in piedi sul tetto

Standing On The Rooftop - Madeleine Peyroux (2011)

Con la vecchiaia devo riconoscere che il jazz, soprattutto cantato da voci femminili, non mi dispiace affatto. Qualcuno si ricorderà di questa recensione "di gruppo", nella quale per la prima volta mi confrontavo anche con la schiva ragazza del sud degli USA, ma di origini evidentemente francesi, insieme a due illustri e bravissime colleghe.

Anche questo nuovo lavoro mi piace un bel po'; la sua voce è sempre simile a quella di Billie Holiday, piacevolissima, e si sente che i pezzi, seppur convenzionali, risentono di un grande lavoro.

Se partiamo dalle cover presenti, abbastanza esplicative delle radici, parliamo di una oscura ma interessante versione di Love In Vain, originariamente di Robert Johnson, dopo di che abbiamo, in apertura, una deliziosa versione con banjo di Martha My Dear (premiata ditta Lennon/Mccartney), fino ad arrivare ad una americanissima I Threw It All Away di Dylan. Ci sono da aggiungere alcune particolarità. Una è quella di Lay Your Sleeping Head, My Love, un pezzo delicato e quasi barocco, composto da Marc Ribot, che naturalmente suona su tutto il disco, adattando una poesia di W.H. Auden. Un'altra è la sinuosa The Kind You Can't Afford, anche questa molto interessante, composta insieme a Bill Wyman; collaborazione che si estende alla seguente Leaving Home Again, più rilassata, ma anche questa niente male. Da rilevare che seguono un paio di pezzi composti insieme alla violinista Jenny Scheinman, The Things I've Seen Today, apprezzabile tex-mex, e il lentone da struscio Fickle Dove.

Negli altri pezzi (in tutto sono ben quindici), la Peyroux scrive da sola, o con collaboratori fidati. Risaltano in maniera evidente almeno altre tre canzoni: la jazzatissima Meet Me In Rio, dal retrogusto intuibile fin dal titolo, l'intrigante Superhero, e la favolosa, davvero, Don't Pick A Fight With A Poet, splendida, divertente, raffinata. Non che gli altri pezzi siano inferiori, ma queste tre, soprattutto quest'ultima, lasciano il segno.

Bel disco.

Collapse. How Societies Choose to Fail or Succeed

Collasso. Come le società scelgono di morire o vivere - di Jared Diamond (2005)

Cos'è accaduto agli abitanti dell'Isola di Pasqua? Perché improvvisamente hanno smesso di erigere i Moai? E come, esattamente, è collassata la civiltà Maya? E quella meno conosciuta degli Anasazi, che abitava il sud del territorio attuale degli Stati Uniti d'America? Com'è stato possibile uno squilibrio così impressionante tra le nazioni di Haiti e quella di Santo Domingo, seppure fossero parte della stessa isola? Perché i Vichinghi sono arrivati nel Nord America diversi secoli prima dell'arrivo di Cristoforo Colombo nei Caraibi, e non ci sono rimasti? E come mai, anche in Groenlandia, a differenza degli Inuit, non hanno attecchito per più di qualche secolo? E pensare che in Islanda, con una situazione ambientale non certo favorevole, hanno prosperato, e sono arrivati fino ad oggi, praticamente? Possiamo apprendere qualcosa da queste storie, visto che, più o meno, siamo tutti preoccupati dello stato di salute del pianeta Terra?

No, non sto parlando degli enigmi che Roberto Giacobbo presenta a Voyager. Stiamo parlando dell'ultimo, per adesso, monumentale saggio di Jared Mason Diamond, biologo, fisiologo, premio Pulitzer per la saggistica nel 1998 per il suo straordinario Armi, acciaio e malattie, un libro che mi ha davvero aperto la mente, appassionato, e che cito continuamente, a distanza di anni, per le particolarità che spiega in maniera assolutamente semplice e lineare.

Che cosa si prefigge, stavolta, il professor Diamond, visto che anche con Guns, germs and steel aveva un obiettivo ben chiaro (dimostrare che il razzismo non ha fondamento, e che le diverse civiltà, nei diversi continenti, non si sono evolute allo stesso modo soltanto per fattori ambientali, e non certo per migliori o peggiori attitudini verso il progresso, e quindi non perché la "razza" europea fosse superiore alle altre)? Anche stavolta, al tempo stesso ambiziosamente, ma con un profilo piuttosto basso, Diamond illustra ed argomenta una serie importante di esempi storici, alcuni dei quali da me citati e riassunti nell'accenno al contenuto del libro, e ben esplicati dal sottotitolo del libro (come le società scelgono di morire o vivere), per contribuire ad una presa di coscienza quanto più possibile di massa, e quindi tentare di correggere la rotta, per evitare che il terzo pianeta a partire dal sole collassi, per super sfruttamento, esaurimento delle materie prime, e sovrappopolazione. Passatemi il paragone, una sorta di No Logo con un approccio quantomai scientifico e storicamente perfettamente contestualizzato.

Come sempre, il professore dal riporto inquietante, ma dalla mente sopraffina, con questo tomo di oltre 500 pagine, riesce decisamente ad interessare il lettore curioso. Una specie di viaggiatore come me, che ha tra l'altro avuto la fortuna di visitare alcuni dei molti luoghi narrati e "spiegati" a fondo, anche attraverso la loro storia, dall'autore, verrà sicuramente rapito dalla prosa semplice, che riesce a rendere terra terra argomenti complessi, e che non rinuncia mai alla battuta simpatica; ma sono sicurissimo che anche chi non ha viaggiato poi molto, anzi, forse ancora di più, potrà senza dubbio godere della informale saggezza di Diamond, ed immaginarsi luoghi mai calcati, conoscerne l'evoluzione e la storia ragionata. A parte questo, la schematicità non pesante aiuta chi, come me, scienziato proprio non è, ma interessato si. Molto interessante anche il grande equilibrio con il quale si affrontano temi anche scottanti, temi che spesso creano discussioni come minimo (società petrolifere e minerarie, sfruttamento del suolo e dei mari). Certo, è vero, come notano in molti, che questo libro sia l'ideale continuazione del già citato Armi, acciaio e malattie, ed è per questo che, se ne aveste voglia, vi caldeggio di procedere con ordine, e leggervi prima quello (ma non è obbligatorio, sia chiaro). Rimarrete stupiti dalla scorrevolezza dei libri, e dallo stile colloquiale e mai pesante. Ed "uscirete" da queste esperienze, sicuramente arricchiti.

è una specie di storia buffa

It's Kind of a Funny Story - di Anna Boden e Ryan Fleck (2010)

Giudizio sintetico: si può vedere (3/5)

Giudizio vernacolare: bellino!

Craig è un adolescente di New York, ha una sorella più piccola, due genitori che caricano entrambe i figli di aspettative, soprattutto il padre, con la sua presenza/assenza, ed il suo lavoro ben retribuito, probabilmente nell'ambito finanziario. La sorellina Alissa è un genietto, mentre Craig è un ragazzo "solamente" intelligente e sensibile, con passioni, interessi e voglie perfettamente nella media. Ma si ritrova sempre più spesso a sognare e ad immaginarsi il suo suicidio, e la cosa sconvolgente è che, anche con l'immaginazione, quello che lo ferma è la sua famiglia e le loro aspettative riflesse su di lui. Stanco di soffrire per queste continue fantasie, stanco di essere invaghito dell'amica Nia, che è felicemente fidanzata col suo migliore amico, Aaron, una notte si reca all'ospedale ed insiste per essere ricoverato in psichiatria. Il dr. Mahmoud lo accontenta, e Craig, convinto di uscire il giorno dopo per andare a scuola, scoprirà un mondo nuovo, e prenderà coscienza di alcune cose...

Incuriosito da Keir Gilchrist (qui protagonista nei panni di Craig) e dal suo personaggio in United States Of Tara, sono andato a cercarmi questo film relativamente nuovo, uscito in Italia direttamente in dvd qualche mese fa. E devo dire che sono rimasto soddisfatto, e piacevolmente colpito da questa sorta di commedia semi-drammatica con risvolti psicologici, sul tema della depressione, dell'ansia da prestazione, e, come sottolineato più volte nel riassunto della trama, sulle aspettative che i genitori ripongono, in maniera psicologicamente violenta, sui figli, soprattutto quelli delle classi medio-alte.

I due registi, che collaborano ormai da diversi film, hanno un bel tocco, con momenti onirici (i disegni di Craig, e i suoi sogni) e sopra le righe (Under Pressure) in momenti però perfettamente circoscritti, riuscendo però a confezionare un prodotto molto low profile, e facendo lavorare tutto il cast in maniera adeguata e mai un tono sopra; si perdona loro pure un finale rassicurante, e qualche sbavatura di troppo nel pre-finale (Muqtada), tanto il film risulta carino e musicato dai Broken Social Scene, senza stare ad elencare gli altri estratti da una colonna sonora da leccarsi i baffi.

