, durante la quale a mio parere inanellano i loro pezzi più riusciti, risulta davvero eccitante. Poi calano un poco, quando si incartano su struttura troppo progressive e ritornelli meno orecchiabili, ma ovviamente la tecnica è impeccabile e la presenza scenica è da band navigata.

Chiudono i Thrice, che avevo schifato (non conoscendoli) alcuni anni fa solo per assistere all'esibizione dei Brutus, sempre a Bologna. Aprono in anticipo sul programma, ma un problema al basso fa si, in pratica, che dopo il primo pezzo ci sia uno stop di circa 5 minuti che raffredda un poco l'atmosfera. Molto bravi anche quando rispolverano qualche canzone antichissima che ricorda la loro provenienza hardcore, compatti e misurati, il marchio di fabbrica è sia la bellissima voce di Dustin Kensrue che la struttura delle loro composizioni, fluide alla perfezione. Degna conclusione.

The opening are Touché Amoré from Los Angeles, and it must be said that they are the reason why I'm here tonight. I lost them in 2019 in Milan, before Deafheaven and despite having the ticket, for a story that I don't want to go back to anymore, so it's important for me to close the circle. Scarcely 30 minutes for a whole-hearted performance, during which singer Jeremy Bolm manages to perfectly convey the empathy that he exudes from every action of him. The music is consistent with their path, the aftermath of hardcore leaves room for a sort of intellectual evolution of the emo, and those who are here are fine with them.

After them, Claudio Sanchez's Coheed and Cambria, whose hair I envy tremendously as soon as he shows up on stage. I like them on record, but I admit that they surprise me positively: the first half hour, during which in my opinion they plays their most successful tracks, is really exciting. Then they drop a little, when they wrap themselves on a too progressive structure and less catchy choruses, but obviously the technique is impeccable and the stage presence is like an experienced band.

In closing Thrice, which I had avoided (not knowing them) a few years ago just to attend the performance of Brutus, still here in Bologna. They open early on the program, but a problem with the bass guitar forced them, in practice, to a stop of about 5 minutes which cools the atmosphere a little. Very good even when they dust off some ancient song that recalls their hardcore provenance, compact and measured, the trademark is both the beautiful voice of Dustin Kensrue and the structure of their compositions, fluid to perfection. Worthy conclusion.

The Chant

Gojira + Alien Weaponry + Employed to Serve, 31 luglio 2022, Carroponte, Sesto San Giovanni (MI)

Un altro concerto rimandato per mesi ed infine, modificato a livello di luogo per una forte domanda di biglietti, mi porta stavolta nel sobborgo milanese una volta conosciuto come "Piccola Stalingrado", Sesto San Giovanni, in una delle molte giornate caldissime di questa caldissima estate 2022. Mi metto in coda verso le 18, visto che gli orari ufficiali segnalavano l'apertura alle 18,30 e l'inizio dei concerti alle 19, dato che sono interessato a tutte e tre le band che si esibiranno stasera, e noto che l'ingresso di questo curioso locale è esattamente davanti al cancello di ingresso di un cliente della società per cui lavoro, ma questa è un'amenità poco interessante. Quello che è interessante è che il Carroponte, ricavato da una parte dell'ex stabilimento della Breda Siderurgica, all'interno del parco archeologico industriale, dove non ero mai stato fino ad oggi, è davvero ben organizzato: grandi spazi, bel palco, tanti punti per bere, mangiare, comprare il merchandising. Entro mentre gli Employed to Serve, da Woking UK, stanno eseguendo la loro iniziale (anche del loro ultimo Conquering) Universal Chokehold, e quindi il primo obiettivo della giornata è centrato: riuscire a vederli. Il loro ultimo disco mi aveva impressionato favorevolmente, vedendoli dal vivo si percepisce la passione ma mi aspettavo di più, soprattutto considerando il fatto che il disco dell'anno scorso è il quarto. Il set è composto da sei tracce, poco più di 30 minuti, un po' troppo fermi sul palco, ma il pubblico gradisce ed incoraggia, e anche io apprezzo moderatamente. Giro di perlustrazione, un panino e una birra, alle 19,30 ecco il trio neozelandese degli Alien Weaponry Esattamente al contrario rispetto agli Employed to Serve, il loro ultimo album non mi aveva entusiasmato troppo, ma devo ammettere che la loro miscela di groove metal e haka maori, dal vivo funziona ed è molto coinvolgente. Il loro set è leggermente più lungo, otto tracce per circa tre quarti d'ora, e, anche se non ce ne sarebbe bisogno, scalda il pubblico che sta lentamente crescendo. Mentre aspetto le 21, mi piazzo strategicamente al lato del palco, in linea d'aria molto vicino ma diagonalmente, e mi vedo passare davanti più volte, portando le attrezzature varie verso i mezzi di trasporto, una strana accozzaglia: ragazzi di colore assunti evidentemente "alla giornata" e visibilmente spaesati sul palco durante lo smontaggio, addetti alla sicurezza polivalenti e palestrati, e i vari componenti delle due band di apertura: impressionante il tatuaggio facciale del bassista degli Alien Weaponry Tūranga Morgan-Edmonds. 