Bravo Gilchrist, molto bravo Galifianakis (Bobby), apprezzabili Emma Roberts (Noelle) e la sempre deliziosa Zoe Kravitz (Nia). Sempre inquietante, invece, Matthew Maher (Humble).

il futuro è medievale

The Future Is Medieval - Kaiser Chiefs (2011)

Eccoci dunque ad un ulteriore step nella diffusione della musica on line: i Kaiser Chiefs hanno pubblicato 20 pezzi nuovi, sul loro sito, ascoltabili parzialmente, ed hanno invitato gli interessati ad acquistarne 10, componendo così la loro personale versione di The Future Is Medieval, a 7,50 sterline. Inoltre, chiunque acquista può creare la copertina; chi, degli altri, acquisterà quella copertina, verserà una piccola cifra all'autore (una sterlina). Bravissimi e avantissimo.

Veniamo alla musica. Nel complesso, i venti nuovi pezzi degli inglesi mi danno l'impressione di staccarsi leggermente dalle loro produzioni del passato; non perdono la loro attitudine cazzara, ma così, a senso, la attenuano. E tornano nel passato, affondando a piene mani nel post-punk, e soprattutto nella new wave degli anni '80, e non solo; tanto che, per dire, in Little Shocks sembrano la versione attualizzata dei Devo, e in When All Is Quiet paiono i Supertramp!

Manca, forse, il singolo che entra nelle orecchie e spacca le classifiche, ma ci sono un sacco di pezzi che dopo un paio di ascolti si impossessano dell'ascoltatore, sinuosi. Man On Mars, Problem Solved (e anche qui le chitarrine dei Devo suonano forti e chiare), Cousin In The Bronx (spassosa, ironica e divertente, probabilmente la mia preferita), Saying Something, sono solo alcune tracce interessanti, in un disco che, complessivamente, segna, a mio giudizio, una discreta evoluzione nell'economia musicale dei Kaiser Chiefs.

accompagnare giù

Siccome sono fissato con questa canzone ormai da qualche anno, ogni tanto mi faccio un giro sul tubo e vedo se ne è uscita una versione più bella (anche se LA versione definitiva fu quella da me richiesta in Polonia).

E devo dire che questa non è male. Un ulteriore grazie a chi mi ha aiutato nel (vano) tentativo di comprendere bene il testo. Quel che ho compreso però mi basta.

All Families Are Psychotic

La sacra famiglia - di Douglas Coupland (2003)

La famiglia Drummond viene da Vancouver, anche se Ted, il patriarca, è statunitense. Ted ha divorziato da Janet, dalla quale ha avuto tre figli: Wade, Bryan e Sarah. Ted ha sposato poi Nickie, una classica moglie-trofeo, mentre Janet sta ancora tentando di ricostruirsi un'esistenza, aiutandosi con internet. Ted è sempre stato un padre violento e alcolizzato. Wade è perennemente arrabbiato col padre, ha girato gli States vivendo di espedienti, ha contratto l'AIDS, ed ha conosciuto Beth, che ha deciso di sposare, in un gruppo di supporto per malati di malattie sessualmente trasmissibili. Bryan è perennemente depresso, ha tentato il suicido più volte, e adesso sta insieme ad una ragazza chiamata Shw, attivista ecologista, dal carattere intrattabile. Shw è incinta, e vuole abortire: Bryan è disperato. Sarah è la perla della famiglia: nata senza una mano, a causa del Talidomide usato dalla madre mentre era incinta di lei, mente brillante, è diventata astronauta, e sta per partire con lo Shuttle. Ecco perché la famiglia si riunisce tutta in Florida.

Diavolo di un Coupland. Lo so, spesso inizio così i commenti ad un libro di uno dei miei autori preferiti: altrimenti non sarebbero preferiti. Riescono sempre a stupirmi, a spiazzarmi, a lasciarmi a bocca aperta con le loro trame, i loro dialoghi, le loro trovate pazzesche e, al tempo stesso, utili e funzionali allo sviluppo di una sottile critica alla società odierna, pur usando la farsa come struttura portante dei loro romanzi. Non è l'unico, Coupland, ma è senza dubbio uno tra i migliori. Per ragioni imperscrutabili, l'avevo perso un po' "di vista", e recupero solo adesso questo suo libro del 2003 (la traduzione italiana), che segue Miss Wyoming.

Che dire? Già il piccolo riassunto della trama, anzi, solo un accenno ai personaggi principali (ma ce ne sono di altri, marginali, assolutamente spassosi, nel romanzo), vi può far capire dove si viaggia. Il romanzo è pazzesco, inverosimile, roboante, con colpi di scena che ti lasciano secco, dialoghi pirotecnici, e, come nello stile di Coupland, tutto serve per tirare fendenti al marcio della società americana, a sbeffeggiarla con bastone e carota.

Lettura consigliatissima, veloce e appassionante, a chi non difetta di sarcasmo ed ironia feroce, nonché gusto per lo sberleffo. Coupland è ciò che fa per voi.

numbers

Numeri - Raf (2011)

Visto che il coming out lo feci già nell'occasione di Metamorfosi, adesso posso andare tranquillo. Il nuovo disco di Raf è, come suo solito, un onestissimo lavoro musicale, che rispetta le sue classiche coordinate, e dà discrete soddisfazioni, all'ascoltatore non prevenuto.

Riflettendoci sopra, quello che differenzia sottilmente Raf dalla canzonetta italiana, e pure dal cantautorato cosiddetto impegnato, è una costante attenzione alla modernità dei suoni e, dall'altro lato, un romanticismo adulto e consapevole, espresso con testi non scontati, spesso scegliendo termini inconsueti per canzoni d'amore. Sempre per rimanere "in mezzo", Raf non ha mai nascosto le sue simpatie politiche, e qua e là, distribuisce pillole di critica sociale, in mezzo a storie d'amore travolgenti, anche quando sono amori finiti male.

Esempio clamoroso del suo "schieramento", la title-track di questo nuovo Numeri: posta in apertura, Raf finalmente si decide a "prendere in prestito" un rapper vero (ha da sempre questa tendenza, a provare a rappare su alcuni pezzi, con risultati non certo incoraggianti), nella persona di Frankie Hi NRG, gli affianca nientemeno che Nathalie, si proprio la vincitrice della quarta edizione di X Factor, e lui si limita a mettere punti e virgole. Ne esce fuori un pezzo davvero sorprendente, che racchiude e amalgama le tre anime dei tre musicisti in maniera ottima (da sottolineare l'elegante, e al tempo stesso cruda, citazione di Frankie, quando dice "forse solo oggi lo sappiamo per davvero cos'è restato di quegli anni '80: lo zero", quantomai azzeccata in un pezzo che critica l'involuzione italica).

Ma il nostro prode, pur proseguendo da solo per gli altri dieci pezzi del disco, non se la cava certo male. Tra ballate classiche col piano a far da protagonista (Senza cielo, Oltre di noi, Un tempo indefinito, Il mio scenario, anche se quest'ultima si trasforma ben presto in robusta rock ballad suonata ottimamente), altre da chitarra acustica (Ogni piccola cosa, scritta con la moglie, Un'emozione inaspettata), e mid-tempos dai sapori differenti (Mai del tutto, Controsenso, Nuovi mondi), fino ad un pezzo difficile da descrivere, quale Vertigine, che parte come semi-ballad acustica, e nel finale si trasforma in una cavalcata jazz-rock, Raf racconta storie nelle quali ognuno si può riconoscere, tutte sospese tra un sottile senso di malinconia, e una visione ottimistica del futuro, che confida nelle persone di buona volontà.

Il disco, è bene sottolinearlo ancora una volta, è suonato alla grande da tutti i musicisti, e gli arrangiamenti, come detto prima, sono al passo coi tempi. Musica godibile, e testi, anche questo concetto già espresso più e più volte, che a volte lasciano sbalorditi, perché ogni volta, almeno uno (all'interno di un suo disco), sembra essere quello che ti descrive in quel momento.

Raf, come notava Exit qualche giorno fa, è pure un personaggio schivo, che non ci tiene ad apparire, e che vuol mantenere la sua vita privata lontana dai riflettori (lo ribadiva ultimamente anche sul suo sito): anche per questo, mi piace. Massimo rispetto.

Oltre alla title-track, vi caldeggio Il mio scenario e (questo l'ho già fatto) Mai del tutto.

Sensazione paragonabile: come quando sei giù, un amico ti ascolta, ti dice che c'è passato anche lui, e ti cinge le spalle con un braccio.

accétta

Hatchet - di Adam Green (2010)

Giudizio sintetico: si può vedere (2,5/5)

Giudizio vernacolare: arriva un'antro fenomeno...

Louisiana, poco fuori New Orleans. Sampson ed il figlio Ainsley sono a pesca in un lago (ma è più una palude) di notte. Accade qualcosa di spaventoso.

New Orleans, tutti in strada a festeggiare il Mardi Gras. Tutti si divertono, meno Ben, che gli amici hanno portato lì per distrarsi. La ragazza lo ha lasciato, per mettersi con un altro, e lui ha il cuore spezzato, e non riesce a non pensarci. Decide che il divertimento non fa per lui, e di andare quindi a fare il giro guidato delle paludi attorno alla città. Marcus, uno degli amici, non intende lasciarlo solo, e si unisce a lui, seppur a malincuore. Dopo un tentativo andato a vuoto, eccoli che partono, guidati dall'inesperto ma logorroico Shawn, di evidenti origini asiatiche. La compagnia è altamente variegata: ci sono Jim e Shannon, una coppia di mezz'età, Doug Shapiro, produttore e regista di film porno, insieme a due aspiranti attrici, Misty e Jenna; infine, oltre naturalmente a Marcus e Ben, c'è la taciturna Marybeth. Shawn racconta la leggenda di Victor Crowley, il cui fantasma si aggirerebbe ancora per la palude, e quando il barcone si incaglia in una roccia, ed il gruppo si ritrova in balia della notte, il fantasma pare materializzarsi...

Secondo lungometraggio dopo Coffe & Donuts, è però il film che ha dato la notorietà ad Adam Green (quello di Frozen), anche se non ha girato molto nelle sale in tutto il mondo, ma soprattutto i festival, è del 2006 ed in Italia è uscito lo scorso anno. Il sottotitolo sulla locandina americana recita "Old school american horror": niente poteva essere più indovinato. Il film piace, ed è piaciuto, proprio per questo. Nessuna velleità intellettuale, solo un sano e vecchio horror con gli ingredienti considerati classici: qualche ragazza carina e più o meno svestita, sventramenti, decapitazioni, amputazioni, fiotti di sangue inverosimili, buio, effetto sorpresa, un personaggio deforme destinato a diventare il protagonista di una serie infinita di sequel, scenografia palesemente ricostruita in teatri di posa, colonna sonora vagamente metal (interessante la versione alternativa di This Is The New Shit di Marilyn Manson, usata anche nell'originale, che vede la partecipazione di Goldfrapp), molte morti senza starci a pensare troppo.

Recitazioni non troppo raffinate, varie apparizioni di personaggi famosi per classici horror (Robert Englund, Tony Todd). Però funziona.

Stella e capolinea

Notte fresca e stellata

penso a te

mi sovviene un luogo

dove le stelle sono altre

dove ho provato emozioni inenarrabili

solo guardandole.

Vorrei portarti meco

lì, dove la notte è più notte

dove il cielo è infinito

e prometterti solo gioia.

I nostri cammini furono perigliosi

ma adesso, che i frutti sono maturi

si sono incrociati ancora.

Ti guardo, e vedo in te il futuro

vedo in te la beltà

mi aspetto

di risplendere alla luce

della tua cristallina purezza.

Non avere più timore

non negarti

un bagno nel fiume dei miei sentimenti impetuosi

sarò il tuo cavaliere dall'armatura scintillante

sarò riparo, sarò oasi

cammineremo insieme, senza più paure.

Questa è per te, e tu sai cosa significa

quando il tratto incerto verga la carta

tu sai

tu sei

per me

stella

e capolinea.

Mi fermo qui

nei tuoi pressi.

PS questa è per te, anche se non hai mai voluto leggerla.

pinta di sangue

Pint Of Blood - Jolie Holland & The Grand Chandeliers (2011)

Tanto per cominciare, una splendida copertina, il che non guasta mai. La prima impressione, e magari non me n'ero accorto in precedenza, con gli album del passato (questo è il suo quinto, non contando quelli incisi con la sua band precedente, le The Be Good Tanyas), è di una certa somiglianza con la voce e l'impostazione di Joan Wasser aka Joan As Police Woman. Provate ad immaginarvi una Joan, senza dubbio più conosciuta di Jolie Holland, che suona fondamentalmente un'americana classica, anche alla ricerca delle radici e delle tradizioni. Provate ad immaginarvi JAPW che suona un'inedito di Neil Young: perché è un po' questo che succede con il pezzo di apertura All Those Girls (qui si dice che, in pratica, è una cover di Helpless di CSN & Y, ed anche questo è vero). Insomma, non precisamente qualcosa di originale, ma molto, molto ben suonato e piuttosto "sentito". Proseguendo con l'ascolto, non si trova niente di sensazionale, ma una serie di pezzi scritti e suonati con passione, e molto stratificati, da ascoltare con estrema attenzione. Presentandosi questa volta con i The Grand Chandeliers (il co-produttore, nonché multi-strumentista, Shahzad Ismaily, ed il chitarrista Grey Gersten), la Holland chiede solo di cantare le sue canzoni (e, ogni tanto, quelle di qualcun altro), spesso con il cuore in mano, raccontando piccoli spaccati di vita e d'amore. Senza dimenticare che la ragazza racchiude nella sua musica, oltre alla base di americana, echi di Tom Waits ed influenze tex-mex. Il tutto, sempre con una grande voce e con una discreta dose di classe.

Chiude una più che dignitosa cover di Townes Van Zandt, Rex's Blues, Marc Ribot continua le sue ospitate sui dischi della Holland suonando su The Devil's Sake, e c'è posto pure per un remake di un pezzo delle The Be Good Tanyas, Little Birds, in cui escono fuori suoni quasi caraibici.

Disco non eccezionale, ma di grande eleganza. Sensazione paragonabile: come quando ti addormenti in un prato, e ti si posa una farfalla su una mano.

il ballo della vittoria

El baile de la Victoria - di Fernando Trueba (2009)

Giudizio sintetico: si può vedere (3/5)

Giudizio vernacolare: bellino e senza senzo, ma nemmeno troppo

Cile, oggi. Nello stesso giorno, per un'amnistia, escono di prigione Angel Santiago, condannato a cinque anni per una sciocchezza, e che in carcere ha subito violenza, e Nicolàs Vergara Grey, un mago dell'apertura delle casseforti, che a forza di scassi, ha perso per strada moglie e figlio.

Santiago ha un piano, e per realizzarlo ha bisogno di Vergara Grey. Vergara Grey non ci pensa nemmeno, vuol rigare dritto e riconquistare la sua famiglia. Ma Santiago è cocciuto, oltre che sognatore, e nel momento in cui si fa carico della "guarigione" della bella e misteriosa Victoria, ballerina semi-autodidatta e praticamente muta, incontrata per caso all'ingresso di un cinema porno, la necessità di portare a termine il colpo si fa sempre più pressante. Quando Vergara Grey conoscerà Victoria...

Fernando Trueba ha ancora la voglia e la forza di sognare, ce lo dimostra con questo suo per adesso ultimo film tutto suo (l'ultimo in verità sarebbe Chico & Rita, film d'animazione condiviso alla regia con Tono Errando e Javier Mariscal), tratto dal libro omonimo del cileno Antonio Skàrmeta. Il film ha un mood perennemente a cavallo tra la commedia surreale ed il dramma, ha momenti scoppiettanti, altri quasi horror, di riflessione, di gioia. La macchina da presa si muove agile, si adatta ai vari momenti della storia, nella quale non manca un fondo amaro per le tragiche reminiscenze della dittatura.

Il cast è diretto in maniera egregia; naturalmente su tutti giganteggia Ricardo Darìn (per chi non lo ricordasse, il mio attore preferito), nei panni di Vergara Grey, figura pervasa dall'amarezza e dai rimorsi, ma che intravede un riscatto affiliandosi la coppia degli altri due protagonisti, ma se la cavano in maniera più che discreta i giovani Abel Ayala (Santiago), che qualcuno avrà visto nei panni del giovane Maradona nel film a lui dedicato, diretto da Marco Risi, e Miranda Bodenhofer (Victoria), qui al suo debutto, in un ruolo non certo facile.

Rivediamo, sempre con piacere, Ariadna Gil (Teresa, la ex moglie di Vergara Grey), e curiosamente appaiono, in piccoli ruoli, le due protagoniste del cileno Affetti & dispetti (La Nana), Mariana Loyola (qui Lili) e Catalina Saavedra (qui la madre di Angel Santiago).

bye bye Tara

United States Of Tara - di Diablo Cody - Stagione 3 (12 episodi; Showtime) - 2011

Ci mancherà un po', Tara Gregson e la sua squinternata famiglia, squinternata a causa del suo Disturbo Dissociativo dell'Identità (e quindi, di conseguenza, dei suoi alter-ego). La terza, e definitivamente ultima serie, che andrà in onda in Italia su Mya a partire dal 25 luglio, soffre proprio del fatto di essere l'ultima. Sarebbe interessante sapere a che punto, la creatrice ed il team degli sceneggiatori, hanno realizzato che la serie doveva finire. Senza dubbio, gli ultimi 3/4 episodi risentono pesantemente della necessità di chiudere il cerchio in qualche modo, tirando le fila alla bell'e meglio. Inizialmente invece viene dato largo spazio ai familiari, e meno agli alter-ego. Ci si diverte un po' meno, ma si approfondiscono un po' di più gli "effetti collaterali" sulla famiglia [interessante anche lo "sdoppiamento" finale tra le volontà e il reale comportamento del marito di Tara, Max (un sempre ottimo caratterista, John Corbett, uno che sa stare al suo posto ed interpretare la sua parte con dignità e sapienza)]. Buono anche lo spunto che introduce il personaggio del Dr. Jack Hattarras (Eddie Izzard, anche lui sempre ottimo).