Alle 21 la musica diffusa dagli altoparlanti "vira". Si abbassano le luci ed inizia un conto alla rovescia sullo schermo gigante che spalleggia il palco. Ci siamo. L'ingresso di Mario DuPlantier, un batterista che personalmente mi piace moltissimo a livello di stile, è salutato da una vera e propria ovazione, nettamente più amato rispetto al resto della band, suo fratello Joe compreso. Magari è solo per il nome, resta il fatto che stasera Mario darà spettacolo. La scaletta è sbilanciata (sette estratti dall'ultimo Fortitude) verso le cose recenti, ma non mancano ripescaggi, addirittura dai primi due album (una medley tra Love e Remembrance). Le trovate sceniche divertenti, l'atmosfera è di coinvolgimento e divertimento, empatia da e verso la band, ma al tempo stesso si capisce che il pubblico condivide il messaggio che i quattro ragazzi francesi vogliono trasmettere. Il suono potente in modo impressionante, la precisione di tutti e quattro davvero notevole. Verso il finale, The Chant è un abbraccio catartico, come detto, tra la band e i circa 5.000 presenti. Si finisce con Mario avvolto nel tricolore, e un paio di bambini (non saprei dirvi di chi) che salutano dal palco insieme alla band. Un concerto memorabile per una band che probabilmente ha raggiunto il suo zenith.

At 9 pm the music spread by the loudspeakers changes. The lights go down and a countdown begins on the giant screen that backs the stage. Here we are. The entry of Mario DuPlantier, a drummer that I personally like very much in terms of style, is greeted by a real ovation, much more loved than the rest of the band, including his brother Joe. Maybe it's just for the Italian name, the fact remains that Mario will put on a show tonight. The setlist is unbalanced (seven extracts from the last Fortitude) towards recent things, but there is no shortage of repechage, even from the first two albums (a medley between Love and Remembrance). The scenic ideas are amusing, the atmosphere is of involvement and fun, empathy from and towards the band, but at the same time we understand that the public shares the message that the four French guys want to convey. The impressive sound, the precision of all four truly remarkable. Towards the end, The Chant is a cathartic embrace, as mentioned, between the band and the approximately 5,000 present. We end up with Mario wrapped in the Italian tricolor, and a couple of children (I can't tell you whose) greeting from the stage together with the band. A memorable concert for a band that has probably reached its zenith.

Danny

Idles + Calzeeni, 15 luglio 2022, Parklife Festival Parco d'Europa, Padova

Altro concerto rimandato per ben due anni, nel frattempo la band di Bristol ha fatto uscire ben due album. Ma adesso ci siamo. Stavolta mi muovo in treno, parto presto, e faccio in tempo a fare come piace ultimamente a me, riconoscendo che c'ho una certa età: una bella dormita nel pomeriggio. Ci troviamo con gli amici, che vengono da mezza Italia, e ceniamo nei pressi della venue: il buon cibo e la compagnia fanno quasi dimenticare il caldo quasi assurdo che fa. Ci perdiamo la band di apertura, da veri snob, ma al momento giusto siamo dentro.

Il momento atteso per due anni: si parte con Colossus, ed il pensiero va immediatamente al collega belga che me li ha fatti conoscere, quasi pregandomi non solo di ascoltarne la musica, ma di cercarli dal vivo. Ed è così, seppure si faccia fatica a spiegare quale sia la grandezza degli Idles dal vivo. Non sono dei fenomeni tecnicamente, non fanno niente che non si sia già ascoltato, niente che non si sia già visto (musicisti che suonano e cantano galleggiando sopra il pubblico, una grande carica sul palco seppure siamo lontani dalla dinamicità dei mai troppo rimpianti Dillinger Escape Plan), ma sono, questo si, persone che credono fermamente in alcune convinzioni, oggi un po' passate di moda, e lo manifestano fermamente, seppure in inglese, e si fanno capire. A volte sono piccole cose, come il plateale zittire i "buh" di una parte del pubblico quando citano casualmente la Francia durante una presentazione, da parte del cantante Joe, sottolineando che non esistono frontiere e che siamo tutti fratelli, a volte vere e proprie dichiarazioni politiche (non solo tutte le loro liriche, ma cito ad esempio l'introduzione di quello che, a distanza di anni, è ancora la loro canzone da me preferita, Danny Nedelko, sempre da parte di Joe: "this is for all the immigrants!"). Insomma, la loro gratitudine per essere presenti (sia noi che loro), la loro empatia sincera, il loro simpatico atteggiamento spesso clownesco, spensierato, il loro modo di vestire che denota assoluto disinteresse a qualsiasi tipo di moda, tutto, insieme al loro post-punk dritto, dinamico, danzereccio, grezzo e ruspante, ma estremamente onesto, li rende una delle migliori band live attualmente sulla piazza. Un'ora e mezzo abbondante, la scaletta la trovate qui, di un altro concerto che renderà questa estate 2022 difficile da dimenticare. Anche stavolta, chi non c'era non sa cosa si è perso.

The expected moment for two years: we start with Colossus, and my thoughts immediately go to the Belgian colleague who introduced me to them, almost begging me not only to listen to their music, but to look for them live. And so it is, even if it is difficult to explain what the greatness of the Idles live is. They are not technically phenomena, they do nothing that has not already been heard, nothing that has not already been seen (musicians who play and sing floating above the audience, a great charge on stage even if we are far from the dynamism of the never too regrets Dillinger Escape Plan), but they are, yes, people who firmly believe in certain beliefs, now a little out of fashion, and firmly manifest it, albeit in English, and make themselves understood. Sometimes it's small things, like the blatant call to silence of the "buh" of a part of the audience when they casually mention France during a presentation, by the singer Joe, underlining that there are no borders and that we are all brothers, sometimes real and proper political statements (not only all their lyrics, but I quote for example the introduction of what, years later, is still my favorite song, Danny Nedelko, again by Joe: "This is for all the immigrants!"). In short, their gratitude for being present (both us and them), their sincere empathy, their friendly, often clownish, carefree attitude, their way of dressing that denotes absolute disinterest in any type of fashion, everything, together with their post-punk squared, dynamic, almost to dance on, raw and free-range, but extremely honest, makes them one of the best live bands currently on the square. An hour and a half abundant, you can find the setlist here, of another concert that will make this summer 2022 difficult to forget. Once again, those who weren't there don't know what they missed.