Però, dopo attenta riflessione, devo dire che la decisione di Showtime, che di solito viene presa sulla base dell'audience, mi ha quasi convinto, visto che la trama cominciava a girare a vuoto.

Ci lascerà un buon ricordo, una strepitosa prova complessiva di una grandissima attrice, Toni Collette, che meriterebbe qualcosa di più dalla sua carriera (e magari ne avrà l'opportunità, in un prossimo futuro), e due promesse per il futuro, nella storia i figli di Tara e Max: Brie Larson (Kate), l'abbiamo vista ultimamente in Lo stravagante mondo di Greenberg ed in Scott Pilgrim vs. the World, ma attenzione, è attiva anche a livello musicale, e Keir Gilchrist (Marshall), di cui dobbiamo ancora vedere il nuovo It's Kind of a Funny Story.

E speriamo che Diablo Cody si inventi qualcosa d'altro.

violet

Viola di mare - di Donatella Maiorca (2009)

Giudizio sintetico: si può vedere (2,5/5)

Giudizio vernacolare: slabbrapotte der passato

Su una piccola isola siciliana, nella seconda parte dell'ottocento, crescono Angela e Sara, legate da un qualcosa di indissolubile. Angela è la figlia del padrone delle cave di tufo dell'isola, un padre-padrone che comanda e dispone delle donne della sua famiglia a piacimento. Sara, orfana, viene presa a servizio della Baronessa, il cui marito utilizza i servigi e i "prodotti" delle cave isolane. Quando Sara, con la corte del Barone, torna sull'isola, le due sono donne fatte, in età da marito. Ma Angela, la più cocciuta delle due, si rende conto che quel legame che le rende l'una per l'altra, è amore, e, contro qualsiasi convenzione dell'epoca, inizia a forzare gli accadimenti per convincere anche Sara che loro due devono stare insieme. Naturalmente, il padre di Angela non tollera la cosa, e si oppone con l'unico linguaggio che conosce, quello della forza. Angela però, come detto, è cocciuta fino a non aver paura della morte, e, finalmente, anche la madre di Angela rivendica il suo ruolo, inventandosi una soluzione che perfino il marito dovrà accettare...

Tratto dal libro Minchia di Re, di Giacomo Pilati, ispirato a sua volta ad un fatto e a personaggi realmente esistiti e vissuti a Favignana, è un buon film questo secondo della Maiorca dopo Viol@ del 1998, molto più nelle intenzioni e nel concetto che nella realizzazione, che tende un po' troppo a farlo apparire come un prodotto televisivo, con tutti i difetti del caso, ma ugualmente apprezzabile.

Il cast è ricco, anche nei ruoli secondari, tutto italiano, e le interpretazioni delle due protagoniste convincenti (meglio la Ragonese - Sara - della Solarino - Angela -, ma forse è un giudizio soggettivo, vista la mia totale ammirazione per Isabella, qualsiasi cosa faccia); gli ambienti molto belli (il film è girato tra San Vito Lo Capo e Favignana) e discretamente fotografati. Forse è la macchina da presa che, sovente, rende tutto un po' ingessato, poco dinamico. Ma, alla fine, è il messaggio, quello di una conquistata libertà omosessuale femminile con larghissimo anticipo sui tempi, che fa apprezzare molto questo lavoro.

Bravo come sempre Fantastichini (Salvatore, il padre di Angela), nel cast anche Maria Grazia Cucinotta (Agnese, la sorella di Angela), Giselda Volodi (la madre), Marco Foschi (Tommaso), Corrado Fortuna (Ventura) e Lucrezia Lante della Rovere (la Baronessa).

crescendo la speranza

Raising Hope - di Greg Garcia - Stagione 1 (22 episodi; Fox) - 2010/2011

Allora, intanto diciamo che Greg Garcia è il creatore di My Name Is Earl, così almeno chi "conosceva" Earl saprà da che parti siamo. Aggiungiamo che questa prima stagione (ce ne sarà almeno una seconda, che partirà il prossimo settembre negli USA), in Italia è andata in onda su Fox col titolo (fuorviante) di Aiutami Hope!.

Dunque. La famiglia Chance è un campionario di ignoranza, low-class americana, gente talmente povera ed ingenua che non può essere altro che ottimista. Burt, che ha una piccola impresa di giardinaggio e pulizia piscine, e Virgina, che lavora in un'impresa di pulizie di proprietà di immigrati latinos, hanno avuto Jimmy da giovanissimi. Vivono in casa di Cloris, detta Maw Maw, la nonna ottantacinquenne di Virgina, affetta da una forma buffissima e devastante di Alzheimer, per cui è lucida cinque minuti ogni paio di giorni, cinque minuti nei quali vorrebbe cacciare tutti quanti dalla sua casa, e per il resto del tempo gira svestita, scappa di casa, bacia in bocca Jimmy scambiandolo per il suo defunto marito.

Già qui ci sarebbe materiale sufficiente per peripezie mirabolanti. Ma Garcia non si ferma mica qui. Il primo episodio traccia la strada: Jimmy, alla ricerca di un senso per la sua vita, carica sul furgoncino Bijou Philips, una giovane carina e sexy che sta scappando da un fidanzato geloso. Vorrei continuare a raccontarvi la genesi di questa strampalata, ma efficacissima serie/commedia televisiva, ma ora che ci penso bene, mi fermo qui. Vedetevela. Vi farete un sacco di risate.

L'occhio di Garcia sugli Stati Uniti d'America dei quali nessuno ci parla è vivo, spietato, ironico, tagliente, ma non rilascia sermoni o trattati di sociologia. Romanza e trasforma in commedia le classi meno abbienti con una grazia non comune, dissemina situazioni grottesche e divertentissime per tutta la durata degli episodi da venti minuti abbondanti, mette addosso al favoloso Burt t-shirt di band che ci piacciono, ci fa conoscere insomma una parte poco conosciuta, ma che non stentiamo a credere reale, del Paese delle opportunità. Non mancano certo le moraline o i buonissimi sentimenti, ma insomma, that's entertainment in fondo. Che fa ridere, che è pieno di personaggi piuttosto stupidi (ma assolutamente irresistibili, dal primo all'ultimo), ma non è affatto stupido.

Per la serie chi se ne frega: Martha Plimpton (Virginia), è la figlia di Keith Carradine, e fu fidanzata con River Phoenix. Pensate un po'.

silenzio bianco

White Silence - Cave In (2011)

Lunga e tormentata, la storia della band originaria di Methuen, Massachusetts. Questo disco, ve lo dico subito, a me piace un bel po', e visto che esce ad un paio d'anni di distanza dal precedente EP Planets Of Old, che è del 2009 ma che fu rieditato nel 2010, che pur con soli quattro pezzi mi aveva conquistato, direi che il fatto è decisamente positivo.

Siamo ancora dalle parti del post-hardcore che si mischia al miglior sludge-metal, c'è ancora lo zampino di Aaron Turner (Isis) per la parte grafica, e i Cave In di oggi continuano a sembrarmi una sorta di Converge psichedelici, e speriamo che riusciate a capire cosa intendo.

Un suono assolutamente deragliante, con le chitarre che frantumano le orecchie costruendo muri di suono, e la sezione ritmica a pestare durissimo, e parti deliranti, rumoristiche, appunto psichedeliche. Improvvisamente, pezzi come Heartbreaks, Earthquakes, che sembrano usciti da un cassetto di inediti dei Pink Floyd, mood che abbraccia il finale del disco, quindi pure le seguenti Iron Decibels (White Stripes meets elettronica) e Reanimation (una ninna nanna psychedelic folk composta da squilibrati).

Eclettici e potenti.

come mi sento ora

Mi prenderò del tempo, non so quando, forse, per raccontarvi cosa mi è capitato di recente, e come mi sono sentito, come mi sento adesso. Ora non ci riesco ancora. Ci sto pensando, ma mi fa ancora male, e magari sarei retorico in maniera che risulterebbe illeggibile.

Quando mi stavo dicendo "lo farò, ma non stasera", ho messo su il nuovo disco di Raf. Ora, chi mi conosce sa che ho questa passione insana per il cantautore di origine pugliese, nonostante il suo non sia esattamente il genere di musica che preferisco. L'ho messo per prendermi una piccola pausa dall'ascolto del nuovo dei Cave In. Ed ecco che, al penultimo pezzo, arriva questa canzone che mi dipinge in maniera praticamente perfetta, con il suo testo. Quindi, lascio parlare il testo di Mai del tutto, di Raffaele Riefoli in arte Raf, che ringrazio ancora una volta di esistere.

Ho cercato il mio confine

superando il limite

ho scritto la parola fine

ma è una parola che non c’è
se l’inizio è la certezza
di contare fino a tre
dopo è solo insicurezza
e non sempre va’ da sé

certe porte non si chiudono mai del tutto
certi fuochi non si spengono mai del tutto
certe storie non si scrivono mai del tutto
certi amori non si fermano mai

siamo tra la terra e il vento
e abbiamo tante strade
per viaggiare in tutto il mondo
o chissà dove

ognuno dentro i suoi universi
siamo tessere di un puzzle che
non è facile comporre
tenerlo insieme

ma il fuoco che mi accende dentro
è più forte anche del tempo

certe porte non si chiudono mai del tutto
certi fuochi non si spengono mai del tutto
certe storie non si scrivono mai del tutto
certi amori non si fermano mai

sai dirmi che vuol dire
cominciare per finire
ma se non è finito niente
forse è solo nella mia mente
ancora
quali porte avresti chiuso
quali fuochi avresti spento
che scriverai, che fermerai

certe porte non si chiudono mai del tutto
certi fuochi non si spengono mai del tutto
certe storie non si scrivono mai del tutto
certi amori non si fermano mai

certe porte non si chiudono mai del tutto
certi fuochi non si spengono mai del tutto
certe storie non si scrivono mai del tutto
certi amori non finiscono mai … mai

Dawson isla 10

Isola 10 - di Miguel Littìn (2011)

Giudizio sintetico: si può vedere (3/5)

Giudizio vernacolare: un è la peggio 'osa che ha fatto 'r bavoso

L'isola di Dawson è un'isola cilena, situata nello Stretto di Magellano, a sud di Punta Arenas. Triste storia, la sua: nel XIX secolo fu usata come campo di concentramento per gli indios Selknam. Nel 1973, il regime militare instaurato da Pinochet, dopo il golpe che esautorò Salvador Allende, vi installò un campo di prigionia dove deportò tutti o quasi i componenti del governo Allende. Tra di loro Sergio Bitar, ministro delle Miniere, politico tutt'ora in attività, che su quell'esperienza scrisse un libro, Dawson isla 10 (che è anche il titolo originale del film), da cui è tratto il film in questione.

Film presentato due anni fa al Roma Film Festival, e che ufficialmente risulta uscito in Italia il 17 giugno 2011, ma credo lo abbiano visto in pochi, Isola 10 è l'ennesimo film del regista militante, sconosciuto da noi, Miguel Littìn, esiliato ai tempi del golpe, designato da Allende nel 1971 alla guida di Chile Films, soprattutto in seguito al successo del suo debutto, Lo sciacallo di Nahueltoro. A differenza di molti altri film sul regime di Pinochet, questo di Littìn appare più riflessivo, con meno violenza fisica e più psicologica, mostrando soprattutto un ridicolo anticomunismo macchiettistico (vi viene a mente qualcuno delle nostre parti?), ma anche un lato umano di alcuni militari fin qui poco usato, che fa di questo lavoro un caso atipico, e per questo interessante.

Sfruttando lo scenario mozzafiato e, al tempo stesso, doloroso e dolente della Terra del Fuoco e dello Stretto di Magellano, con una fotografia decolorata e quindi tendente ancor più ai toni grigi, usando una manciata dei migliori attori cileni, Littìn ci racconta una storia dove l'ottusità di una manciata di uomini si ritrova a fare i conti con l'umanità di molti altri. Un film che accarezza le coscienze, anziché scuoterle.

Nei panni del narratore Sergio Bitar troviamo un ottimo Benjamìn Vicuna, visto in Fuori menù e in Fuga, ma come detto, anche il resto del cast fornisce una buona prova corale.

paesi neri

2 - Black Country Communion (2011)

Anche qua arrivo tardi: nemmeno sapevo che questo supergruppo si era formato. Per chi fosse messo peggio di me: Glenn Hughes (Deep Purple) basso e voce, Joe Bonamassa chitarra e backing vocals, Derek Sherinian (Dream Theater e un'altra marea di collaborazioni in studio e live) alle tastiere e Jason Bonham alla batteria, figlio di cotanto padre, quello stesso Jason che ogni batterista che si rispetti ha visto e odiato/ammirato, suonare divinamente una batteria di formato ridotto, a cinque/sei anni d'età in The Song Remains The Same (il film).

Questo è il secondo disco. Che musica suonano i BCC? Grande hard rock, direi. Con decise venature blues. E ci sono grandi pezzi in questo disco, come ad esempio la conclusiva Cold, una ballatona con progressioni invidiabili ed assoli di chitarra enormi.

The Outsider, in apertura, mette le cose in chiaro: è come se i migliori Audioslave suonassero i Deep Purple, per una sera. Mentre in I Can See Your Spirit, i Led Zeppelin rinascono (ma, a dire il vero, quando entrano le tastiere di Sherinian, si trasformano, ancora una volta, nei DP). Little Secret è un'altra ballatona blues molto bella.

Insomma, un disco un po' da dinosauri, ma con un bel tiro (se pensate che Hughes ha 60 anni, a averne), e pieno di classe.

the duchess

La duchessa - di Saul Dibb (2008)

Giudizio sintetico: si può vedere (3/5)

Giudizio vernacolare: anche i ricchi piangano

La vita di Georgiana Spencer, poi Cavendish, duchessa del Devonshire, a partire dall'adolescenza. Georgiana nacque e visse nel Regno Unito dal 1757 al 1806, sposò William Cavendish duca del Devonshire a 17 anni, ma il matrimonio non fu felice: il duca voleva soprattutto un erede maschio, ma dopo diversi aborti vennero due femmine, e il maschio molto dopo. Georgiana fu però un personaggio amatissimo, che si mise in luce per varie altre cose, in Inghilterra; era talmente benvoluta, tanto era d'uso dire che suo marito fosse "l'unico uomo d'Inghilterra a non amarla". Attiva sostenitrice politica dei Whig, icona di stile, presenzialista, accanita giocatrice d'azzardo ed anticonformista, tanto che in pratica, accettò il ménage à trois che vedeva suo marito dividere il letto con la sua migliore amica, Lady Elizabeth Foster detta Bess. Anche lei, Georgiana, del resto...

Interessante "recupero" questo secondo lungometraggio del londinese Dibb, sulla vita di un personaggio decisamente "avanti", basato sul libro di Amanda Foreman Georgiana. Ottima ricostruzione storica (anche se falsata da alcune inesattezze, probabilmente introdotte per romanzare il tutto), sontuoso negli scenari e nei costumi (Oscar per questi ultimi nel 2009), sostanzialmente corretto nell'uso della macchina da presa e nella fotografia, il film lascia che lo spettatore empatizzi con la protagonista, interpretata davvero magistralmente dalla ogni volta più convincente Keira Knightley, e si avvale di buone prove di comprimari di lusso, quali un dolente Raplh Fiennes nei panni del duca del Devonshire e l'algida Charlotte Rampling come la madre di Georgiana.

Originariamente doveva essere diretto da Susanne Bier (ed eccoci al motivo per cui l'ho recuperato: nei crediti di sceneggiatura compare il nome di Anders Thomas Jensen): chissà che piega avrebbe preso.

forza di giustizia

Juggernaut Of Justice - Anvil (2011)

Per chi non sapesse chi sono i canadesi Anvil, fatevi un ripasso. Il disco andrebbe ascoltato solo per questo. Quattordicesimo disco, il primo post-film di cui sopra, registrato nello studio di Dave Grohl, il disco è un classico dell'heavy metal anni '80. Nessuna concessione ai nuovi stilemi, ma pure nessun prigioniero: riff pesanti, aperture melodiche anthemiche, assoli che ti portano via. Compatto e mediamente coinvolgente, un po' ripetitivo a lungo andare, ma con alcuni pezzi davvero notevoli: la title-track, Not Afraid, When Hell Breaks Loose.

Defenders of the faith!

la vita buona

La buena vida - di Andrés Wood (2008)

Giudizio sintetico: si può vedere (3/5)

Giudizio vernacolare: un è artmanne ma si daddaffà ir ragazzo

Santiago del Cile. Vite che si intrecciano, si sfiorano, a volte si toccano pure, ma non si compenetrano. Teresa è una psicologa che cerca di aiutare le prostitute a salvarsi almeno dall'AIDS. Sua figlia Paula è un'adolescente lunatica, chiusa con lei, che invece la vorrebbe solare. Teresa è separata dal marito, padre di Paula, Jorge, hanno un rapporto cordiale ma freddo, e lei non sa se odiarlo oppure no. Edmundo è un parrucchiere/estetista che desidera un auto, ma con il suo lavoro a malapena sopravvive in casa con la madre; all'improvviso, si ritrova a fare i conti con una donna che lo desidera, Esmeralda, proprio la bancaria alla quale chiede il prestito per l'auto, e l'esumazione della salma del padre, con i conseguenti costi da sostenere. Mario è un giovane musicista di clarinetto, con il sogno di entrare alla Filarmonica di Santiago, ma che per far buon viso a cattivo gioco, respinto dalla Filarmonica, entra nell'Esercito, in modo da poter guadagnarsi da vivere continuando a suonare, in attesa di meglio. Patricia è una ragazza madre che, ai limiti dell'indigenza, abbandonata da tutti, tenta come può di dar da mangiare alla piccola figlia. Ognuno cerca qualcosa, ma finirà per trovare altro.

Wood è vagamente conosciuto da noi per il precedente Machuca, davvero un bel film, il suo quarto lungometraggio. Questo è il seguente, ed è un affresco corale ben fatto, con un finale amarissimo, messo in scena da attori molto bravi. Il mood è perennemente in bilico tra fatalismo, ironia, situazioni grottesche (l'inseguimento di Mario ad un borseggiatore, visto che lui, in divisa, è scambiato per un poliziotto o giù di lì, un po' tutte le situazioni di Edmundo), ha un bel tocco, la città sta sullo sfondo ma è ugualmente protagonista come un'entità tentacolare.

Per chi avesse visto il già citato Machuca, anche qui c'è la giovane e brava Manuela Martelli (in Machuca era Silvana, qui è Paula), e Aline Kuppenheim (qui Teresa), e per chi invece avesse visto anche i film di Pablo Larraín, c'è il grande Alfredo Castro (Jorge), in una parte "normale". Molto brava anche Paula Sotelo nei panni di Patricia.

Apprezzabile.

miraggio al neon

Neon Mirage - Stan Ridgway (2010)

Eclettico, la parola più calzante per raccontare l'ultima fatica dell'indimenticato cantante dei Wall Of Voodoo. Stanard Ridgway, 57 anni, californiano di Barstow, voce baritonale, polistrumentista, compositore e scrittore di testi con vena drammatica, da sempre interessato anche a scrivere musica per il cinema (vi ricordate la splendida Don't Box Me In, con l'amico Stewart Copeland, per Rusty il selvaggio?), ha rilasciato ormai quasi un anno fa (agosto 2010) questo disco davvero interessante, denso, pieno di cose, di stili, che parte dal rock americano ed attraversa uno specchio talmente ampio che è probabile perdercisi dentro.

Per ascoltarlo, potreste cominciare inusualmente dalla sua cover di Lenny Bruce (Bob Dylan), anziché dalla languida ballata d'apertura, con naturali venature western (che sono nel suo DNA musicale), Big Green Tree. Molti pezzi sono basicamente su questa falsariga, qua e là appare il fantasma di Johnny Cash, ma basta ascoltare Scavenger Hunt, che racchiude Tom Waits, il blues elettrico, spruzzate di jazz raffinato, per capire quante ne sa il vecchio Stan.

Del resto, ogni volta che penso a lui, mi sovviene questo fatto: uno che solo con la musica, ha convinto Tom G. Warrior a "copiarlo", facendo poi diventare un classico la cover di Mexican Radio (originariamente dei Wall Of Voodoo, già un classico per conto suo), eseguita con i Celtic Frost, deve essere un grande. Per forza. Scherzi a parte, un bel disco.

la vita dei pesci

La vida de los peces - di Matías Bize (2010)

Giudizio sintetico: si può vedere (3/5)

Giudizio vernacolare: la fia ci fa, la fia ci sfà (vecchia, abusata, ma sempre valida)

Santiago, Cile. Andrés, giornalista di viaggi, vive e lavora a Berlino da una decina d'anni. Se n'è andato dal Cile dopo un amore finito male e la morte di un amico fraterno. Di passaggio per chiudere i conti col suo passato, prima di stabilirsi definitivamente in Germania, presenzia alla festa di compleanno di un vecchio amico; durante la festa, rivede tante facce conosciute e amate, persone con le quali ha condiviso la giovinezza spensierata, le prime esperienze di ogni cosa, come pure il suo antico amore, mai dimenticato, Beatriz. I due si salutano, si sfiorano come fossero in un acquario. Ci sarà un chiarimento? Accadrà qualcosa?

Giovane (32 anni), ma già piuttosto esperto, Bize ha già al suo attivo diversi lungometraggi e qualche premio; con questo suo ultimo lavoro ha vinto un Goya, in Spagna, come miglior film straniero in lingua spagnola. Girato con un elegante digitale, tutto dentro una grande casa (come, appunto, in un acquario), con una fotografia curatissima e in alcuni momenti perfino troppo perfetta, il film che dura un'ora e venti ha un ritmo molto lento, molti dialoghi come pure diversi silenzi, con la musica, decente, spesso in prima piano, non annoia, soprattutto per l'empatia che si prova per il protagonista (un ottimo Santiago Cabrera, bellissimo attore cileno, che abbiamo visto nella serie statunitense Heroes e nel Che di Soderbergh, nella parte di Camilo Cienfuegos), che riesce a mettere in scena tutto un campionario di emozioni coinvolgenti.

Un bel tocco Bize, un film non usuale, un finale aperto, un film interessante, un regista da tenere d'occhio. Nel cast anche Antonia Zegers (Mariana), che abbiamo visto nei film di Pablo Larraín, Tony Manero e Post Mortem (era Nancy, la ballerina dirimpettatia del protagonista). Non è uscito in Italia.

me and you

Io e te - di Niccolò Ammaniti (2010)

Roma. Lorenzo è un ragazzino di circa quattordici anni, figlio della buona borghesia romana. Il padre è un professionista agiato, che ha avuto una figlia dal primo matrimonio, e Lorenzo dal secondo. Il ragazzo è un solitario, pur avendo un'intelligenza vivace, e di conseguenza ha problemi di adattamento a scuola, con gli altri. Finché, da una parte i genitori, soprattutto la madre, che preoccupati lo mandano in analisi, dall'altra lui capisce che deve soltanto "mascherarsi" con gli altri, rientrare nella media, per essere lasciato in pace. Così è, così fa. Finché, forse per scherzo, forse per soddisfare la madre tanto apprensiva, si inventa una bugia colossale. Sente programmare, a un gruppetto ristretto della sua classe, tutti figli della Roma-bene, personaggi in minatura che lui ammira per le loro personalità distinte, una settimana bianca a Cortina. E lui si inventa che lo abbiano invitato. La madre è gonfia di gioia, il padre assume l'atteggiamento di quello che "lo ha sempre saputo". La madre è talmente felice, che Lorenzo non riesce a dirle la verità. E quindi continua a mentire, si fa lasciare a due incroci dal punto di ritrovo con la scusa dell'indipendenza e del fatto che se lo vedono arrivare con la mamma poi lo prendono in giro, e naturalmente non parte. Si rinchiude in cantina, dove ha preparato viveri e distrazioni. Ma, quando pensa di essere riuscito a tappare ogni falla, perfino ad ingannare la madre, ecco che, all'improvviso, arriva un'altra persona a sconvolgere quell'equilibrio fatto di bugia...

Ancora ottimo Ammaniti, alle prese con un romanzo breve, quasi brevissimo, su un adolescente inquieto, con un elemento di disturbo che finisce per essere una parte importantissima del racconto, e che inserisce l'elemento di tenerezza, di commozione, senza per questo premere o forzare su tasti prevedibili. Prosa semplice e mediamente asciutta, stile scorrevole e moderno, Io e te piace e si fa leggere, potrebbe persino essere già pronto per diventare un film (cosa dalla quale, peraltro, Ammaniti non è stato esente in passato). Ottimo il finale, "circolare", visto che è posto all'inizio del libro e si rivela correttamente alla fine; il tutto conferma Ammaniti quale scrittore di punta del panorama italiano, buon raccontatore di storie mai troppo intellettuale, ma neppure troppo terra-terra.

j & b

Jay & Silent Bob - Fermate Hollywood - di Kevin Smith (2002)

Giudizio sintetico: si può vedere ma anche no (2,5/5)

Giudizio vernacolare: sempati'o

Jay e Silent Bob scoprono che a Hollywood stanno per fare un film su di loro. O meglio, stanno per fare un film tratto dal fumetto ispirato a loro, Bluntman and Chronic, Holden McNeil (si, quello di Chasing Amy) prova a spiegarglielo, ma non c'è verso. Quindi, dopo aver "scoperto" l'esistenza di internet ("un luogo dove la popolazione mondiale si incontra per parlare male dei film e per scambiarsi materiale pornografico"), ancor più arrabbiati perché si accorgono che molti stanno prendendo in giro i personaggi a loro ispirati, partono per Hollywood decisi a fermare la produzione del film stesso. Per strada faranno gli incontri più disparati, e al loro arrivo troveranno più di una sorpresa.

Per carità, ci sono pure le serate per un film come questo. Come detto più volte, massimo rispetto per Kevin Smith, ma Clerks rimane inarrivabile. E' lecito, comunque, sfruttare i suoi personaggi, per divertissement qual è questo Jay & Silent Bob Strike Back (in originale), e dichiarare il proprio amore verso il cinema, qualunque esso sia, perfino quello dozzinale e caciarone, o quello d'azione, quello di fantascienza o i teen-movies.

Ecco, il divertimento per lo spettatore, oltre che vedere Jason Mewes (Jay) sullo schermo ancora una volta (ce ne vorrebbe una dose al giorno: ecco fate un serial su questo personaggio!), e a notare tutti gli ospiti illustri, presenti nel cast anche solo per un momento, è cercare di cogliere, incamerare ed archiviare il fiume di citazioni ed autocitazioni, che Smith dissemina lungo l'arco dell'ora e mezzo abbondante del film.

Per carità, niente di eccezionale, e se ve lo perdete non succederà nulla. Però a questi personaggi vogliamo bene.

tempi duri

Hard Times & Nursery Rhymes - Social Distortion (2011)

Alla fine, i Social Distortion non cambiano di una virgola. Tra i critici accreditati, c'è chi ha usato questo per dare un'insufficienza a questo album. Un po' come nel caso dell'invasione dei super-cloni (leggi, ultimo esempio, Rival Sons), anche se qui siamo di fronte ad un caso diverso, e cioè una band che, in pratica, coverizza se stessa, usando (e, ad essere sinceri, abusando) schemi, influenze, standard stra-conosciuti (la ricetta del cowpunk: punk rock, blues e country), il disco, uscito subito dopo l'inizio del 2011, è piacevolissimo e godibile, molto, molto americano. Oltre a loro stessi, puoi sentirci, senza scendere troppo nel particolare, Neil Young, Bruce Springsteen e, perché no, i Rolling Stones (oltre ad Hank Williams, omaggiato con una degna versione di Alone And Forsaken). E non c'è una canzone brutta.

La migliore, e forse più sentita nell'esecuzione, Bakersfield, la più scontata Far Side Of Nowhere.

zamani barayé masti asbha

Il tempo dei cavalli ubriachi - di Bahman Ghobadi (2001)

Giudizio sintetico: da vedere (3/5)

Giudizio vernacolare: un è mi'a vita

Siamo in Iran, nominalmente. In realtà, siamo in quella terra conosciuta come Kurdistan, a cavallo di Iran, Iraq, Siria e Turchia, e la vita è talmente dura, che ogni giorno potrebbe essere l'ultimo. Nezhad, il fratello maggiore (ma probabilmente minorenne, per i nostri parametri), e Amaneh, la sorella, si prendono cura del fratello Madi, affetto da nanismo e non solo, che a quindici anni non riesce a parlare né a prendersi cura di se stesso. Vanno, insieme a molti altri bambini, nella città iraniana più vicina, lavorano come incartatori di qualsiasi cosa, e sulla strada del ritorno al loro villaggio, sulle montagne che dividono l'Iran dall'Iraq, sono complici inconsapevoli di contrabbando. La madre è morta, rimane loro il padre, che lavora naturalmente come contrabbandiere, perché altro da fare non c'è (e se non hai un mulo è difficile fare pure quello). Ma le sfortune non arrivano mai da sole: di ritorno al villaggio a piedi, perché il camioncino sul quale viaggiano insieme agli altri bambini viene fermato dalle guardie di frontiera e sequestrato, bagnati fradici dalla neve presente sul cammino, ritrovano il padre cadavere vittima di un classico incidente di frontiera, e il dottore dice loro che a Madi non rimane molto da vivere, a meno che non trovino i soldi per farlo operare piuttosto urgentemente.

Dolorosissimo, molto bello, ma anche molto asciutto e completamente privo di commiserazione o di ricerca di pietà (anche se Madi, in realtà, dopo l'uscita di questo film, pare sia stato operato da un gruppo di medici italiani aderenti all'organizzazione WOPSEC, di volontariato), questo debutto del curdo iraniano Ghobadi (I gatti persiani), già aiuto regista per Kiarostami ed attore per Samira Makhmalbaf in Lavagne, riprende l'ambientazione di quest'ultimo film, e lo estremizza, semplicemente raccontando la realtà. La storia, come avrete intuito dalla parentesi a proposito dell'operazione di Madi, è vera, ed i protagonisti sono realmente una famiglia (curda). I paesaggi sono meravigliosamente invivibili, ripresi con una sorta di distacco catartico dalla macchina da presa spesso fissa, le facce dei piccoli (e grandi) attori spettacolarmente vere, l'enfasi è assente, la trama semplicissima e, se non fosse così in bilico tra vita e morte, sarebbe pure divertente.

Nonostante la breve durata (un'ora e venti circa), il film scorre piuttosto lentamente: è, in pratica, l'unico difetto, che personalmente ritengo una sorta di prezzo da pagare, per assistere ad un film che mette il cinema di qualità al servizio della vita e della conoscenza.

re notte

King Night - Salem (2010)

La leggenda vuole che i tre Salem siano ex tossici, e se così fosse ci sarebbe solo da rallegrarsi per loro. Il loro disco di debutto, uscito lo scorso anno alla fine di settembre, ha avuto una discreta eco, e segue una manciata di singoli ed EP. Siamo di fronte ad un prodotto completamente elettronico che incrocia un hip-hop rallentato, con voci spesso modificate, e un'atmosfera oscura, un mood claustrofobico, che si rifà al gothic rock, e che è stato catalogato alla voce witch house, anche detto drag. Ipnotico ed avvolgente, non annoia ma stende al tappeto l'ascoltatore, lavorandolo ai fianchi. Una sorta di trip, a suo modo decisamente interessante, nel suo estremismo.

il giorno della bestia

El Dìa de la Bestia - di Alex de la Iglesia (1995)

Giudizio sintetico: si può vedere (2,5/5)

Giudizio vernacolare: vesto vi si che è di fori

Spagna, dicembre 1995. Padre Angel, un sacerdote basco studioso della Bibbia, ed in particolare dell'Apocalisse, è convinto di aver decifrato il messaggio codificato da San Giovanni Evangelista. L'Anticristo nascerà nella notte di Natale, proprio a Madrid. Il problema è capire dove, mettersi in contatto con Satana, per poi eliminarlo. Padre Angel, quindi, arriva a Madrid deciso a compiere il maggior numero di peccati possibili, per avvicinarsi così al maligno, e determinato ad entrare in contatto con lui ad ogni costo. Ecco quindi che si avvicina a José Marìa, il commesso di un negozio di dischi specializzato in black e death metal, e decide che il suo tramite sarà il Professor Cavan, un ciarlatano italiano che impazza sulla televisione spagnola con il suo programma-spazzatura su esorcismi casalinghi ed indemoniati fasulli.

Secondo lavoro del folle de la Iglesia, scoppiettante, pirotecnico, caustico, ironico, divertente, il regista all'epoca trentenne prende in giro qualunque cose e chiunque, elegge tre macchiette per protagonisti (i tre spassosi Alex Angulo - Padre Angel -, Santiago Segura - José Marìa -, un po' l'attore/feticcio di de la Iglesia, e Armando/Maurizio De Razza - Cavan -), si aiuta con effetti speciali ruspanti ma efficaci, che danno quel fascino di horror di serie B che fa sempre figo, posiziona la macchina dove deve stare, e, diciamo così, si allena per girare sempre più scene a effetto (la scena della fuga dall'appartamento di Cavan, all'esterno di un palazzo con acrobazie nel vuoto, vista adesso, dopo il suo ultimo lavoro Balada triste de trompeta, "suona" come un preludio della scena finale di Balada), cosa che, si nota, gli piace particolarmente.

La causticità, l'ironia, l'amore per lo splatter, tutto già notato nel debutto Azione mutante, rimarranno le cifre stilistiche predominanti, anche nel lavoro a seguire di Alex de la Iglesia. E c'è da dire che le ha sempre usate sapientemente, e che i suoi film risultano sempre godibili e, nonostante esagerazioni, amputazioni, violenza varia, mai stupidi.

Ci sono anche Gianni Ippoliti e Maria Grazia Cucinotta.

dammi un po'

Gimme Some - Peter, Bjorn and John (2011)

Sesto lavoro per gli svedesi di Stoccolma. Non mi esalto di fronte a questo genere di cose, un indie rock-pop con fortissime reminiscenze sixties (echi e melodie in genere), ma si possono notare benissimo retrogusti new e post wave, così come una spruzzata di punk rock (in alcuni momenti sembrano i The Hives meno roboanti, più delicati).

Bisogna però ammettere che il trio ci sa fare, tutte le canzoni sono ben scritte, ed alcune sono molto carine (Dig A Little Deeper, Second Chance, Breaker Breaker).

Disco divertente, senza scossoni ma pure senza grossi difetti.

I Heart Huckabees

Le strane coincidenze della vita - di David O. Russell (2005)

Giudizio sintetico: si può perdere (2/5)

Giudizio vernacolare: seondo me l'ameriani so' propio 'osì...

Albert Markovski è alla guida di Open Spaces, un piccolo gruppo di attivisti ambientalisti che si batte per la conservazione delle aree verdi, in una imprecisata località statunitense (siamo dalle parti di LA). Poeta a tempo perso, la battaglia di Albert è tutta diretta verso l'impedimento della realizzazione di un nuovo centro commerciale Huckabees. Albert è inoltre ossessionato dalle coincidenze, ed ultimamente gli pare di vedere troppe volte un "alto ragazzo africano", in situazioni particolari. Quando Brad Stand, giovane e rampante avvocato della stessa catena Huckabees, fidanzato con Dawn Campbell, bella e svampita modella testimonial della catena, circuisce i membri di Open Spaces, diventandone il capo, estromettendo Albert, e convincendo gli attivisti a non intralciare Huckabees, corrompendoli promettendo loro un concerto di Shania Twain per l'inaugurazione, Albert si affida alla coppia di "detective esistenziali" Bernard e Vivian Jaffe, che lo seguono per analizzare i suoi comportamenti, e renderlo cosciente delle interconnessioni universali che guidano gli accadimenti della sua vita.

Regista ben strano, che opta per scelte di solito non convenzionali, O. Russel fece centro, a mio giudizio, con Three Kings nel 2000, ed ultimamente è tornato sotto i riflettori con il più usuale The Fighter; questo Le strane coincidenze della vita, che si colloca temporalmente più o meno in mezzo, è un film scanzonato che riflette sul senso della vita, per cui una sorta di contraddizione in termini, mettendo nel piatto ambientalismo, psicanalisi e consumismo, centrifugando il tutto e cercando di prendere per in giro l'intera struttura culturale occidentale. Nonostante un cast lussuosissimo (Jason Schwartzman - Albert -, Jude Law - Brad -, Naomi Watts - Dawn -, Dustin Hoffman, Isabelle Huppert, Mark Wahlberg), il risultato fa sorridere in più punti, ma non risulta affatto convincente, e pure un po' confusionario.

litany of regrets

Diotima - Krallice (2011)

Terzo disco per i newyorkesi black-drone-metaller, intitolato ad una figura storico-filosofica (Diotima di Mantinea), che convince poco, annoia e segna un po' il passo, anche solo rispetto al predecessore Dimensional Bleedthrough. Strutture, mi pare, meno complesse e più monotone, che naturalmente, con il droning incessante da loro praticato, tendono naturalmente ad anestetizzare l'ascoltatore, abbandonandolo in una noia, è proprio il caso di dire, mortale.

A questo giro, decisamente sorpassati a destra dai concittadini Liturgy.

days of heaven

I giorni del cielo - di Terrence Malick (1978)

Giudizio sintetico: da vedere (3,5/5)

Giudizio vernacolare: la fame è brutta ma anche la sete uni scherza

Chicago, Stati Uniti d'America, inizi del '900. Bill è un giovane operaio d'acciaieria, con un carattere forte e a volte attaccabrighe. Tira avanti come può, in un'epoca di povertà diffusa, insieme alla sorellina Linda e all'amata Abby, anche se a tutti dicono che sono tutti fratelli. Dopo un litigio sul lavoro, i tre decidono di andare a cercar fortuna al sud. Dopo un lungo viaggio, condiviso con molti altri poveri come loro, trovano lavoro come stagionali in un grande latifondo texano. Le cose vanno bene, ma il lavoro basta appena per sopravvivere, e tutti e tre hanno sogni di benessere. Bill, smaliziato, si accorge che il proprietario è fortemente attratto da Abby; dopo qualche giorno, capta una conversazione dalla quale comprende che lo stesso proprietario è gravemente malato, e non gli resta molto tempo da vivere. Convince Abby, riluttante, ad accettare la sua corte, ed in seguito a sposarlo, in modo da "guadagnarsi" una vita migliore per tutti e tre.

Ma se da una parte, ci sono i sospetti di alcune persone vicine al padrone, dall'altra c'è la difficoltà di tenere segreta una cosa del genere, e il "pericolo" che la vicinanza tra due persone (Abby e il padrone, adesso suo marito) può generare.

Secondo film di Malick, dopo l'esordio destabilizzante de La rabbia giovane, altro film dedicato all'analisi del suo Paese, della sua gente e della sua storia. Rispetto al debutto, film senz'altro più lineare, ma, essendo sempre Malick, un suo film non sarà mai "inquadrato" come gli altri, o come uno spettatore medio si aspetterebbe. Ed in effetti, pure questo I giorni del cielo conserva, del precedente, una sorta di sguardo esterno, di distacco, rispetto a quello che accade nella storia, oltre alla peculiare caratteristica del cinema di Malick, la costante presenza della voce fuori campo (una cosa rischiosissima per ogni regista), qui affidata alla piccola Linda.

Com'è, come non è, un film dilatato, che dura 94 minuti che sembrano eterni, che parla di un fatto anche facilmente prevedibile, che lascia spesso spazio più ai paesaggi che agli attori, riesce ad affascinare, vuoi per la scelta degli attori stessi (Richard Gere è Bill, Sam Sheperd è il padrone, Brooke Adams è Abby, Linda Manz è Linda), vuoi per una fotografia mozzafiato (che verrà ripagata con l'Oscar a Néstor Almendros), vuoi per i colpi di genio (la "piaga" delle cavallette), vuoi per la filosofia di fondo (vedi la fine che fanno i protagonisti, rispetto al loro "posizionamento" di fronte all'inganno). Non ultimo, lo sguardo incantevolmente realistico che il regista lancia, per l'intero film, al contesto storico, perfettamente messo in scena.

un modo lontano

A Way Away - Indica (2010)

Le Indica sono una band completamente femminile proveniente dalla Finlandia. Questo è il loro quinto album, il loro primo in inglese. Nonostante l'abbigliamento e le tematiche vagamente goth, le cinque ragazzone nordiche sono decisamente un combo pop-rock, che miscela un hard rock annacquato, arie melodiche pomposette e vagamente sinfoniche, con aperture che ricordano perfino gli ABBA. La cantante Johanna Jonsu Salomaa non se la cava male, voce calda e ben dosata, qualche pezzo è perfino piacevole (il mio preferito è Scissor Paper Rock), ma in generale sono si, molto orecchiabili, ma pure piuttosto deboli.

la bambina è andata

Gone Baby Gone - di Ben Affleck (2008)

Giudizio sintetico: si può vedere (3/5)

Giudizio vernacolare: mi pareva assomilliasse a mistic rive'...

Boston, quartiere di Dorchester. Patrick Kenzie ed Angie Gennaro sono investigatori privati, ma non di quelli in giacca e cravatta, o tailleur. Sono nati e cresciuti nel quartiere dove la povertà e l'indigenza regnano, sono sopravvissuti decentemente, sono fidanzati tra di loro e si vogliono bene. Di solito investigano su casi non gravissimi, ma stavolta, per una serie di accadimenti, vengono ingaggiati dagli zii di una bambina appena scomparsa, Amanda McCready, quattro anni, figlia di Helene, una tossicodipendente invischiata pure nello spaccio di droga; la gente del quartiere non ha grande fiducia nella polizia. La coppia di detective si trova quindi prima a confrontarsi con la famiglia McCready, con strane dinamiche tra Helene, suo fratello Lionel e la moglie Bea, poi con il capo della polizia Jack Doyle, che ha alle spalle una perdita di una bambina piccola, ed infine, prima che con l'intera malavita del quartiere, con la coppia di detective della polizia ai quali è affidato il caso, O'Malley e Remy Bressant, il secondo molto meno accondiscendente del primo. Niente è come sembra a Dorchester, Boston...

Come saprà chi mi conosce, non apprezzo Ben Affleck come attore, e non ho fatto salti di gioia davanti alla visione di The Town; avevo però sentito parlare piuttosto bene di questo suo debutto alla regia, e quindi mi sono, come si suol dire, rimesso in pari.

Che dire: niente male. Per tutta la prima parte ho continuato a ripetermi che l'atmosfera era molto eastwoodiana, molto Mystic River: subito dopo ho capito perché. Il film è tratto dal libro La casa buia di Dennis Lehane, lo stesso autore di La morte non dimentica, da cui è tratto, appunto, Mystic River. Comincerei quindi con un plauso, per aver saputo creare un'atmosfera simile (anche se, essendo maligni, si potrebbe pensare ad una sorta di plagio). Affleck (Ben, perché nel film il protagonista è il fratello Casey, che interpreta dignitosamente Patrick Kenzie) mette in scena in maniera abbastanza convincente questo quartiere degradato, ma con qualche scampolo di dignità. Pare perdersi un po' nella seconda parte, dove pian piano affiorano trame complesse ed intricate, ma riesce ad instillare nello spettatore il senso, credo, della storia, e cioè il dilemma etico del finale, affidato appunto a Kenzie, del quale, però, in un tourbillon di molti protagonisti, a ripensarci pare si fosse un po' dimenticato, almeno a livello psicologico.

Regia di maniera, così come la fotografia, perfino troppo curata per l'ambiente che descrive. Cast veramente ricco: già detto di Casey Affleck, c'è Michelle Monaghan (Angie Gennaro), che abbiamo rivisto di recente in Source Code, e che qui pare una bambina in confronto (ma è ugualmente molto carina, e, forse, addirittura più convincente), Morgan Freeman (Jack Doyle) al minimo sindacale, Ed Harris (Remy Bressant) in ottima forma, Amy Ryan (Helene) come sempre molto brava (fu candidata all'Oscar per questo film, come non protagonista; vorrei ricordarvela nella terza stagione di In Treatment e in The Wire), Amy Madigan (Bea), indimenticabile in Carnivàle, Titus Welliver (Lionel), ultimamente in Sons Of Anarchy, e la faccia sfregiata ma bellissima di Michael Kenneth Williams (Devin), che abbiamo apprezzato moltissimo in The Wire (era Omar Little) e più di recente nei panni di Chalky White in Boardwalk Empire.

Rimango dell'opinione che con The Town, Affleck regista abbia fatto un passo indietro.